The problem
is not the intelligence within the screen, but the one outside it. This
aphorism could easily solve one of the most complex issues that modern
philosophy and aesthetics have raised upon the contemporary entertainment
industry, whose machinery is simple but its results are complex yet quite
discernible. Just for last year, revenues given by this economical sector
account for almost 2 trillion dollars worldwide, which is significantly more
than the worldwide military expenditures; these ones accounting almost 1.7
trillion. The real issue that most academics and artists raise upon this
economy colossus is the predominant low artistic quality these high selling
products by show business offer. While psychologically these claims might be
originated by envy, if we objectively speak about this industry we might find its
products are – in great dose – philosophically, artistically and aesthetically
hollow, repetitive and involutive. Whilst some of these could be just
considered as dull, mild, harmless products of art or sport – a topic explored
in this post of last year – many of them turn out to be some of the dumbest,
obnoxious and sometimes most inhumane exhibitions of human mentality. Nonetheless,
this circus of dumb or violent entertainment has been enough reason to denounce
or challenge such situation. For example composer John Corigliano – one of
America’s most famed and recognized composers – wrote his Symphony No. 3, the
“Circus Maximus” as a comment of this “massive and glamorous barbarity”.
John
Corigliano was born in 1938, at the same time as handful of American composers
including William Bolcom or Gloria Coates, whose style was to be influenced not
only by the eldest generation of Americana composers, but also by the avant-gardism
of John Cage (1912-1992), Milton Babbitt (1916-2011) and by the “radical”
romanticism proposed by George Rochberg (1918-2005). He was born in a
musicianship family as his father was principal concertmaster of New York
Philharmonic and his mother a successful pianist and teacher, eventually
finding full support into musical education. In spite his talents translated
into multiple scholarships and grants, Corigliano is a homegrown composer, having
received his musical education exclusively in the US. His compositional
techniques are branded as postmodern, balancing between tonal, atonal and
multitonal systems and composing in a wide variety of forms that include
symphonies, chamber music, concertos and film music. Corigliano can be
considered as well as a committed composer; an openly homosexual man, he has
composed works that relate to the gay community – the most exceptional being
his First Symphony, composed in commemoration of his friends who were victim of
the AIDS pandemic and in sort of denunciation against a silent and blindfolded
sociopolitical system who did nothing to stop its advance. Somewhat in the same
spirit comes his Third Symphony, which is rather a denouncing or a
philosophical comment of the entertainment nowadays which according to him, it
resembles that one of the Roman mobs at the Circus Maximus. Composed in 2004,
its themes are still important and relevant to an industry which day to day
reaches out its extremes. It is composed for a very large wind ensemble
composed of quadruple flutes and oboes (doubling piccolo and English Horn),
triple clarinets plus 2 bass and 1 contrabass clarinets, 3 bassoons and
contrabassoon; quadruple horns, trumpets and trombones, double euphonium &
tuba; piano, harp, timpani and percussion including gunshot. In addition, it
requires mahlerian offstage ensembles composed of a surround ensemble placed
among the theatre (clarinet in B flat, saxophone quartet, 11 trumpets, 2 horns,
percussion and string bass) and a marching band (piccolo and flute, clarinet in
E flat, 2 trombones and 2 trumpets plus 1 percussionist that come from the
surround ensemble) that comes into the stage during the sixth movement.
As you may
predict, the work has a program. Drum strikes open the first movement, Introitus, as the surrounding band plays
fanfares. The main band enters into the stage, recalling the entrance of the
charioteers into the stadium. These wild fanfares eventually collide into
chaos, evoking the work’s main motive. A quieter section ensues, just to
witness the musical gestures merging from offstage and onstage into a
magnificent sound climax that vividly evokes a gladiatorial combat. From the
past, we come into present in the second movement Screen/Siren. The saxophone quartet and the string bass play in
solo section from offstage “seductive calls” in semitones and clusters that
evoke blues music, yet remain silent. This siren song emitted by TV’s is
suddenly joined by all the other offstage instruments that echo their sound.
