Cosmopolitan Composers: Ernest Bloch’s tripartite nationalism (Parts I and III)

(Spanish version follows)

Welcome back. Today I present the second installment of the Cosmopolitan Composers series, and thus it is turn to analyze the music of Swiss-American composer and teacher Ernest Bloch.

Ernest Bloch was born in 1880 in Switzerland to a Jewish clockmaker family. He developed some musical talent in early childhood and went to Brussels to study music when he was 9 years old. His teachers included the great violinist Eugène Ysaÿe and compatriot composer Émile-Jaques Dalcroze, among many other musicians. He harvested some early success with his opera Macbeth and his Symphony in C-sharp minor, arguably the best romantic symphony ever written by a Swiss. In 1909 he became conductor in Neuchatel. But his real life adventure began in 1916, when he travelled to the United States with a Canadian dance company directed by dancer Maud Allan. The company went broke and Bloch was forced to settle down there and give lessons for a living. Nonetheless his talent was not underappreciated by Americans and by next year he was premiering some of his works in the United States. In 1920 he became teacher in the Cleveland Musical Institute. He became American citizen in 1924 and in 1925 he was offered a position in San Francisco. It is interesting to notice that among his students we may find some 20^th Century radicals like George Antheil and Roger Sessions. During the 30’s, he went back and forth between the Americas and Europe, finally settling in Oregon in 1941.Something equally interesting is that Bloch extolled his “triple” nationalism during all of his life: First of all he recognized his Hebrew origin as source of inspiration. Second, he considered his Swiss heritage as very relevant to his education and origins as well and finally, living many years in the States, he equally loved the land that gave him a new home. This triple “national” identity made him explore Jewish, American, and Swiss heritage that eventually inspired him a cycle of three “symphonies”: Israel, America and Helvetia, which he wrote between 1912 and 1929 (Though some sketches of Helvetia date back to 1900). Today I shall present the first and last works of this cycle.

Israel Symphony was composed between 1912 and 1916, and was originally conceived as a larger project: a huge symphony celebrating Jewish history, heritage and traditions. Unfortunately, WWI outbreak and Bloch’s voyage to the US left only the last movement complete, which was entitled Fêtes Juives (Jewish Festivities). Nonetheless, when he was to present the work as it was, fellow writer Romain Rolland suggested Bloch a title change to Israel, and that is how this work was born.  This work is as well part of Bloch’s Jewish cycle, a musical group of orchestral and chamber compositions that celebrate Jewish music and character, among this his best known work Schelomo, a rhapsody for cello and orchestra. The symphony is scored for a large orchestra including quadruple woodwind, five horns, trumpets and trombones in 3, tuba, timpani, percussion, 2 harps and strings plus an ad lib female choir and 5 soloists (2 sops, 2 altos, bass) and its three movements may be played without interruptions. While the music is not based on traditional melodies, the music remains modal in language. The first and shortest movement “Prayer in the desert” is a colorful evocation of the great deserts in Palestine. The melodies displayed both in brass and woodwind effectively recall the arid and open spaces in this land, as if it was a solemn, yet brief, memorial to the Jews’ 40 year-long march through the desert. The second movement “Yom Kippur” begins with an urgent brass fanfare, which is further developed by the rest of the orchestral forces. Yom Kippur is a feast dedicated to atonement of sins and it is considered to be the highest of the High Jewish Holidays. The movement is full of dissonance and brass melodic lines, which may symbolize the many sins that the people has committed. Followed by this comes a central, more calm and less dissonant section on woodwind and strings, which may represent the simplicity Jews must observe during the holiday, while in the third section, dissonance and chromaticism make a comeback, before subsiding to a final, quiet prayer on the English Horn, recalling the Kol Nidrei, the prayer that dissolves all vows before God. The third movement “Sukkot” (Feast of the Tabernacles), begins equally quietly but with a more joyful voice, which each time grows bigger and bigger through the orchestra, and all of a sudden, a glowing fanfare appears. The Sukkot, which comes four days after the Yom Kippur, is rather celebratory and joyful rather than somber. After the fanfares, women soloists finally enter, chanting a melody to praise God “Adonay, Elohim, praised thou be, Alelluia”. The prayer goes on, sung by the female voices, followed by a more dissonant and melismatic section. The bass is the last to enter and it seems to evoke the deep voice of an exultant rabbi. The text is sung in Hebrew, French and English and the celebration fades away in woodwind and strings.

