Believing in the time of the Heathen IV: A postmodern Christmas?

Nowadays, Christmas has become a postmodern and completely economical celebration contrary to its original spiritual foundations mostly because of two factors: the rise of questioning against the Churches and the somewhat devious marketing and merchandising of the holiday itself. Institutional religion in the West has been severely questioned from the end of the Middle Ages, mostly because of the contradictions between faith, teachings and real-life results; many countries had their faiths separated from the Catholic Church, most of them incidentally being lately Christianized or being in some way isolated; thus allowing them to see these contradictions easily. Eventually, this same questioning arrived to these Protestant countries, staunch Catholic nations and to the former colonies of the European Empires for the same reasons cited above, together qith the moving forward of scientific and philosophical rationalism.  In addition, capitalist economy (especially American styled capitalism) incidentally rose at the same time, following the axiom that tradition harms economic growth; from mid-20^th Century to our days, most of the so called civilized world celebrates an American styled Christmas in a certain way, while keeping nonetheless local flavors: French people still prepare their traditional Yule-Log cakes and in Scandinavia, Christmas is still called Yuletide and conserves deep Germanic traditions alongside Christian readings of the Gospels. In Mexico, Posada parties, recreations of the journey of Joseph and Mary looking for shelter, are still being held (although now more liquor-oriented in cities), and children write letters both to the imported Santa Claus and to the more local Three Wise Men asking for gifts, as it happens in most of Spanish America. Even the Christian tradition had pagan origins from the start as it was celebrated at the same day the Roman feast of Sol Invictus, itself a trans-cultured holiday of Persian and Egyptian sources, took place; that is on 25^th December or the old date for Winter Solstice. Today, most of the Neo-pagan movements celebrate in December the Yule while Celtic or Germanic, and the Sol Invictus and Saturnalia while Romanic. Music for Christmas has always been imbued with spiritual connotations even today, as music tends to be the most spiritual of all performing arts. Here are some examples of this musical worship that nonetheless, are product of its time and place.

James MacMillan: A Scottish Catholic with Socialist ideals.

James MacMillan is probably one of Great Britain’s most important contemporary composers. Born in Kilwinning in 1959, he pursued a musical education at the University of Edinburgh and at Durham University, earning his degrees in composition. He is also a distinguished conductor who, of course, diffuses his own works alongside to other contemporary composers, as well as established repertoire. His music is filled with political, religious and humanistic statements. A devout Catholic, he is also a prone supporter of the socialist-oriented Theology of Liberation, a formerly condemned practice that focuses on “radical” Church help towards eliminating poverty, attacking its sources instead of remediating it with charity actions; a practice which nowadays finds a growing acceptance under the rather socialist papacy of Francis. Some of these religious ideas are found in his musical works, which are postmodern with bouts of neoromantic lyricism. On his Advent piece, Veni, Veni Emmanuel, MacMillan does not require a choir or a soloist to perform the popular plainchant, but a percussion soloist to channel the work’s energy. Percussion concertos are the latest addition to the genre; usually considered as rhythm markers or effect crafters, percussion instruments were not considered as a valuable source of music in a harmony/counterpoint dominated scene until the rhythmic revolution of early 20^th Century. Nonetheless, the acknowledgement of their potential as true musical instruments came after John Cage’s post-harmonic analysis of music, in which he considered all possible and existing sounds as quintessential music. The concerto itself can be played both by a symphony orchestra or by an augmented chamber ensemble; it is one of nowadays most performed percussion concertos.

A glowing Introit introduces the work along with marimba glissandi and decorations that introduce a tune in brass clusters. This passes along through the orchestra and un-tuned percussions that channel its deep energies. The second section Heart beats begins in strings as percussion strikes are heard in gongs, woodblocks and cowbells. Drums play along brass and wind glissandi that sound powerful, yet threatening. This concludes at a great chorale that prepares music into the Dance, which is crafted into a powerful hocket rhythm* section that begins in strings and brass, passing into percussion interpretations, constantly being surrounded by clusters in spite the melodic richness of the dance tune, which uses parts of the plainchant. This suddenly halts at a string cluster that is interrupted by the dance tune in brass constantly. This maelstrom subsides into the Gaude section, which uses again parts of the plainchant and in which the percussionist restricts itself to the marimba and wind chimes; the orchestra plays the gaude chorus in different groups and combinations while marimba creates apparent improvisations upon the musical flow, hearkening minimalism. The ambience reaches a low point and rises into a vibrant percussion clash using an E flat drone as a device. The hocket music is gradually introduced into a joyous, vibrant Dance Chorale that includes a transcendental study for vibraphone; it is the towering point of the work, which the composer describes as a prelude to human liberation from oppression and fear, embodied into the birth of Jesus Christ but reaffirmed into the Risen Christ – both figures are evoked in the Coda, where strings play the full Advent hymn alongside with trombones as well as fragments of the Easter Gloria, with a chorus of bells singing joyfully and disappearing gradually.