The calm in this movement is suddenly replaced by the vibrance of the third
movement, Channel Surfing. A daunting
musical cluster is heard in brass and whistles. Corigliano describes this music
as “the need of constant change of the ancient mob echoing our own”. A salsa
rhythm alternates with martial fanfares and plain gibberish in clarinets and
brass, almost repeating in a cycle that clearly evokes a spectator changing TV
channels constantly looking for something of his like. This suddenly explodes
into the Circus motif, violent as usual, commenting how things have (not)
changed since Antiquity. The fourth movement, Night Music I, represents a pause, a quiet reflection among this media
savagery. Much like Maxwell Davies in Mavis
in Las Vegas, Corigliano goes out the bustling city night life into nature.
A suspended drone note in the back allows animal sounds to soar in the fields
and forests: Owls hoot in bass clarinets, wolves howl in horns, cows moo in
brass… This pastoral interlude pleads for the need of a more balanced
relationship with the natural world. Night
music II comes as an antithesis of the former movement. A clarinet call
emits whirling dance sounds, interrupted by percussion and brass clashes. A
jazzy melody evokes city traffic and also hyperdrived club music: It is
downtown on Friday night and everyone around cries, jumbles and dances wild
music whilst drunken or high on drugs. A megaphone siren lets the marching band
in for the sixth movement, Circus Maximus,
as the main motif enters in complete loudness. Themes of former movements are revisited,
including the animal music, which finds itself completely silenced against the
musical paraphernalia coming from all the band sections, which eventually
collapses into a massive orchestral tutti/cluster that fades away as the
movement ends.* It is almost unequivocal that this violence must be reverted,
as in the work as it must be in real life. The seventh movement, Prayer, starts with trumpets intoning
plagal cadences (IV-I), which complete full circles of fifth and lead to a
serene prayer for the English horn. Eventually, more instruments join as the
clarinet answers the words of the English horn, and the flute does the same.
The prayer eventually encompasses whole instrument groups in unison with the
fanfares playing in the back to a harmonic climax. Unfortunately, this seems to
remain as wishful thinking; while the prayer subsides, noises from the Circus
begin coming back in the Coda: Veritas.
Eventually the noisy, now tragic music invades the scenery once more only to be
silenced by a valedictory gunshot.
In spite of
and amid the chaos and violence, the spiritual core of the symphony is
unmistakably located in its fourth and seventh movements: two movements that
allowed the artist into a serene moment of reflection and insightfulness; they
represent also a moment of Apollonian enshrinement in a work dominated by Dionysian,
Bacchanalian forces. Here, Corigliano pleads effectively for a more
rationalized and in some way, sensitive, decanted entertainment – fine arts
included. His symphony has become a
classic among professional wind bands because of its technical challenges to
stage such a dynamic concert piece, and much in spite its philosophical
deepness, which has been argued, entertainment seems to avoid. Even if
Corigliano was speaking mostly about television, its same philosophy could be
applied to the internet, where even more extreme – crude – ways of entertainment
and violence have risen across more than a decade since the work was composed.
Sebastian Rodriguez Mayen.
*This piece
has been reported to hurt both listener and performers, who at its climaxes
have to play extremely loud notes, extenuating not only ears but also lungs as I
could read in a student journal while in university: https://uofa.ualberta.ca/news-and-events/newsarticles/2010/10/pulitzerprizewinnerbringssurroundsoundcircustouofa
Voces contemporáneas VIII: El Circo Mediático
El problema no es la inteligencia dentro de la pantalla,
sino aquella fuera de ella. Este aforismo bien podría resolver uno de las
coyunturas más complejas que hoy enfrentan tanto la filosofía como la estética
moderna sobre la industria del entretenimiento contemporáneo, cuya maquinaria
es simple pero cuyos resultados acaban siendo complejos a la vez que
discernibles. Solo para el último año, la producción económica de este sector
alcanzó casi 2 billones de dólares a nivel mundial, siendo significativamente
superiores a los gastos militares; éstos siendo de casi 1.7 billones. El
verdadero asunto del cual están detrás la mayoría de académicos y artistas es
la baja calidad artística que estos productos de alto consumo ofrecen. Si bien
este reclamo en cierta medida podría ser originado por envidia, hablando en
términos objetivos encontramos que muchos de estos productos son – en gran
dosis – filosófica, artística y estéticamente llanos, repetitivos e incluso
involutivos. Si bien algunos podrían ser considerados como productos de un arte
o un deporte estéril, inofensivo o tontos, - tema explorado en un post del año
pasado – muchos de estos acaban siendo algunos de las exhibiciones más
estúpidas, insoportables y a veces inhumanas de la mentalidad humana. No
obstante, este circo de entretenimiento idiota o violento ha sido razón
suficiente para denunciar o desafiar tal situación. Por ejemplo el compositor
John Corigliano – uno de los compositores más famosos y reconocidos de EUA –
creó su Sinfonía No. 3 “Circus Maximus” como un comentario hacia esta “barbarie
masiva y glamorosa”.