The final work of this symphonic cycle, Helvetia (Switzerland): The land of the Mountains and its people, a symphonic fresco for orchestra, dates from 1929. It is more a symphonic poem than a symphony, and unlike Israel (but much like in America), Bloch uses some folk song materials. As its predecessors, Bloch uses a very large orchestra including quadruple woodwind, six horns and triple brass among its requirements, as well as an ad lib choir; which as a matter of fact, it is not present in all existing recordings. The symphonic poem is both descriptive of nature and historically descriptive as the composer suggests in his notes: “[…] the background of my work is not in the present, but in the past of a small people in the process of formation, fighting for their liberties, their independence.” In time, this description of Switzerland would have as well other meanings, as one after another, German speaking countries fell under the demonic spell of Nazi Germany in the 1930’s. The poem begins with a horn call, an evocation of the mountainside that is eventually echoed through the orchestra, in the composer’s words it is “the mountain itself, its mystery, its rocks, its forests”. Such naturalistic evocation on delicate musical terms even raised some comparisons with F. Delius’ own The Song of the High Hills, which may appear here later. The second section “The dawn of Mountain and men” follows immediately on a folk march on irregular beat on strings which represents the awakening of the people, just to fade away into the mists of the morning on woodwind and horns and strings. The third (and probably longest section) begins with a second call of the opening motive, to be followed once more by the motive of the people. Both mountain and its people are summoned to the Landsgemeine, the people’s assembly. This summoning is heard first in muted trumpets that sound far away and answered by oboes/English horn. Then one by one, all instrumental families respond by marching into the assembly. Dancing peasants, merchants, soldiers, and landlords with their fanfares arrive into the assembly. Suddenly, their march is suddenly stopped by a plaintive melody in strings and woodwind: “tragically the Elders announce that “The Fatherland is in Danger” ”, a melody whose dramatic pathos grows with each additional bar, especially after the entrance of brass. In the fourth section, the mountain calls her children into battle against her enemies: cavalry charges, volley fire and melees are evoked through the orchestra: The medieval Battles of Morgarten and Sempach, which the Old Swiss Confederacy won against the Habsburgs, surely came into the composer’s mind. The enemy is defeated and the Swiss knights pursue them back to Austria. When they come back, them and the people intone the Geneva thanksgiving anthem “Cé qué lé no” (The One Who is Above) to celebrate their victory. For the final section “The mountain is free, serene again, as after a storm”, the composer recapitulates the many subjects that compose the work: The mountain, their people, their victory and celebrates them one last time, just to become shrouded by the eternal mists of the mountain.

Sebastian Rodriguez Mayen

Compositores cosmopolitas: El nacionalismo tripartita de Ernest Bloch (Partes I y III)

Bienvenidos otra vez. Hoy presentaré la segunda entrega del ciclo compositores cosmopolitas y entonces toca el turno de la música del compositor, director de orquesta y pedagogo suizo-estadounidense Ernest Bloch.