Poul Ruders: A Protestant Dane with a vision for our age.

Poul Ruders has become one of Denmark’s most representative musical voices after Nielsen or Langgaard. Born in Ringsted in 1949, he studied composition with Karl Aage Rasmussen during the 1960’s, creating his first compositions around that same time. However, his first important work was the chamber piece Four Compositions of 1980. Rouders is not afraid to tackle large scale compositions such as operas, concertos and symphonies, genres in which he has excelled. Anent the symphony, he has composed five works in the genre so far, each one being heir of the Langgaardian tradition which is opposed to the restrained, down-to-earth Danish musical thought, thus being closer to the Mahlerian-Straussian, all-embracing romanticism. His first symphony is his most expansive and certainly Mahlerian essay; it requires a large orchestra including quadruple woodwind plus soprano saxophone, 6 horns, 4 trumpets and trombones, tuba, timpani, 4 percussion players, harps, keyboards including two pianos (one acoustic, the other electric) and a synthesizer and finally a large body of strings. Its theme is nonetheless surprising as it is a meditation of life and death surrounded by a Christmastime environment; which is someway not quaint as it represents yet another vision of the possibility of religious faith in modern times realized by a Scandinavian, somewhat similar to Ingmar Bergman’s renowned film The Seventh Seal.

It possesses the title “Himmelhoch jauchzend – zum Tode betrübt“, which translates from German as “to heaven rejoicing – cast down into Earth” taken from one of the songs in Goethe’s Egmont. Ruders also quotes from J.S. Bach’s Christmas Oratorio to convey his beliefs in music. An orchestral cascade opens the work’s first movement, Presto jubilante, quickly giving way to J.S. Bach quote of the opening chorus “Jauchzet, frohlocket” which suddenly mutates into extremely jubilating music in brass and strings. This is opposed by a second quote from King Herod’s solo, the prelude of the massacre of newborn kinds, on daunting brass accompanied by “weeping” woodwind. Both motives collide and juxtapose one against each other in orchestral clusters that conclude on tolling bells and clashing brass that lead to a more quiet section. It would seem that innocence has been stolen away in some measure by tragic events, whether they have been human holocausts, world wars or atomic deserts such as Hiroshima or Chernobyl. Here, Ruders quotes a 15^th Century German carol “Joseph dearest, Joseph mine” first in strings and then in piccolo flute, signaling this philosophical loss in contrast with the large orchestra. Bells toll in the bottom against the sound of the pianos and piccolo while the wild chords of Herod’s solo seem to return gradually, vanquished by the joyful chorus, yet in what seems to be a pyrrhic victory. The second movement, entitled Tranquillo molto – dolcissimo, is dignifying example of Langgaardian minimalism as it is based entirely on two parallel chords, B flat minor and D flat major. Orchestration never changes, focusing on the pianos, synthesizers, chimes and strings; it is almost an orchestral nirvana that lasts 10 minutes alternating between fast and slow ryhthms. It is philosophically based upon the phrase “the desert of time” by Milan Kundera and we can certainly perceive this deserted spirit. A solo for first violin seems to contribute in this meditation. The third movement, Scherzando prestissimo, comes diametrically opposed to this, as it is short, concise and powerful, using all the colors of the wind and percussion palettes. This ambience of chaos, death and destruction leads immediately to a silent final movement, the Maschera funebre, again a Langgaardian minimalist passage based on a clustered chord for full orchestra that seems to be immobile, but eventually dwindles away to a barren landscape. From this “deathly music”, the 15^th century German carol emerges almost challenging these chords of doom, possibly in a faith-favoring denial, probably just signaling the end of a musical cycle; this finale is certainly subject to interpretation.