John Corigliano nació en 1938, al mismo tiempo que colegas
suyos como William Bolcom o Gloria Coates, cuya música sería no solamente
influenciada por la exigua generación nacionalista sino también por el
vanguardismo de John Cage (1912-1992), Milton Babbitt (1916-2011) y por el
romanticismo “radical” propuesto por George Rochberg (1918-2005). Nació en una
familia musical ya que su padre era concertino en la Filarmónica de Nueva York
y su madre una talentosa pianista y educadora, eventualmente hallando apoyo
para perseguir una carrera musical. Muy a pesar de que sus talentos se tradujeron
en múltiples becas, Corigliano es un compositor educado localmente, habiendo
recibido su educación musical exclusivamente en EUA. Su técnica compositiva es
postmoderna, equilibrando sistemas tonales, atonales y multitonales y
componiendo en diversos géneros que incluyen sinfonías, música de cámara,
conciertos y música para películas. Corigliano puede ser considerado como un
compositor comprometido; siendo abiertamente homosexual, ha compuesto obras que
se relacionan a la comunidad gay – la más excepcional siendo su Primera
Sinfonía, compuesta en conmemoración de sus amigos víctimas de la pandemia de
SIDA y como denuncia en contra de un sistema sociopolítico que calló y apartó
la vista en lugar de detener el avance de dicha enfermedad. Hay algo de ese mismo
espíritu en su Tercera Sinfonía, concebida como una denuncia o como comentario
filosófico del entretenimiento hoy en día que según él, no le pide nada a aquél
de las muchedumbres romanas en el Circus Maximus. Compuesta en 2004, sus temas
aún son de relevancia para una industria que día a día traspasa sus extremos.
Ha sido compuesta para un vasto ensamble de alientos compuesto de flautas y
oboes cuádruples (doblando flautín y corno inglés), clarinetes a tres más dos
clarinetes bajos y un clarinete contrabajo, tres fagots y contrafagot; cornos
cuádruples, trompetas y trombones, dos bombardinos y tuba; piano, arpa,
timbales y percusiones que incluyen un rifle de salvas. Además requiere dos
ensambles mahlerianos fuera de escena compuestos de un ensamble que rodea el
escenario (clarinete en si bemol, cuarteto de saxofones, 11 trompetas, dos
cornos, percusiones y contrabajo) y una banda marcial (flautín y flauta,
clarinete requinto, dos trombones y dos trompetas más un percusionista
extraídos del otro ensamble), misma que entra en escena durante el sexto
movimiento.
Como podría predecirse, la obra contiene un programa. Golpes
de tambor abren el primer movimiento, Introitus,
mientras que la banda en el auditorio toca fanfarrias. La banda principal entra
a escena, recordando así la entrada de los aurigas al estadio. Las fanfarrias
eventualmente colisionan hacia el caos, evocando el motivo principal de la
obra. Una sección más tranquila comienza, sólo para ver gesturas musicales
emerger dentro y fuera del escenario que acarrean un clímax evocando un combate
de gladiadores. Del pasado, venimos al presente en el segundo movimiento Pantalla/Sirena. El cuarteto de
saxofones y el contrabajo tocan un solo desde fuera de escena, compuesto de
“llamados seductores” en clústeres y semitonos que evocan blues pero en
silencia. A este canto de sirenas que emiten las pantallas se le unen pronto
más instrumentos fuera de escena que hacen eco. Esta calma se termina con la
agitación del tercer movimiento, Channel
Surfing (Zapping). Un terrible
cluster musical se escucha en metales y silbatos. Corigliano describe esta
música como “la necesidad de cambio constante propia a las muchedumbres de la
Antigüedad reflejada en la nuestra”. Un ritmo de salsa alterna con fanfarrias
musicales y locura en los clarinetes y metales, casi repitiendo un ciclo que
evoca a un espectador haciendo zapping intentando hallar algo que le guste.