Ernest Bloch nació en Suiza en 1880, en una familia de relojeros judíos. Desarrolló cierto talento musical desde temprana edad y fue a Bruselas para estudiar música contando con tan sólo 9 años de edad. Sus maestros incluyeron al violinista Eugène Ysaÿe y al connacional Émile-Jaques Dalcroze, entre muchos otros músicos. Cosechó algunos éxitos con su versión operística de Macbeth y con su Sinfonía en Do sostenido menor, quizás la mejor sinfonía romántica jamás compuesta por un suizo. En 1909, se convirtió en el director de la orquesta en Neuchatel. Sin embargo, la gran aventura de su vida comenzó en 1916, cuando viajó a los Estados Unidos de América acompañando a una compañía de danza canadiense liderada por la bailarina Maud Allan. La compañía quebró durante el viaje y Bloch se vio obligado a radicar en los EUA y dar clases como modo de vida. No obstante, su talento no fue desaprovechado por los estadounidenses y al año siguiente estrenó muchas de sus obras en ese país. En 1920, se convirtió en profesor del recientemente inaugurado Instituto Musical de Cleveland. Se nacionalizó estadounidense en 1924 y en 1925 aceptó un puesto en San Francisco. Es interesante observar que entre sus alumnos encontramos músicos radicales del siglo 20 como George Antheil y Roger Sessions. Durante los años 30, vivió entre Europa y América, finalmente estableciéndose en Oregon en 1941. Algo igualmente interesante de observar es que Bloch siempre expresó su triple nacionalidad durante toda su vida: Primero que nada, reconoció que su origen hebreo era una gran fuente de inspiración. Segundo, consideraba que su herencia suiza fue muy relevante para su educación y orígenes y finalmente, después de vivir muchos años en los Estados Unidos, igualmente amaba a la tierra que le dio un nuevo hogar. Esta triple “identidad nacional” lo hizo explorar la herencia cultural judía, norteamericana y suiza, la cual eventualmente le inspiró un ciclo de tres “sinfonías”: Israel, América y Helvetia, las cuales fueron escritas entre 1912 y 1929 (aunque algunos esbozos de Helvetia datan del año 1900). Hoy expondré la primera y última pieza de este ciclo.

La Sinfonía Israel fue escrita entre 1912 y 1916 y fue originalmente concebida como parte de un proyecto aún más ambicioso: una enorme sinfonía celebrando la historia Judía, su herencia y sus tradiciones. Desafortunadamente, el estallido de la 1GM y el desastroso viaje de Bloch a los EUA sólo le permitieron completar el último movimiento, llamado “Fêtes Juives” (Festividades Judías). Sin embargo, cuando estuvo a punto de presentar el trabajo, su amigo escritor Romain Rolland le sugirió a Bloch el título Israel. De igual forma, esta obra forma parte del Ciclo Judío de Bloch, un grupo de música sinfónica y de cámara que celebran el espíritu hebreo a través de la música y entre las que se encuentra la obra más conocida del compositor: Schelomo, rapsodia para violonchelo y orquesta. La sinfonía requiere de una gran orquesta incluyendo alientos cuádruples, cinco cornos, trompetas y trombones a tres, tuba, timbales, percusiones, dos harpas y cuerdas, además de un coro ad lib. y cinco solistas (dos sopranos, dos contraltos y un bajo). Los tres movimientos de la obra pueden ser interpretados sin interrupciones. Aunque la música no está basada en melodías tradicionales, su lenguaje es modal. El primer movimiento (y el más corto) “Plegaria en el desierto” es una colorida evocación de los grandes desiertos de Palestina. Las melodías en los alientos y en los metales describen aquellos espacios abiertos y áridos, como si fuera un breve memorial a los 40 años que pasaron los judíos errando en el desierto. El segundo movimiento “Yom Kippur” comienza con una urgente fanfarria en los metales, la cual es desarrollada poco a poco por el resto de la orquesta. El Yom Kippur es una festividad dedicada a la expiación de los pecados y es considerada como la más importante de las Yamim Noraim (Días terribles). Este movimiento se caracteriza por la disonancia y melodías en los metales, que pueden simbolizar los temibles pecados del pueblo. Después viene una sección central más calmada, menos disonante, la cual es introducida en los alientos y en las cuerdas, representando así la sencillez y austeridad que los judíos deben llevar a lo largo del día, mientras que en la tercera sección las disonancias y el cromatismo musical regresan, antes de disiparse en una plegaria final en los oboes y el corno inglés, recordando así el Kol Nidrei, oración que disuelve los votos ante Dios. El tercer movimiento “Sukkot” (Festival de los Tabernáculos), comienza silenciosamente, pero con mucha más alegría, la cual crece a través de la orquesta. De repente, una fanfarria en las trompetas destella con singularidad. El Sukkot, que se celebra cuatro días después del Yom Kippur, es una fiesta celebrando el fin del exilio en el desierto y por lo mismo es alegre. Una vez que las fanfarrias se han calmado, las solistas entran finalmente, cantando una melodía para alabar a Dios: “Adonay, Eloim, alabado seas, Aleluya”. La plegaria sigue su curso, cantada por las voces femeninas, proseguida por una sección disonante y melismática. El bajo es el último en entrar y evoca con su canto a un rabino exultante. El texto es cantado en hebreo, francés e inglés mientras la celebración se aleja en las cuerdas y los alientos.

