(Versión en español abajo)
One of
Britain’s leading voices in academic music during early 20th century
was undoubtedly Gustav Holst. Born in 1874 to a musical family, his father was
an organist and her mother a former piano recitalist, as well as his oldest known
relative, his great-grandfather Matthias Holst, was composer and teacher in the
Russian Imperial Court at St. Petersburg. As a consequence, Holst didn’t find
obstacles to a musical career, except his father was not happy of him being a
composer and rather fostered in him a piano recitalist career. Unfortunately
for him, Gustav’s health issues did not allow him to pursue a career as a
pianist; thus he was able to continue as a composer. Nevertheless, he was also
a rather good violin and trombone player. In 1893, he was finally allowed to
enter to the Royal Conservatory under the tutelage of Charles V. Stanford and
Hubert Parry among others, but unlike many “talented” students, he was forced
to make a living by playing outside scholarly environments, but also in
concerts under the baton of Richard Strauss in 1897.
Holst is
mainly known today for just one work: The
Planets, Suite for Large Orchestra Op. 32, which draws its inspiration from
the mystical and astrological properties given to the celestial bodies rather
than from scientific or naturalistic sources. Let us remember that by that
time, scientific knowledge of our system partners was not as vast as it is
today, and it remained mostly speculative, mostly as portrayed by contemporary
depictions on Mars like sci-fi novel The
War of the Worlds by H.G. Wells, or the astronomical observations of
Percival Lowell. Without considering its source of inspiration, The Planets was and it is still
considered by many as the landmark and masterwork of British Late-romanticism,
since its musical qualities and elements are similar of French Impressionism
and German Post-Wagnerism: Large instrumental forces, ambitious organic scope
and abandon of tonality to a certain measure. It is also a revolutionary piece:
Just for the ending of the suite, Neptune,
the mystic, Holst assigned no key signature (except for the women’s choir
parts), and his musical language here predates by more than a half century
minimalism and spectral music. Nonetheless, Holst’s Planets didn’t come out of nowhere: Most of the musical features of
his masterwork are refinements of earlier works, many of them coming also from
an equally mystic background: India. By the beginning of the 20th
Century, India was the largest and most important colony of the British Empire,
and many great British artists and writers have had at least some contact with
it. A 30 year-old young Holst was then not unaffected by this influence, but
unlike Elgar who celebrated British triumph and glory with his scenario on The
Crown of India, Gustav was rather attracted to religion, legends and mysticism
of that ancient land, something which was not something rare in romantic
composers of the age like Rimsky-Korsakov or Roussel. It was mostly through his
father’s second wife theosophical aspirations that Holst entered in contact
with Indian philosophy and culture, he even took Sanskrit lessons! The two
works presented here are from his Indian period and already bear marks of his well-known,
mature language.
The first
of them is Indra, Symphonic Poem Op.13
(or H.66), which is based on the legend of the Indian god of rain and storm,
figure represented by a four note descending motive (Bb-A-G-F and corresponding
transpositions), echoing rain that runs throughout the score. While the
instrumental language is very close to Sibelius (particularly in the use of
upward running woodwind), who was making a name of his own by that time as
well, we equally hear distinctive Holstian elements such as doubled strings,
woodwind in octaves and fifths, introductions starting on low strings and
delicate horn writing, as well as syncopations. The symphonic poem starts with
a heroic depiction of Indra and rain falling through land, as marked by a
fanfare like figure on horns and trumpets after the main motive is stated both
in strings and woodwind. After the main statement, a more somber toned section
on woodwind and low strings, whose crescendo development foresees Saturn, depicts the barrenness of the
drought which was brought by dragon-demon Vrita, since he has stolen rain
clouds. Humans cry desperately (a dissonant chord) for the end of their suffering
and a very Sibelian harmony on a clarinet and harps is heard. Prayers are
elevated towards heaven where God Indra resides and he is awake. Indra summons
his thunderclouds on percussion and woodwind to battle gloriously with Vrita,
who reveals to have been invoked by a Brahman to avenge the death of his
son. The demon is defeated with the help
of Vishnu and rain falls on land once more. Earth is replenished, green torn as
rivers flow while the people’s prayer is heard among all the families in the orchestra,
here instrumentation including horns, woodwind and celesta is typically,
Holstian. The prayer has become a song of joy as rain falls continuously
through the countryside, thus concluding the poem in fortissimo.
