How may
arts boost morale in times of conflict? How much may it actually work? Do arts
or artists face serious compromise on their vision while doing so? As we have
seen last year, WWII was such a total war that demanded complete mobilization
for everyone in the countries involved, even those people who are unfit for
military service. Such was the case of British choreographer Frederick Ashton,
who served in the RAF, and William Walton, who was unfit for active service but
was required to compose music on different morale-boosting projects both public
and private.
William
Walton was born in 1902 in Oldham, Lancashire to a musical family. He found no
family barriers to pursue a musical education, first as a chorister only, then
as a chorister-composer during his time at Christ Church, Oxford. He began
there his undergraduate at 16 years old; legend has it he was the youngest to
do so since King Henry VIII. He was trained by Hugh Allen who introduced him
into the world of Stravinsky, Roussel and Sibelius. Unfortunately, Walton was
not keen at some subjects such as Greek or algebra, which were required for
graduation; so in spite having demonstrated high talents for music, he went out
of school while being 20 without having a degree. Luckily, he befriended the
Sitwell family, powerful aristocrats whose children were to become equally
talented writers and artists. They provided him the rest of his education with
such trained artists such as Ernest Ansermet or Ferrucio Busoni, being sometime
influenced by the Second Viennese School
and producing a radical String Quartet. He would later reject that style
in spite its growing acceptance and remained a modernist with his first work,
the musical-literary pantomime Façade,
composed in collaboration with Edith Sitwell. The work became a succès de scandale,
but soon enough became accepted and Walton became famous. This proved enough
stimuli to make him produce extremely significant works during the next two
decades such as the Viola Concerto,
the grand cantata Belshazzar’s Feast and
his superbly crafted First Symphony.
WWII did not halt his career: unfit for active service, Walton was commissioned
by the government as an “official composer” who wrote incidental music for war
propaganda films, among them the first artistic succesful film representation
of a Shakespeare play: Laurence Olivier’s Henry
V.
Frederic
Ashton is also related to the art music business, as chief of the Sadler’s Wells
ballet, one of the forefathers of the Royal Ballet. Founded by Irish-British
dancer Ninette de Valois, the Vic-Wells and later the Sadler’s Wells ballet
companies were the first ballet professional companies in Britain with Frederic
Ashton as head choreographer and Constant Lambert as resident composer and head
conductor. Ashton had also in the past important collaborations with Walton,
setting to dance music episodes from his pantomime Façade for these companies. In 1941, he was drafted into the RAF as
an intelligence officer, leaving his post at the ballet. The company needed
suddenly a new, morale boosting piece. With all of his former wartime collaborations*,
Walton seemed to be an approachable and likely choice to compose the score of
the new ballet, a score named The Quest
based upon Book I of the epic poem The
Faerie Queene by sixteenth century English poet Edmund Spenser, which is
intrinsically a praise to England and the virtues of religion against the vices
of sin and violence. The protagonist was to be the Redcross Knight, who in the
ballet is re-casted as Saint George, while the main characters Una, Duessa or
Archimago are kept. Its creation was however difficult as Walton had to send
piece by piece in piano originals to the northern Britain where the ballet
company was in tour, sometimes using rail guards as couriers. It had finally
its premiere in London on April 1943.
