Peter
Maxwell Davies is one of the most frequently played composers in the UK and the
rest of the world. He was born in September 1934 in Salford, Lancashire, and
since a very early age he felt attracted to music. He actually was submitting
compositions to competitions before receiving proper musical training, showing
his talent at 14 in BBC Manchester Children’s Hour with a composition named
Blue Ice, which left in awe his first patrons, producer Trevor Hill and
conductor Sir Charles Groves. He performed his musical studies at the
University of Manchester’s Royal College of Music, predecessor of the highly
prestigious Royal Northern College of Music, where he met fellow composers Harrison
Birtwistle, Elgar Howarth and John Ogdon; the four of them were to form a
contemporary music diffusion group named New Music Manchester. Maxwell Davies
proved to be on the top of class and immediately received a grant to study in
Italy with Goffredo Petrassi in 1956, and he performed his postgraduate studies
(with a little help from his friends Aaron Copland and Benjamin Britten) in
Princeton under the tutelage of Roger Sessions. He has since then taught music
in Australia and England, and also appeared as resident composer and conductor
for several orchestras. Maxwell has become also a controversial persona: as an environmentalist,
he has denounced the pollution externalities uranium mining has left in the
Orkneys, which he made his new home in the mid 1970’s. As an openly gay man, he
planned to perform his civil union in 2007 in a privately own light railway,
but found himself with a hassle of negations, which provoked him to abort his
plans, but also a legal lawsuit which led to the light railway’s closure. Last
but not least, a very strong controversy was originated when he, a consummate
liberal, was to become Master of the Queen’s Music in 2004, position which was reduced
from lifelong to a definite-term one under his tenure. Maxwell actually ended becoming
a convinced monarchist after holding the position, as to himself a monarchy
brings along “continuity, tradition and stability”. About his music, we cannot
unfortunately speak about a definite style, but as a plethora of different
styles and moods. While his “serious” music is defined by use of serial and
post-serial methods mingled along Medieval and Renaissance polyphonic techniques,
works belonging to stage sometimes blend, exclude or even make fun of these.
One of these is the monodrama Eight Songs
for a Mad King, which explores the madness altered consciousness of King
George III (1738-1820); a work that demands a baritone whose expressive range
must breach 5 octaves. Also, his ballets such as Salome and Caroline Mathilde
mingle expressionist, minimalist, neoromantic and even spectral methods to
create drama-filled, powerful environments. His symphonic poems and overtures lie
within this simpler vein, sometimes approaching pop and easy listening idioms
to great appeal, and unsurprisingly, he is always to be the protagonist or
present in some way.
The first
of these is named An Orkney Wedding (with
Sunrise). Composed after a particular experience during a wedding of his
friends/neighbors in his Orkney home, Maxwell Davies created a singular
symphonic poem which was premiered in 1984 by none other than the Boston Pops
Orchestra conducted by film music star John Williams. The music begins with
fledging strings evoking the initially bad weather, followed immediately by the
wedding procession in English horn and clarinet playing Scottish tunes. At a
point they are invited to drink their first glass of whisky, and a string dance
begins. This is followed by the party dance in the full orchestra, showcasing
some instruments as violins, horns and trumpets in jolly fashion as the whisky
runs all over the place. Music begins to grow wilder and drunker as the party
goes along in quite a fashionable way. A second dance emerges in flutes and
strings, more calmly as a solo dance is played. A third more, general dance
appears in strings and percussion, and grows in jolly fashion across the
orchestra, finally stumbling all over with drunken fanfares. A final variation
for violin begins calmly and is taken by extremely drunken strings and brass as
alcohol has outdid the guests. The music dwindles into the nighttime,
apparently dying down into somberness, yet this is countered by a massive
return of the jolly melodies, now intoned by a bagpipe, welcoming sunrise in
the full orchestra and leading the work to a luminous close.
The second
of these is Mavis in Las Vegas, and
comes from quite an incident the composer had while staying in Sin City in 1994.