This topic of weather as a nurturing element returns in the second of these works which, in fact, comes before The Planets: It is the very obscure, yet very beautiful choral work The Cloud Messenger H.111, based on writings of Kalidasa, a very important Indian poet from 1st Century AD. The translation of this text is a mixture of his own and that of R.W. Frazier. The poem talks about an exiled poet who summons a cloud to send a love message to his wife, who lies up in the Himalayas, beyond sacred Mount Kailash. It is scored for a full orchestra with triple woodwind, celesta, organ and mixed chorus. The music is filled with imagery and sonic interpretations contained in the poem effectively and the instrumental and harmonic language is more of Holst’s own than in Indra. The music begins softly with a plain call on English horn, followed by delicate harmonies on woodwind and low strings, this is followed by a more distinctively Holstian section where a descending half step figure on woodwind is repeated by horns. Little by little the introduction hastens and gives the first entry to the choir “O thou who com’st from Heavens’ King”, gloriously accompanied by brass as the poet greets welcome the Cloud, yet music grows with anguish as he explain his painful situation: He has been banished from his wife and his home for a year or so and he must wander in the dry plateau of central India. He commands the Cloud to travel to the city of the Great God up in the Himalayas to send his loving message, which is accompanied by musical ascending motives that evoke the winds. A Bass drum strike announces the second section “Tarry not. O Cloud”. The choir hastily announces the fast trip the Cloud should take to reach its destination up in the mountains. In its journey, several states of the cloud are described: First the storm, well executed by drums and timpani, as well as brass. But instead of fear, it invokes happiness on the land, much like in Indra. As the Cloud moves into the plains, a very sensuous melody, foretelling much of Venus, ensues on woodwind and horns, as rain falls into the plains and brings nature back to life: Jasmin blooms, grass is reborn, and birds fly in thousands to the sky. In the third section, named as the second, a mezzosoprano voice takes a recitative role. Here, the soloist makes a sensually wonderful comparison of the barren land and the sad wife of the poet, yearning for the message of the Cloud “Pour down thy rain on her/fill her heart with gladness”. Once more the descending half step motive form the introduction is heard, announcing this time a processional, as the Cloud must follow its way through the mountains. The fourth section is a processional, anticipating once more, Saturn and also minimalism. Horns and low brass announce the motive of the movement, then the trumpets and finally the male section of the choir. The Cloud has finally made ascent to the foothills of the Himalaya, where the Ganges streams down. The choir sings for the ascent of the Cloud into the mountain passes, along with the Spirits up to the holy Mount Kailash. The female section of the choir sings an Indian dance to praise their Lord. A soft dance begins on celesta and strings, accompanied by timpani and horns. The repetitive motives are simply breathtaking. As the Cloud reaches the source of the rivers, it stops at the temple to watch the dancers greeting her passage. Once more the Indian dance is heard on woodwind, followed by a more rapid version of the soft, repeating dance and the choir invites the Cloud to join in the dance, offered for the great god Shiva, the Lord of the Dance, that who “holds the three worlds in his grasp”: The Cloud dances along. Still it must not stop and follow its path where the poets’ wife lies, as the pace of the dance hastes and the grand organ enters for the first time. The final section “When the dancers are weary”, begins softly after the climatic maelstrom of the last section. The Cloud moves forward into the sacred valley, once more accompanied by a processional figure on percussion to find the house with a pond eager to have rain once more: The home of the poet’s second-self. As she is sad, the poet asks the Cloud to speak to her silently. Here, music turns to pianissimo and equally no heavy brass is used, as the Cloud delivers its message to the sorrowing woman. It acknowledges the poet is as sad as her, and hopes he returns soon home. As it announces his grief, the choir goes into pianisissimo chanting deep dissonances a capella. But suddenly, an E major chord announces the message: The poet is able to see his love through dreams, so during the day he only waits until the sun falls to see her again in his mind. The Cloud finally dissipates into the sky, hoping to bring comfort to the wife as rain falls, once more through the land, yet this time, fading away into pianissimo, as it will happen in Neptune years later.