Esto explota en el motivo del circo, violento como siempre, comentando en
cuantos cambios (no) ha habido desde eras pasadas. El cuarto movimiento, Música Nocturna I, representa una pausa;
una reflexión silenciosa ante este salvajismo mediático. Tal y como Maxwell
Davies en Mavis en Las Vegas, Corigliano escapa la ciudad trepidante hacia la
naturaleza por la noche. Un pedal suspendido deja surgir los sonidos de los
animales en el campo y el bosque: Los búhos ululan en los clarinetes bajos, los
lobos aúllan en cornos y las vacas mugen en metales. Este interludio pastoral
aboga por una relación más equilibrada con el mundo natural. La Música Nocturna II presenta una
antítesis al movimiento precedente. Un clarinete emite sonidos de danza,
interrumpido por golpes de percusión y metales. Una melodía de jazz evoca el
tráfico citadino y música súper-cargada propia a los clubes nocturnos: es
viernes por la noche y todo el mundo grita, barulla y baila música alocada en
estado de ebriedad o drogado. Un megáfono deja entrar a una banda marchando
para el sexto movimiento, Circus Maximus,
mientras el motivo principal entra haciendo ruido. Se visitan temas de
movimientos anteriores, incluyendo la música animal, misma que se halla
silenciada ante la parafernalia musical proviniendo de todas las secciones,
misma que colapsa en un titánico tutti/cluster que se disipa mientras el
movimiento avanza hacia su fin.* Es casi inequívoco que tanta violencia debería
ser revertida, tanto en la obra como en la vida real. El séptimo movimiento, Oración, comienza con trompetas
entonando cadencias plagales (IV-I), que completan círculos completos de quintas
que llevan a un cantar sereno para el corno inglés. Eventualmente, más
instrumentos se unen ya que el clarinete responde los llamados del corno inglés
y la flauta hace lo mismo. La oración eventualmente une a más grupos
orquestales al unísono mientras que las fanfarrias conducen a un clímax
armónico. Desafortunadamente, esto pareciera quedarse como deseos; al terminar
la oración, los ruidos del Circo regresan en la Coda: Veritas. Eventualmente, esta música ruidosa – trágica ahora –
invade la escena una vez más para ser únicamente silenciada con un disparo
final.
A pesar de y entre todo este caos y violencia, el centro
espiritual de la obra yace localizado en los movimientos cuarto y séptimo: dos
movimientos que permiten al artista un momento sereno de reflexión e
introspección; así como representan un momento de encumbramiento de fuerzas
propias a Apolo en una obra dominada por aquellas de Dionisio. Corigliano aboga
por un entretenimiento mucho más racional, delicado, sensible y decantado –
incluyendo por supuesto a las bellas artes. Su sinfonía se ha vuelto un clásico
entre las bandas sinfónicas por sus desafíos técnicos para escenificar tal
pieza dinámica y muy a pesar de su profundidad filosófica, misma que como se ha
debatido, la industria del entretenimiento evade constantemente. Incluso si
Corigliano hablaba más sobre la televisión que sobre otros medios, esta misma
filosofía podría aplicarse al internet en donde formas más extremas – crudas –
de entretenimiento y violencia se han desarrollado más allá de la década en la
que esta obra fue compuesta.
Sebastián Rodríguez Mayén.
*La pieza aparentemente ha llegado a lastimar tanto a
oyentes como ejectuantes ya que en sus clímax se exigen notas muy altas,
extenuando no sólo orejas sino pulmones así como pude constatar en este diario
estudiantil en la universidad: https://uofa.ualberta.ca/news-and-events/newsarticles/2010/10/pulitzerprizewinnerbringssurroundsoundcircustouofa
(English only)