Whilst on a tour across America with the BBC Philharmonic and Yan Pascal
Tortelier, they stopped at Las Vegas and stayed at the Flamingo Hotel. The
computer then misspelled Maxwell Davies as “Mavis”, and when a reporter of the
London Independent was looking for him to get an interview, he didn’t showed up
until the misspelling was clarified. This inspired Maxwell to incarnate himself
as a heroine named Mavis (quite a symphonic drag show innuendo!) and to
musically portray her adventures in Las Vegas. The overture was to become an
exercise in theme and variations as the work progressed: Initially we might
here Mavis theme in the violin which is later introduced by the orchestra on a
Big Band scenery, as Mavis enters the casino and starts her senseless betting
at pull or at the machines; all while displaying a glittering image across the
other guests. After this, she moves out to the street where club music can be
heard all along her march; a sarcastic harmonium is heard across the street as
a one minute wedding is performed. Mavis stumbles at an Elvis shrine and smiles
in her violin theme; she moves along to Caesar Palace where she watches the famous
fountain show in strings and brass, as the classical statue replicas seem quite
dramatic at times. This is followed by a visit to Liberace’s museum, in which
Mavis is astounded by the collection of glittering furniture, clothes, cars and
grand pianos, as a waltz is played in the bottom in strings and all over. Mavis
seems to be dazzled by this ambience and decides to take a break from it; she
ascends into a nearby hill in the desert and watches the night fall over the
city; a scene calmly evoked in tremolo strings. A peaceful oboe melody sounds
pensive over the landscape as the big band music sounds far away. This
gradually returns as Mavis is moved to go back for the rest of the evening,
moving now into Las Vegas with her full blown, extremely frenzied theme,
closing the work in a dazzling light.
The last of
these poems is Maxwell’s Reel (with
Northern Lights). This is the most recent of the three presented here,
composed in 1998; a work which in opposition to the former poems, this
represents an exaltation of the natural world, and for such it is somewhat more
occupied with color and expression than its brethren. The composer recalls one
time he was in his way to attend a public event in his Orkney home and saw the
northern lights dazzling in the night sky, sometimes in conjunction with music
during the show, sometimes not. A winding cello tune which comes from The Scottish Minstrel incidentally named Maxwell’s Strathspey, develops into
woodwind and into the rest of the orchestra. Suddenly, foreign orchestral
colors develop in strings and woodwind: the Northern Lights arise. Flashing is
heard above in brass and percussion, while a stronger reel develops in the full
orchestra, coalescing into a powerful soundwall. This eventually turns into
slower music for flutes, clarinets and strings that recalls Sibelius. The
strathspey resumes in a section for flute using bass register and the Lights
sounding sharply in brass and strings, growing into a syncopated section for
violins and tuba with percussion. The Lights music starts over in brass and
tremolo strings with multiple woodwinds that gleam dazzling in the night sky as
fireflies into a joyous, final round in pianissimo while passing along
different orchestral groups; all of this eventually clashes into a cluster that
leads into their sudden fading away in the night sky.
It will
seem now evident why Maxwell Davies has become such an influential and
respected composer, as he is one of the few composers nowadays who is fond of breaking
barriers and create new and daring musical universes.
Sebastian Rodriguez Mayen
Compositores cosmopolitas VII: El Universo de Peter
Maxwell Davies
Peter Maxwell Davies es uno de los compositores contemporáneos
más populares del Reino Unido al igual que en el resto del mundo. Nacido en
1934 en Salford, Lancashire, desde niño se sintió muy atraído por la música.