Sebastian Rodriguez Mayen.
Compositor estimado, obra desestimada II: Holst en la
lluvia de la India.
Gustav Holst fue uno de los compositores más talentosos
durante la primera mitad del siglo 20 en la Gran Bretaña. Nació en el seno de
una familia musical, en el año 1874. Su padre era organista y su madre una
antigua recitadora de piano; así mismo su ancestro conocido más lejano, es
decir su bisabuelo Matthias Holst, era compositor y maestro en la corte Imperial
de Rusia en San Petersburgo. Consecuentemente, Holst no encontró obstáculos
para soñar en una carrera musical, excepto que su padre no lo quería que fuera
compositor y prefirió apoyarle en una carrera de pianista. Sin embargo, la
salud de Gustav fue un gran determinante para impedirle ser pianista y por lo
mismo pudo dedicarse a la composición. Así mismo, demostró ser un gran
violinista y trombonista. En 1893 fue admitido en el Real Conservatorio bajo la
tutela de Charles V. Stanford y Hubert Parry entre otros, pero a diferencia de
estudiantes “talentosos”, no tuvo becas y tuvo que ganarse la vida tocando
fuera de ambientes académicos, al igual que en conciertos bajo la batuta de Richard Strauss a partir de
1897.
El día de hoy, Holst es conocido más que nada por una sola
obra: Los Planetas, Suite para gran
orquesta Op.32, la cual se inspira en las propiedades místicas y
astrológicas de estos cuerpos celestes más que en hechos científicos o
naturales. Recordemos que por ese entonces, la investigación científica sobre
nuestros compañeros solares no era tan vasta como lo es hoy e incluso, era muy
especulativa. Esto queda muy evidente en representaciones contemporáneas sobre
Marte como la novela La Guerra de los Mundos de H.G. Wells o las observaciones astronómicas
de Percival Lowell. Sin tomar en cuenta la fuente de inspiración, Los Planetas
fue y es considerada como la obra más significativa del Romanticismo Tardío
inglés, ya que sus características son afines al Impresionismo francés y al
pos-Wagnerismo alemán: Uso de un enorme aparato instrumental, una ambiciosa
proyección orgánica y abandono de la tonalidad hasta cierto punto. También es
una obra revolucionaria: sólo al final de la suite, en Neptuno, el místico, Holst no asignó una armadura al partitura
(excepto por las partes corales) y el lenguaje musical se adelanta a las
innovaciones minimalistas y espectralistas que ocurrirían un medio siglo
después. Sin embargo, Los Planetas de
Holst no aparecieron de la nada. Muchas de las características musicales de
esta, su obra maestra, son refinamientos de obras anteriores, muchas de ellas
viniendo de una fuente de inspiración igualmente mísitica: la India. Hacia
principios del siglo 20, la India era la colonia más grande e importante del
Imperio Británico y muchos artistas y escritores habían tenido contacto con
ella. Holst no fue ajeno a esta gran fuente de inspiración y a sus treinta
años, comenzó a componer obras inspiradas en la religión y el misticismo
hindúes, similarmente a lo que hacían contemporáneos como Rimsky-Kórsakov o
Roussel y en oposición filosófica a Elgar, quien compuso música para el
escenario The Crown of India, que celebraba el triunfo y la gloria de los
británicos en ese país. Fue gracias a las aspiraciones teosóficas de la segunda
esposa de su padre que Holst entró en contacto con la cultura india y su
filosofía, ¡incluso llegó a tomar lecciones de Sánscrito! Las dos obras aquí
presentes pertenecen a su periodo Indio y poseen características de su periodo
maduro.