Certainly Christmas might not be what it was centuries ago, with all its original spirit devoid after moments of serious, yet still necessary, questioning of the Churches as institutions and the values deeply upheld by Christianity as a worldwide religion. Nonetheless, the wild commercialization of the holiday these days is also part of a cycle that continues to empty the holiday of its spiritual meaning. MacMillan and Ruders might point to a solution to this issue; on one hand, MacMillan possesses a Catholic-Socialist idea for the Christ as a liberator and eternal, unconquerable figure for mankind, and whose birth marked the beginning of a spiritual and real path of freedom from Earthly misery for all those who are suffering or are made to suffer by those who have enormous power, yet conveying the enormous active work mankind has to do to reach this ideal by the use of percussion. On the other hand, Ruders seems to present the birth of Christ as a way to deliver mankind much in spite the gigantic cataclysms, calamities and atrocities mankind has experienced from the last century onwards. This might be one way to interpret the quizzical and puzzling end of the symphony, in which it seems all forces of death are subdued, leaving a carol alone to sing as if it was the unrelenting and ubiquitous voice of Hope.

Sebastian Rodriguez Mayen.

*Hocket rhythms were commonplace in the earliest stages of polyphony (late Middle-Ages): they are alternations of the melody and rhythm between the main voices of the piece. In this concerto we can see them between different orchestral sectors and in percussion, of course.

Creyentes en tiempos de paganos IV: Una Navidad ¿posmoderna?

Hoy en día, la Navidad se ha convertido en una celebración posmoderna y completamente económica, muy al contrario de sus orígenes espirituales gracias a los siguientes factores: el alza del cuestionamiento hacia las Iglesias y el mercadeo incesante y algo despiadado de la celebración como tal. La religión institucional ha sido cuestionada en Occidente desde fines de la Edad Media, más que nada por las contradicciones entre la fe, las enseñanzas y los resultados en el plano real; muchas naciones se separaron de la Iglesia Católica, las cuales además fueron cristianizadas de manera tardía o se encontraban de cierta forma aislada y por lo tanto podían ver estas contradicciones fácilmente. Eventualmente, este cuestionamiento invadiría a estas naciones Protestantes, a las naciones férreamente Católicas y a las antiguas colonias europeas por las mismas razones citadas arriba y en conjunción con los avances del racionalismo científico y filosófico. Además, la economía capitalista (en especial el capitalismo estadounidense) experimentó su auge al mismo tiempo, siguiendo el axioma de que la tradición impide el desarrollo económico; desde mediados del siglo 20 hasta nuestros días, el tan llamado mundo civilizado celebra una navidad al estilo estadounidense, mientras que aún se mantiene un colorido local: los franceses preparan aún sus pasteles de tronco navideño y en Escandinavia aún se denomina la Navidad como Jul, antiguo nombre de la tradición invernal germano-celta, conservando tradiciones germánicas a la par de lecturas de los evangelios. En México, se realizan aún posadas, fiestas que recrean el viaje de Jesús y María (y que en centros urbanos se orientan más al alcohol) y los niños escriben cartas pidiendo regalos tanto a un Santa Claus importado como a los Tres Reyes Magos, al igual que el resto de los niños en Hispanoamérica. Incluso se sabe hoy en día que la tradición cristiana tiene orígenes paganos en la fiesta Romana del Sol Invicto, misma que era una festividad con orígenes persas y egipcios; es decir el 25 de diciembre o el antiguo día del Solsticio de Invierno. Hoy en día, muchos de los movimientos neopaganos celebran en Diciembre el Jul si son célticos o germánicos, o bien el Sol Invicto y las Saturnalias si son románicos. La música navideña siempre ha estado llena de connotaciones espirituales incluso hoy en día, al ser la más etérea de todas las artes. Aquí yacen algunos ejemplos de esta alabanza musical que son producto de su momento histórico.

James MacMillan: Un Católico escocés con ideales socialistas.