La obra final del ciclo patriótico de Bloch es Helvetia (Suiza): La tierra de las Montañas y su pueblo, un fresco sinfónico para orquesta, la cual data de 1929. Es más un poema sinfónico que una sinfonía y a diferencia de Israel (pero como en América), Bloch hace uso de material folclórico.  Como en sus predecesores, Bloch utiliza una gran orquesta con alientos cuádruples, seis cornos, metales triples entre otros requerimientos. Así mismo usa un coro ad lib. el cual, por cierto, no está presente en ninguna de las grabaciones existentes.  El poema sinfónico es descriptivo tanto de la naturaleza del país como de la historia del pueblo suizo tal y como el compositor lo describe en sus notas: “[…] mi obra no se sitúa en el presente, sino en el pasado de un pueblo que apenas se conformaba; luchando por sus libertades y su independencia”. Con el tiempo, esta descripción de Suiza se tomaría otro significado, ya que un país germano tras otro, sucumbieron ante el terrible hechizo de la Alemania Nazi durante los años 30. La obra comienza con un llamado en los cornos, una evocación de las grandes cadenas alpinas que es entonada después por el resto de la orquesta, en palabras del compositor es “La montaña en esencia, sus misterios, rocas y bosques”. Esta evocación de la naturaleza en términos delicados instrumentalmente hablando incluso ha suscitado comparaciones con La canción de las altas colinas de F. Delius, obra que será expuesta más tarde.  La segunda sección “el alba en la montaña y el despertar del hombre” sigue inmediatamente en una marcha popular en tiempo irregular, representando el despertar del pueblo suizo, el cual se pierde en la bruma matinal, evocada por los alientos y las cuerdas.  La tercer sección (y probablemente la más extensa) comienza con un segundo llamado de la música en el movimiento inicial, para ser seguido por el motivo del pueblo: La montaña su gente han sido convocadas al Landsgemeine, la asamblea popular suiza. El llamado se escucha a lo lejos en las trompetas con sordina y respondida por los oboes y el corno inglés. Luego, una por una, cada familia instrumental responden al llamado marchando alegremente a la asamblea: Campesinos danzantes, comerciantes, soldados y pomposos terratenientes llegan a la convocación. De repente, su alegre marcha se detiene ante una sección plañidera en los alientos y las cuerdas: “los Ancianos, digna pero trágicamente, anuncian que “La Patria está en peligro””, una  melodía cuyo pathos dramático crece con cada compás, especialmente con la entrada de los metales. En la cuarta sección, la montaña llama a sus hijos al combate contra sus enemigos: se oyen cargas de caballería, andanadas de proyectiles y combates cuerpo a cuerpo. Probablemente las batallas de Morgarten y Sempach, en las cuales la Antigua Confederación Suiza derrotó a los Habsburgo, vinieron a la mente del compositor. El enemigo es vencido y los caballeros suizos los persiguen hasta Austria. Cuando vuelven, ellos junto con el pueblo entonan el himno ginés de acción de gracias “Cé qué lé no” (Aquél que reside en las alturas) para celebrar el triunfo. Para la sección final “La montaña es libre, serena de nuevo, como después de una tormenta”, el compositor hace una recapitulación de los motivos musicales de la obra: La montaña, el pueblo y sus victorias son conmemorados una vez más, sólo para perderse en la niebla eterna de la montaña.

Sebastián Rodríguez Mayén