Incluso, si quiera tuviera edad o entrenamiento formal ya estaba haciendo
competir composiciones, como cuando tenía 14 y concursó con su composición
nombrada Blue Ice en la Hora Infantil de la BBC de Manchester, dejando sin
aliento a sus primeros mecenas, el productor Trevor Hill y el director de
orquesta Sir Charles Groves. Realizó sus estudios musicales en el Royal College
of Music de la Universidad de Manchester, antecesor del hoy prestigiado Royal
Northern College of Music; allí conocería a sus colegas compositores Harrison
Birtwistle, Elgar Howarth y John Ogdon, con quienes formaría el grupo de
difusión de música contemporánea New Music Manchester. Maxwell Davies resultó
ser uno de los mejores de su clase y recibió una beca para estudiar en Italia
en 1956 con Goffredo Petrassi y realizaría sus estudios de posgrado (con ayuda
de sus amigos Aaron Copland y Benjamin Britten) en Princeton bajo la tutela de
Roger Sessions. Desde entonces ha enseñado como profesor tanto en Australia
como en Inglaterra y ha aparecido como director y compositor residente en
varias orquestas. Maxwell se ha vuelto de igual forma un personaje bastante
controversial: como un medioambientalista, ha denunciado la polución nuclear
que ha dejado la minería de uranio en las Orcadas, en las cuales estableció su
hogar a mediados de la década de 1970. Como un hombre abiertamente homosexual,
decidió realizar su unión civil en 2007 en un tranvía privado, pero se encontró
con varias negaciones que lo llevaron a abortar su plan y más tarde formar
parte de una demanda civil que llevó al cierre del tranvía. Por último, una
controversia muy fuerte surgió cuando él, un liberal consumado, había sido
nombrado como Master of the Queen’s Music en 2004, posición que se reduciría de
ser vitalicia a duración determinada durante su cargo. Maxwell terminaría por
convertirse en un monarquista convencido tras su estancia en la corte, ya que
según sus palabras esta institución provee “continuidad, tradición y
estabilidad”. Sobre su música, no podríamos hablar de un estilo definido pero
más bien de una plétora de estilos y caracterizaciones distintas. Mientras que
su música “seria” se define por el uso de métodos seriales y post-seriales en
conjunto con técnicas polifónicas de la Edad Media y del Renacimiento, sus
obras para escena mezclan, excluyen o hasta hacen burla de ellos. Una de éstas
es su monodrama Ocho canciones para un
Rey Loco, mismo que explora la locura y los estados alterados de la
consciencia que padecía el Rey Jorge III (1738-1820); obra que exige un
barítono virtuoso que pueda cantar más allá de 5 octavas. De igual forma sus
ballets Salomé y Caroline Mathilde mezclan métodos expresionistas, neorrománticos,
minimalistas y espectralistas para crear ambientes poderosos y llenos de drama.
Sus poemas sinfónicos y oberturas son de índole más ligera, incluso
aproximándose al pop y al easy listening de forma exitosa y en los que
insorpresivamente, en alguna forma Maxwell resulta siendo protagonista o
presente en la acción.
El primero de éstos se titula An Orkney Wedding (with Sunrise) [Una boda en las Orcadas (y el
Amanecer)]. Compuesta tras una experiencia particular de una boda de
amigos/vecinos de su hogar en las Orcadas, Maxwell Davis creo un singular poema
sinfónico que fue estrenado en 1984 nada más que por la Orquesta Boston Pops
dirigida por John Williams, estrella de la música fílmica. La música comienza
con cuerdas flotantes que evocan el mal clima, seguida de inmediato por la
procesión nupcial en el corno inglés y el clarinete mientas se tocan melodías
escocesas. En un punto el novio y la novia son invitados a tomar su primer vaso
de whisky y comienza una danza para cuerdas. A esto le sigue una danza festiva
en la orquesta, mostrando instrumentos como violines, cornos y trompetas
alegremente mientras el whisky corre por los invitados. La música comienza a
aullar y a divagar en ebriedad mientras la fiesta sigue. Una segunda danza
emerge en flautas y cuerdas, más calmadas mientras surge una danza en solo. Una
tercera danza, esta vez general, aparece en cuerdas y percusiones y esta
aumenta en sonido por toda la orquesta, finalmente cayéndose en fanfarrias poco
coherentes por la embriaguez. Una última variación para violín comienza
tranquilamente por cuerdas ebrias y metales ya que el alcohol se ha apoderado
de los invitados. La música se disuelve en la noche, aparentemente creciendo en
sombras, pero esto termina con un retorno masivo de melodías alegres, ahora
entonadas por una gaita, saludando al sol en la orquesta, llevando la obra a un
cierre luminoso.