James MacMillan es probablemente uno de los compositores más importantes de la Gran Bretaña. Nacido en Kilwinning en 1959, realizó estudios musicales en la Universidad de Edimburgo y en la Universidad Durham para obtener sus títulos en composición. También es un distinguido director de orquesta quien, evidentemente difunde sus obras junto a aquellas de otros compositores contemporáneos a la par del repertorio establecido. Su música está llena de declaraciones políticas, religiosas y humanistas. Siendo un Católico devoto, también es un simpatizante de la Teología de la Liberación, una práctica anteriormente condenada por “orientarse hacia el Marxismo” ya que la Iglesia debía dar ayuda “radical” para combatir la pobreza, atacando sus orígenes en vez de remediarlos con acciones caritativas; una práctica que hoy en día encuentra mayor aceptación durante el papado mayormente socialista de Francisco. Algunas de estas ideas religiosas se reflejan en sus obras musicales, mismas que son posmodernas pero con toques de lirismo neorromántico. En su pieza de Adviento, Veni, Veni Emmanuel, MacMillan no requiere un coro o solista para ejecutar el canto gregoriano homónimo, sino a un solista de percusiones para liberar la energía en la obra. Los conciertos para percusiones son la última adición al género; usualmente considerados para marcar el ritmo o como instrumentos efectistas, las percusiones no eran consideradas como una fuente musical eficiente en una escena dominada por la dupla armonía/contrapunto hasta la revolución rítmica a inicios del Siglo 20. No obstante, el reconocimiento de sus capacidades potenciales como verdaderos creadores de música llegó hasta el análisis post-armónico de la música realizado por John Cage, en el cual todo sonido posible y existente es esencialmente un sonido musical. El concierto puede ser ejecutado por una orquesta sinfónica o por un gran ensamble de cámara y es por lo mismo uno de los conciertos para percusiones más tocados.

Una fulgurante Introducción comienza la obra junto con glissandi en la marimba y decoraciones que introducen un canto en clústeres metálicos. Esto pasa a través de la orquesta y las percusiones sin afinación que canalizan estas energías. La segunda sección, Latidos, empieza en las cuerdas y se escuchan golpes en gongs, cajas chinas y cencerros. Los tambores tocan con glissandis en los metales y alientos que suenan poderosos e imponentes. Esto concluye en un coral que prepara la música hacia la Danza, la cual está constituida por un poderoso contratiempo hoquetus* en metales y cuerdas, pasando a interpretaciones por las percusiones y siendo constantemente invadida por clústeres muy a pesar de la riqueza melódica del baile, la cual usa partes del canto gregoriano. Esto se detiene ante un clúster que es interrumpido constantemente por la melodía del baile. Este remolino se calma en la sección titulada Gaude, misma que usa de nuevo parte del canto y en el que el solista se restringe a la marimba y los campaniles; la orquesta toca el coro del gaude haciendo uso de diferentes grupos y combinaciones en lo que la marimba crea aparentes improvisaciones sobre la corriente musical, acercándose al minimalismo.  Este ambiente llega a un fondo y se alza en un vibrante golpe percusivo que usa un pedal en Mi bemol como fuente. La música en hoquetus regresa hacia un Coral de Danza que incluye un estudio trascendental para el vibráfono; llegamos a la cúspide de la obra, misma que es descrita por el compositor como un preludio a la liberación humana frente a la opresión y al temor encarnada en el nacimiento de Jesús pero reafirmada con su resurrección – ambas figuras son evocadas en la Coda, mientras que las cuerdas tocan íntegramente el himno del adviento junto con los trombones así como fragmentos del Gloria Pascual, todo con un coro de campanas que cantan alegremente y desaparecen gradualmente.

Poul Ruders: Un danés Protestante con una visión de los tiempos.

Poul Ruders se ha convertido en una de las voces más representativas de Dinamarca tras Nielsen o Langgaard. Nacido en Ringsted en 1949, estudió composición con Karl Aage Rasmussen durante los años 60, creando sus primeras obras al mismo tiempo. Sin embargo, su primera composición de importancia fue la pieza de cámara Cuatro Composiciones de 1980. Rouders no tiene reparo en abordar grandes composiciones como óperas, conciertos y sinfonías, géneros en los que ha sido exitoso. Concerniendo la sinfonía, ha compuesto cinco hasta ahora, cada una siendo heredera de la tradición Langgaardiana que se opone al pensamiento musical danés ,el cual tiende a ser refrenado y práctico, al ser más cercana al romanticismo Mahleriano-Straussiano que engloba todo. Su primera sinfonía es su más expansiva y la más mahleriana; ésta requiere una gran orquesta que incluye alientos cuádruples más saxofón soprano, 6 cornos, 4 trompetas y trombones, tuba, timbales, 4 percusionistas, arpa, teclados que incluyen dos pianos (uno acústico y el otro eléctrico) y un sintetizador y finalmente, un gran contingente de cuerdas. Su tema es algo sorprendente al tratarse de una meditación sobre la vida y la muerte rodeada de un ambiente navideño; el cual no es tan extraño al representar una visión más sobre la posibilidad de la fe religiosa en tiempos moderna realizada por un escandinavo; un tema similar al explorado por Ingmar Bergman en su famoso filme El Séptimo Sello.