El primero de ellos es el poema sinfónico Indra, Op.13 (o H.66), el cual se basa
en la leyenda del dios Hindú homónimo al que se asocian las lluvias y la
tormenta. Indra está representado por un motivo de cuatro notas descendientes
(Sib-La-Sol-Fa y sus transposiciones correspondientes) que permea como la
lluvia a través de toda la pieza. Si bien el lenguaje instrumental se parece al
de Sibelius (particularmente en las corridas ascendentes en los alientos),
quien por ese entonces también buscaba un lenguaje personal, también están
presentes elementos propios a Holst como cuerdas imitativas, quintas y octavas
paralelas en alientos, introducciones de frases en las cuerdas graves, melodías
delicadas en los cornos y ritmos sincopados. El poema sinfónico comienza con
una descripción heroica de Indra y de la lluvia cayendo sobre la tierra,
marcada por una fanfarria en los cornos y las trompetas mientras el motivo
principal es presentado por los alientos y las cuerdas. Prosigue una sección
más sombría en los alientos y las cuerdas graves, cuyo desarrollo en crescendo
anticipa elementos de Saturno, la
cual describe el paisaje yermo que ha provocado la sequía traída por el dragón
demoniaco Vrita, quien ha robado las nubes de lluvia. Los seres humanos lanzan
un grito de desesperación (un acorde disonante), el cual es seguido por una
harmonía muy sibeliana en los clarinetes y arpas. Ellos elevan oraciones y
plegarias hacia el cielo, donde reside Indra, el cual despierta ante su sonido.
Indra convoca a los relámpagos en las percusiones, alientos y metales para una
batalla gloriosa en contra de Vrita, quien revela haber sido invocado por un
brahmán para vengar la muerte de su hijo. El demonio es vencido con la ayuda de
Vishnu y la lluvia cae a la tierra una vez más.
La tierra ha sido sanada y reverdecida mientras los ríos vuelven a
correr, mientras la plegaria de los hombres se escucha en todas las familias de
la orquesta. Aquí la instrumentación incluyendo cornos, alientos y celesta como
elementos importantes es típica de Holst. La oración se vuelve un canto de
alegría mientras la lluvia sigue cayendo sobre los campos, concluyendo en
fortíssimo.
Este tema relativo al clima como elemento restaurador vuelve
a ser explorado en la segunda de estas obras, la cual de hecho, fue estrenada
antes de que Holst compusiera Los Planetas: el muy desconocido y sin embargo,
muy bello escenario coral La Nube Mensajera H.111 basado en escritos de
Kalidasa, un poeta hindú muy importante del siglo 1 D.C. La traducción inglesa
es una mezcla de la propia del compositor y aquella de R.W. Frazier. El poema
en que se basa el escenario trata de un poeta exiliado que invoca a una nube
para enviarle un mensaje de amor a su esposa quien reside en su patria, arriba
en el Himalaya, más allá del Monte Kailash. Esta obra está orquestada para una
orquesta aumentada con alientos triples, celesta y gran órgano, al igual que un
coro mixto. La composición está llena igualmente de imágenes musicales y
sonoras que evocan las palabras del texto de manera eficaz y el lenguaje
harmónico e instrumental es más propio de Holst que en Indra. La música empieza tranquilamente con una melodía plañidera
en el corno inglés, seguida por delicadas harmonías en los alientos y las
cuerdas graves. Esto es seguido por una sección muy holstiana donde una figura
en semitonos descendientes es entonada por los alientos y repetida por los
cornos. Poco a poco, la música se acelera para dar la primer entrada del coro
“¡Oh, Tú! Que provienes del Rey de los Cielos”, gloriosamente acompañado por
los metales cuando el poeta saluda a la nube. La música se torna más angustiosa
en el momento en que explica su dolorosa situación: el poeta ha sido exiliado
de su patria y de su mujer durante un año y ahora está condenado a vagar en un
árido altiplano en el centro de la India. Le pide a la Nube que viaje hasta la
ciudad donde reside el Gran Dios arriba en el Himalaya para enviar su mensaje
de amor, escena que es acompañada por motivos musicales ascendentes que evocan
los vientos. Un golpe en la gran caja anuncia la segunda sección “No demores,
Nube. ¡Oh, no demores!”. El coro rápidamente anuncia la igualmente veloz
partida de la Nube hacia su destino arriba en las montañas. En su viaje,
distintos estados del clima que provoca son distintos. En primer lugar, la
tormenta, bien llevada a cabo por los metales y las percusiones. Sin embargo,
en lugar de evocar el miedo, el trueno trae alegría, como lo hizo en Indra.