El segundo de estos se titula Mavis en las Vegas, y proviene de un incidente que el compositor
experimentó al quedarse en la Ciudad del Pecado en 1994. Mientras que estaba en
un tour en EUA con la Filarmónica de la BBC y Yan Pascal Tortelier, éste hizo
una parada en las Vegas y los músicos se hospedaron en el Flamingo. La
computadora registró por error a Maxwell Davies como “Mavis” y cuando un
reportero del London Independent llegó para hacerle una entrevista, no lo
encontró hasta que se halló dicho error en el registro. Esto inspiró a Maxwell
Davies a encarnarse como una heroína llamada Mavis (Si lo pensamos esto posee connotaciones
muy particulares) y a retratar de forma musical sus aventuras en Las Vegas. Lo
que era inicialmente una obertura, se convertiría en un ejercicio de tema y
variaciones: Inicialmente encontramos el tema de Mavis en el violín, mismo que
es reintroducido por la orquesta en un escenario de Big Band, esto ocurre
cuando Mavis entra al casino para iniciar sus apuestas tanto en las cartas como
en las tragamonedas; todo esto mientras ella resplandece de belleza entre los
huéspedes. Tras el hotel, Mavis sale a la calle donde suena música de los
clubes mientras que ella marcha; un harmonio en tonos sarcásticos se escucha
cruzando la calle mientras ocurre una boda de un minuto. Mavis se detiene ante
una estatua de Elvis y sonríe con su tema de violín; ella va entonces al
Caesar’s Palace para observar el espectáculo de fuentes brillantes en cuerdas y
metales, mientras que a su juicio, las réplicas de estatuas clásicas parecieran
muy dramáticas. Esto sigue con una visita al museo de Liberace, en el que Mavis
se siente atraída por los muebles deslumbrantes, la ropa, los autos y los
pianos, mientras que suena un piano y en las cuerdas. Mavis se siente mareada
por el ambiente y decide descansar; ella asciende a una colina cercana en el
desierto y mira la noche caer sobre la ciudad, escena evocada tranquilamente en
trémolos para cuerdas. Una melodía reflexiva en el oboe suena en este ambiente
mientras suena la música de big band a lo lejos. Esta retorna gradualmente
cuando Mavis regresa a la ciudad para el resto de la noche, llegando a Las
Vegas con su tema expresado a todo volumen y frenéticamente, terminando la obra
de manera luminosa.
El último de estos poemas es Maxwell’s Reel (with Northern Lights) [La ronda de Maxwell (con Luces del Norte)]. Es el más reciente de
los aquí presentes, compuesto en 1998; una obra que en oposición a los otros
poemas, representa una exaltación del mundo natural y por ello ésta se ocupa
más del color y la expresión que sus hermanos. El compositor recuerda aquí una
ocasión en la que iba a un evento público en su hogar en las Orcadas y vio las
luces del norte surcando el cielo; a veces en conjunción con la música del
evento, a veces no. Una melodía el chelo, una que de hecho proviene del manual
llamado El Juglar Escocés e
incidentalmente llamada Maxwell’s
Strathspey, desarrollando la música en los alientos y el resto de la
orquesta. De repente, varios colores orquestales ajenos se desarrollan en las
cuerdas y alientos: surgen las Luces del Norte. Sus destellos aparecen en los
metales y las percusiones, mientras que una ronda propiamente aparece en la
orquesta, fundiéndose en una poderosa muralla sónica. Esto se vuelve una
melodía lenta para flautas, clarinetes y cuerdas que recuerda a Sibelius. La
ronda continúa en una sección para la flauta usando los registros bajos mientas
que las Luces se despliegan en cuerdas y alientos, creciendo hacia una sección
sincopada para violines y tuba y percusiones. La música de las Luces prosigue
en los metales y cuerdas en trémolos con alientos múltiples que surcan el cielo
nocturno como luciérnagas en una ronda final en pianísimo en varios grupos
orquestales; todo esto conlleva a un clúster en el que las Luces se desvanecen
al instante en el cielo.
Ahora que hemos escuchado estos ejemplos, vemos porqué
Maxwell Davies se ha convertido en un compositor tan influyente y respetado, al
ser uno de pocos compositores hoy en día que gusta de romper barreras para
crear novedosos y poderosos universos musicales.
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