La obra posee el título “Himmelhoch jauchzend – zum Tode betrübt”, que se traduciría del alemán “regocijándose hacia el cielo – atribulado en la muerte” tomada de una de las canciones del Egmont de Goethe. Ruders también cita partes del Oratorio de Navidad de J.S. Bach para complementar el desarrollo musical. Una cascada orquestal abre el primer movimiento, Presto jubilante, dando paso velozmente a la cita de J.S. Bach del coro inicial de su oratorio “Jauchzet frohlocket”, mismo que muta a música de júbilo extremo en metales y cuerdas. Esta idea es opuesta por una segunda cita del solo del Rey Herodes, preludio a la masacre de los recién nacidos, en metales terroríficos y acompañados por alientos “plañideros”. Ambos motivos chocan y se yuxtaponen uno y otro en clústeres orquestales que concluyen con campanas tintineando y metales chocando, llevando a una sección calmada. Pareciera que la inocencia nos ha sido robada en cierta medida por eventos trágicos, ya sean holocaustos humanos, guerras mundiales o desiertos atómicos como Hiroshima o Chernóbil. Aquí, Ruders cita un villancico alemán del siglo 15 “Querido José, Mi José” primero en las cuerdas y luego en el flautín, señalando esta pérdida filosófica y en contraste con la gran orquesta. Las campanas suenan al fondo conrta los pianos y el flautín mientras los acordes salvajes de Herodes regresan gradualmente, vencidos solamente por los del coro alegre en lo que parece ser una victoria pírrica. El segundo movimiento, Tranquillo molto – dolcissimo, es un ejemplo digno del minimalismo Langgaardiano ya que está basado únicamente en dos acordes paralelos, Si bemol menor y Re bemol mayor. La orquestación nunca cambia y se enfoca en los pianos, sintetizadores, campaniles y cuerdas; es casi como un nirvana orquestal que dura 10 minutos que alterna entre ritmos largos y veloces. Este se basa filosóficamente sobre la frase “el desierto del tiempo” de Milan Kundera y ciertamente podemos percibir un espíritu llano, Un solo para el violín primero contribuye a esta meditación hacia el final. El tercer movimiento, Scherzando prestissimo, es diametralmente opuesto al ser corto, conciso y potente, usando todos los colores de los alientos y las percusiones. Este ambiente de caos, muerte y destrucción, la Maschera funbere, es de nuevo un pasaje de minimalismo Langgaardiadno basado en un acorde en clúster para toda la orquesta que parece ser inmóvil pero gradualmente se disipa hacia un paisaje llano y yermo. De esta “música mortal”, el villancico alemán del siglo 15 surge casi retando a estos acordes de perdición, probablemente como una negación en pro de la fe, probablemente como signo del fin de un ciclo musical; este final está completamente sujeto a la interpretación.

Ciertamente la Navidad no es lo mismo que hace siglos, con todo su espíritu arrancado tras momentos de serios, pero necesarios, cuestionamientos hacia las Iglesias como instituciones y de los valores que la Cristiandad tiene como religión universal. No obstante, la comercialización salvaje de la festividad estos días es parte de un ciclo que sigue vaciando el contenido espiritual de la celebración. MacMillan y Ruders quizás aportan entonces una solució a estos dilemas; por un lado MacMillan posee una idea católico-socialista para Cristo como libertador y figura eterna e inconquistable para la humanidad y cuyo nacimiento comenzó un camino espiritual y real hacia la liberación de la miseria terrenal para aquellos que sufren por causa de aquellos que tienen mucho poder y al mismo tiempo que connota el trabajo inmenso que tiene que hacer la humanidad para alcanzar este ideal a través de las percusiones. Por otro lado, Ruders parecería presentar el nacimiento de Cristo y su figura como una manera posible de salvar a la humanidad incluso después de cataclismos, atrocidades y calamidades tan terribles como los que se han vivido desde el siglo pasado. Ésta bien podría ser una forma de interpretar el final tan misterioso y aparentemente inconcluso, en el que al parecer todas las fuerzas de la muerte han sido subyacidas, dejando el villancico cantar como la voz inconquistable y ubicua de la Esperanza.

Sebastián Rodríguez Mayén

*El contratiempo hoquetus era común durante las primeras etapas de la polifonía (fines de la Edad Media): se trata de alternaciones de la melodía y del ritmo entre las voces principales de la pieza. En este concierto las hallamos entre distintos sectores orquestales y en las percusiones, por supuesto.