The
ballet’s synopsis might go as this. On Scene 1 “Outside the House of Archimago”, after a sheer introduction in
horns and brass mainly, Saint George (Holiness) and Una (Truth) get lost in a
storm and fall into the spell of evil Archimago (representing Hypocrisy). As
music recedes in strings and woodwind, Una dances a Siciliana as both
characters fall asleep. In the meantime, Archimago has turned one of his maids
into a false version of Una, who wakes up St. George and tries to seduce him
but fails. However, Archimago enrages St. George while making lie his henchman
next to the false Una; action which succeeds and St. George leaves. Una enters
but is unable to find St. George and leaves. Archimago is however infuriated
and leaves the scene with an armor that resembles that of St. George. On Scene
2 “Near the Palace of Pride”, an initial fanfare indicates the entrance of the
three devious knights Sansloy (Lawless), Sansjoy (Joyless) and Sansfoy
(Faithless), which immediately turns into a courtly dance in woodwind as they
compete for the love of Duessa (Falsehood). Immediately St. George enters in a
trumpet tune and fights Sansfoy, killing him in the process during a violent
instrumental struggle. He extracts Duessa from the scene, yet Una enters
looking for him. Nonetheless, she mistakes Archimago as he is disguised as a
false St. George. Scene 3 is a Theme and Variations entitled the Palace of Pride, in which Pride is
portrayed on her majestic throne as a rhythmic dance is played on brass. The
variations represent the seven deadly sins, who dance around Pride: Variation 1
is Sloth, phlegmatically introduced by a bassoon and developed in lento
measures. Variation 2 is Gluttony, portrayed in brass as a devouring giant.
Variation 3 is Wrath, displayed by the whole orchestra in a syncopated display
of force. Variation 4 is Lechery, slowly and seductively interpreted by winds
and strings. Variation 5 presents Avarice employing a full wind section using
glissandos and tremolos. Variation 6 Envy is a wild waltz for full orchestra
that swirls around into a growing fanfare. Variation 7 brings again the
fanfares of Pride as a terrific coda. The conclusion of this scene opens as St.
George enters into the palace and dances a witful dance with Duessa. However,
they are interrupted as Sansjoy enters to challenge St. George to a duel again
represented with battle music, especially in brass. Sansjoy gets killed but St.
George is disgusted as Duessa is reunited with the Sins and leaves the scene.
In Scene 4, woodwind meaning the mourning of Sansloy, who in his rage, mistakes
Archimago for St. George and kills him in a string fugue. He immediately tries
to seduce Una, who was accompanying Archimago, but they are interrupted by St.
George who arrives gallantly and challenges Sansloy to an ultimate duel,
killing him at last. St. George and Una are reunited and cast off the spell.
Scene 5 is the only that comes immediately afterwards the preceding one: St.
George and Una march Into the House of
Holiness during a bolero-styled processional. Here they are joined by the
three theological virtues Faith, Hope and Charity as they dance altogether in a
peaceful dance in winds. Nonetheless, St. George is reminded of his duties, and
consequently puts back his armor on, pledges himself to England and leaves Una
behind in his house as he departs to his future quests in a triumphant
apotheosis.
Much in
spite their efforts, the production received a mixed review and failed to stay
in the repertoire after only a few performances during wartime. The music
remained as one of Walton’s most obscured compositions until its recent revival
in England as a concert suite. Nonetheless, its episodes are filled with a
post-romantic sense of melody and well mastered musical structures such as the
central theme and variations; much of which Walton had seasoned across wartime
as a film composer, and which of course might have inspired more than one or
two film musicians in our age.
Sebastian
Rodriguez Mayen
*Walton
collaborated with the music of six war propaganda films, and although he disliked
some of them, there were many particular movements that could be reworked,
which musicologist Christopher Palmer compiled in the following suite called
Wartime Sketchbook.
Sebastian Rodriguez
Mayen.
La danza y la alegría III: Una Misión de guerra.
¿Hasta dónde las artes levantan la moral en tiempos de
guerra? ¿Qué tanto sirve? ¿Los artistas o su arte arriesgan su visión original
al hacerlo? Tal y como vimos el año pasado, la 2GM fue un conflicto tan total
que demandó la movilización completa para todos en los países involucrados,
inclusive de aquellos que no podían dar servicio militar por razones físicas.
Tal fue el caso del coreógrafo británico Frederick Ashton quien sirvió en la
RAF y de William Walton, quien no podía dar servicio activo pero fue requerido
para componer música en distintos proyectos para alzar la moral; tanto públicos
como privados.