Mientras la nube se mueve hacia la pradera, una melodía más sensual aparece en
los alientos y los cornos, la cual anuncia mucho de la música que ocurrirá en Venus. La lluvia cae sobre los valles y
planicies y la naturaleza revive: Los jazmines florecen, el pasto vuelve a
crecer y las aves vuelan por miles en los cielos. En la tercera sección, de
mismo título que la segunda, la mezzosoprano toma el rol de recitante. Aquí, la
solista hace una maravillosa y sensual comparación entre la tierra yerma y la
triste esposa del poeta, ambas esperando el mensaje de la Nube “Deja caer la
lluvia sobre ella/Llena su corazón de alegría”. Se oye una vez más el motivo
descendiente de semitonos de la introducción, anunciando una procesión, ya que
la Nube debe seguir su camino a través de las montañas. La cuarta sección es en
efecto, una marcha de procesión, que anticipa en gran manera Saturno y el minimalismo de los años 60.
Los cornos y los metales pesados anuncian el tema del movimiento, el cual es
repetido por las trompetas y finalmente la sección masculina del coro. La Nube
ha ascendido finalmente a las colinas que anteceden al Himalaya, de donde nace
el río Ganges. El coro canta por el ascenso de la nube hacia los enormes pasos
montañosos, junto con los espíritus que ascienden hasta el sagrado Monte
Kailash. La sección femenina del coro canta una danza hindú para alabar a su
Dios. Una danza más suave comienza en la celesta y las cuerdas, acompañada por
los timbales y los cornos. Los motivos repetitivos son simplemente asombrosos. Cuando
la Nube llega a la fuente de los ríos, se detiene en el templo para observar a
las danzarinas quienes la saludan. La danza hindú vuelve a sonar en los
alientos, seguida por una versión más veloz de la danza suave, esta vez más
activa mientras el coro invita a la Nube a unirse a la danza, una que es
ofrecida al gran dios Shiva, el Señor de la Danza, aquel que “sostiene a los
tres mundos en su puño”: La Nube baila junto con el coro. De todas maneras,
tiene que seguir su camino hasta donde yace la esposa del poeta, mientras la
velocidad del baile aumenta y el gran órgano entra por primera vez. La última
sección “Cuando las danzarinas cansadas están” comienza suavemente después del
torbellino climático de la sección anterior. La Nube se mueve a través del
sagrado valle, acompañada por una figura de procesión en los timbales hasta
hallar una casa cuyo estanque anhela la lluvia impacientemente: el hogar de la
esposa del poeta. Como ella ha de estar triste, éste le ha pedido a la Nube que
le hable suavemente. En general, la música de esta sección es en pianissimo y
el uso de los metales pesados está muy restringido, sobre todo mientras la Nube
entrega su mensaje a la mujer dolida. Reconoce que el poeta está tan triste
como ella y que él espera retornar pronto a casa. Mientras la Nube confiesa el
dolor del poeta, el coro llega hasta pianississimo usando disonancias profundas
a cappella. Pero de repente, un acorde de Mi mayor anuncia el mensaje: El poeta
puede verla a través de sus sueños, así que durante el día solo espera el caer
de la noche para verla de nuevo, al menos en su mente. La Nube se disipa en el
cielo, esperando reconfortar a la esposa mientras la lluvia cae una vez más
sobre la tierra, sin embargo esta vez, disolviéndose en un pianissimo, tal y
como ocurrirá en Neptuno años más
tarde.
Sebastián Rodríguez Mayén.
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