William Walton nació en 1902 en Oldham, Lancashire en el
seno de una familia musical. No tuvo barreras para realizar tales estudios,
primero como un corista, luego como corista y compositor al estudiar en el
Christ Church de Oxford. Empezó su grado allí a los 16; las leyendas incluso
cuentan que había sido el estudiante más joven desde el Rey Enrique VIII. Fue
instruido por Hugh Allen quien lo introdujo al mundo musical de Stravinsky,
Roussel y Sibelius. Desafortunadamente, Walton despreciaba algunas materias
como Griego antiguo o álgebra, indispensables para graduarse; así que a pesar
de demostrar su gran talento musical, salió de la escuela a los 20 años sin
título. Afortunadamente, se hizo amigo de la familia Sitwell, poderosos
aristócratas cuyos hijos se convertirían en igualmente talentosos escritores y
artistas. Ellos le proveyeron el resto de su educación con artistas reputados
como Ernest Ansermet o Ferrucio Busoni, incluso siendo influenciado por la
Segunda Escuela de Viena y produciendo un Cuarteto radical. Después rechazaría
aquel estilo, muy a pesar de su aceptación gradual y solo fue tratado como
modernista en su primera obra, la pantomima musical y literaria Façade, compuesta en colaboración con
Edith Sitwell. La obra se volvió un éxito escandaloso, pero pronto fue aceptada
y Walton se hizo famoso. Esto fue suficiente estímulo para él al producir obras
significativas en la siguiente década como lo fueron su Concierto para Viola, su gran cantata El Festín de Baltasar y la gran creación que fue su Primera Sinfonía. La 2GM no detuvo su
carrera: al no ser físicamente apto para el servicio militar, Walton fue
comisionado por el gobierno como “compositor oficial” para escribir música
incidental para películas propagandísticas, entre ellas la primera
representación artística y exitosa de una película basada sobre una obra de
Shakespeare: Enrique V por Laurence
Olivier.
Frederick Ashton también estaba relacionado al ambiente de
la música culta al ser coreógrafo principal del ballet Sadler’s Wells, uno de
los padres del Royal Ballet. Fundada por la bailarina irlo-británica Ninette de
Valois, el ballet Vic-Wells, posteriormente nombrado Sadler’s Wells, fue el
primer ballet profesional en la Gran
Bretaña con Frederick Ashton en la coreografía y Constant Lambert como compositor
y director titular. Ashton también hizo colaboraciones anteriores con Walton,
musicalizando varios episodios de Façade para
dichas compañías. En 1941, partió reclutado a la RAF como oficial de
inteligencia militar, dejando su puesto en el ballet. La compañía necesitaba
entonces una pieza que levantara la moral; con todas sus colaboraciones de
guerra, Walton fue visto como la elección más sensata para componer el nuevo
ballet, uno titulado The Quest (La Misión) basado en el Libro I del
poema épico The Faerie Queene del
poeta inglés Edmund Spenser, el cual es intrínsecamente una alabanza a
Inglaterra y a las virtudes de la religión contra los vicios del pecado y la
violencia. El protagonista sería el Caballero Cruzroja, que en el ballet es
recreado como San Jorge, mientras que los personajes Una, Duessa o Archimago
son conservados. Su creación fue difícil ya que Walton tuvo que enviar pieza
por pieza en original de piano al norte de Gran Bretaña en donde la compañía
daba su tour, a veces usando guardavías como courier.
La sinopsis del ballet podría ser esta. En la primera escena
“Afuera de la casa de Archimago”,
tras una introducción tormentosa en cornos y metales, San Jorge (la Santidad) y
Una (la Verdad) se pierden en una tempestad y caen en el hechizo del malvado
Archimago (la Hipocresía). Mientras que la música se disipa en cuerdas y
alientos, Una baila una siciliana mientras que ambos personajes se duermen.
Mientras tanto, Archimago ha convertido a una de sus ayudantes en una versión
falsa de Una, quien despierta a San Jorge y trata de seducirlo sin éxito. No
obstante, Archimago enfurece a San Jorge mientras hace que su lacayo se acueste
con la falsa Una; acto que tiene éxito y San Jorge deja la escena. Una entra
pero no encuentra a San Jorge y se va. Archimago se queda enfadado y deja la
escena con una armadura que se parece a la del santo. En la escena 2 “Cerca del Palacio de la Soberbia”, una
fanfarria indica la llegada de los tres caballeros innobles Sansloy (Sin ley),
Sansjoy (Sin dicha) y Sansfoy (Sin fe), misma que se transforma en una danza de
cortejo mientras ellos compiten por el amor de Duessa (la Falsedad).
Inmediatamente, San Jorge entra en las trompetas y lucha con Sansfoy, matándolo
en una violenta lucha instrumental. Extrae a Duessa de la escena, pero Una aún
lo sigue buscando. No obstante, ella lo confunde con Archimago que esta
disfrazado de un falso San Jorge. La escena 3 es un tema y variaciones titulado
El Palacio de la Soberbia, en el que
la Soberbia es presentada en su trono mientras se entona una danza rítmica en
los metales. Las variaciones representan a cada uno de los pecados capitales:
la variación 1 es la Pereza, introducida flemáticamente por un fagot y
desarrollada en modo lento. La variación 2 es la Gula, retratada en los metales
como un gigante devora-todo. La variación 3 es la Ira, tocada por toda la
orquesta en un despliegue de ritmos sincopados. La variación 4 es la Lujuria,
interpretada seductiva y lentamente en alientos y cuerdas. La variación 5
presenta la Avaricia usando todos los alientos y metales en glissandi y
tremolos. La variación 6 es la Envidia que suena en un vals para la orquesta
que se vuelve una fanfarria colosal. La variación 7 trae de nuevo el tema de la
Soberbia como terrible coda para las variaciones. La conclusión de la escena se
abre cuando San Jorge entra al palacio y baila un ingenioso vals con Duessa.
Sin embargo, se ven interrumpidos cuando entra Sansjoy y desafía al santo a un
duelo representado en música de combate, especialmente en los metales. Sansjoy
muere pero San Jorge se aterra al ver que Duessa se reúne con los Pecados y
deja la escena. En la escena 4 se escuchan alientos representando el duelo de
Sansloy, quien en su ira, confunde a Archimago con San Jorge y lo mata en una
fuga para cuerdas. Inmediatamente trata de seducir a Una, quién acompañaba a
Archimago, pero son interrumpidos cuando San Jorge entra galantemente y reta a
Sansloy a un combate final, matándolo al fin. San Jorge y Una se reúnen y
terminan con el hechizo. En la escena 5, misma que viene de inmediato tras la
anterior, San Jorge y Una caminan Hacia la Casa de la Santidad en un
procesional estilo bolero. Aquí se reúnen con las Tres Virtudes Teologales que
son la Fe, la Esperanza y la Caridad y bailan en una danza general para los
alientos. No obstante, San Jorge recuerda su misión y se pone la armadura de
nuevo, se encomienda a Inglaterra y deja a Una en su casa al partir a sus
hazañas futuras en una triunfante apoteosis.
Muy a pesar de los esfuerzos, la producción recibió una reseña
mixta y no estuvo mucho tiempo en el repertorio tras la guerra. La música se
volvió una de las composiciones más desconocidas de Walton hasta su
relativamente reciente recuperación en Inglaterra como suite de concierto. No
obstante, sus episodios están llenos de un sentido de la melodía postromántica
y de estructuras musicales bien dominadas como el tema y variaciones central;
muchas de las cuales Walton explotó al ser compositor para el cine y de las
cuales se podrían haber inspirado más de uno o dos músicos del cine de nuestra
época.
Sebastián Rodríguez Mayén
*Walton colaboró con la música de seis películas de
propaganda bélica y si bien no le gustaron algunas de ellas, hubo momentos
particulares que podían ser reevaluados; mismos que el musicólogo Christopher
Palmer compiló en la suite llamada Wartime Sketchbook (Esbozos de la Guerra).
