Historical Scenes III: Fascination with Classical Antiquity

Antiquity... Such a theme has remained close to the hearts of arts and academia from Renaissance on, resurrecting it from time to time and with different repercussions across different civilizations. French and Italian arts masters felt quite closer to “Classical” subjects than English or Germanic ones, although there are some exceptions. For example, William Shakespeare, the great English playwright, wrote gigantic dramas like Coriolanus or Antony and Cleopatra, all of them based upon Ancient Rome, which brought him enormous success. Johann Wolfgang von Goethe, the renowned German novelist, also wrote his famously erotic Roman Elegies, extolling Italian and Roman culture. Another Englishman, Lord Byron, was so enamored with Greek Classicism and culture that he went to Greece and fought with the Revolutionary Army to achieve independence from the Ottoman Empire; he died in battle and became, much like Achilles or Hercules, a hero for the Greeks. Composers from all over have done the same on these ancient topics and written marvelous works of art, in and out the traditional circles, and who have transmitted their particular impressions of those times long bygone. Behold some little-known examples:

Jesús Guridi: From Ancient Greece to the Spanish Basque Country.

Jesús Guridi was probably the most renowned composer from the Basque Country in Spain only after Juan Cristósomo de Arriaga, who lived shortly at the beginning of the 19^th Century and whose early talent earned him the nickname of “The Spanish Mozart”. Guridi was born in 1886 in Vitoria (or Gasteiz for the Basque), now the capital of the Basque Country. During those days, there was an upsurge of Basque revivalism running through the veins of the entire cultural elite of the region, which he absorbed through the years. Guridi showed talents for composition since early age, and soon he was travelling to Paris’ Schola Cantorum to study with renowned professor Vincent D’Indy, as he was too young to enter into Madrid or Paris’ Conservatories. He would later travel to Belgium to study with equally renowned composer Joseph Jongen and as far as Cologne with reputed teacher Otto Nietzel. While most Spanish composers bent over to French Impressionism, he decided, as fellow Spanish-Basque composer Andrés Isasí, to embrace German-style Romanticism with a strong vein of Basque Nationalism. The Basque People is one of the oldest in Europe, preceding the waves of Indo-European migrations that spread most of the linguistic and cultural bases of most of the modern languages of Europe. As such, they are presently unrelated to any existing or former culture and civilization, and for such reasons they remain and endure as a cultural and linguistic isolate. However, existing theories link them with the non-Indo-European, non-Altaic populations of Transcaucasia (i.e. Georgians and Dagestani), some of which have been corroborated with DNA samples.*

Back to our main subject, Guridi’s largest achievement is his Sinfonía Pirenaíca, a Spanish-Basque relative to Richard Strauss’ Eine Alpensinfonie. It would be quite quaint that such a composer would take interests in “Classical” subjects, yet however in 1915, Guridi wrote a symphonic poem named En un barco fenicio (In a Phoenician Vessel). The Iberian Peninsula was colonized by two major Classical cultures, on one hand Phoenician-Punic merchants settled in southern enclaves known today as Cádiz and Cartagena; on the other hand Romans would take over the entire peninsula during 1^st Century BCE. It would not be then unusual that a Spanish composer could write something about such cultures. Nonetheless, the hero in the symphonic poem is none other but Telemachus, son of Odysseus and thus Greek, who according to Homer’s Odyssey, travelled in a Phoenician bireme across the Ionian Isles to mainland in search for his father. This is the closest Guridi ever came to overt impressionism; however, romanticism predominates as open fifth horn fanfares, indicating the hero’s journey permeate the piece. The voyage on the vessel is rather colorful, using strings and woodwind mostly, with constant heroic announcements in brass. Woodwind chorales permeate over strings, using sometimes impressionistic 9^th and 11^th major, augmented and diminished chords, as well as modal inflexions in tonality during a solo for English horn. Suddenly, timpani and percussion launch a dramatic storm scene, clashing all around the orchestra in brass and strings, quite reminiscent of Debussy’s La Mer. The vessel survives the strong gale and continues into the Greek mainland, in where Telemachus goes to Pylos and Sparta in search for his father. Nevertheless, when finding out through an oracle Odysseus is held captive by nymph Calypso, Athena warns him to go back to Ithaca; place where he would find his father as a vagrant returned from his long, doomed voyage across the Mediterranean Sea.

Sergei Prokofiev: The Soviets and the fall of Egypt.

It is difficult to say that Prokofiev was drawn back into Soviet Russia by force; he returned mostly by economic circumstances, yet he was in some ways persuaded by the Soviet authorities to come back. This came mostly in the way of growing collaborations, something he rarely enjoyed in the West after the Great Depression. One of these was originated by the Moscow Theatres for a play centered on the fall of the Egyptian Civilization, based upon an unfinished text by Pushkin, upon one by socialist intellectual George Bernard Shaw and also upon Shakespeare’s classic Antony and Cleopatra. The setting of Egyptian Nights, Op. 61 would be during the last years of Egypt as independent world power, and it revolved around the ardent passions Cleopatra, the last Pharaoh of Egypt, drew upon Jules Caesar and Mark Antony, two of the last Republican consuls of Ancient Rome. By those days, Egypt was nothing but a shadow of the former kingdom it once was. Already occupied by Alexander the Great, Egyptian nobility nonetheless mixed with the Macedonian Greek heirs to his empire and in the end, a new dynasty was founded by Ptolemy I Soter, one of Alexander’s most trusted generals. For nearly 300 years, the Egyptians continued to thrive as one of the successor kingdoms of Alexander the Great, surviving Roman or Parthian conquests unlike the others. It was until the last days of the Roman Republic that Egypt also saw its demise, incredibly because the fate of their rulers became one against the ambitious will of one young man, Octavian, who was to become the first Emperor of Rome. It is ironic, but realistic, that the tastes of Soviet cultural authorities were not in favor of such kind of tales, considering on how things were happening with Stalin and his continuous political persecutions to become the unquestioned leader of the Soviet Union. Yet, it is understandable for how things went on during the 20^th and 21^st Centuries with political propaganda to veil reality; this given the fact that the Soviet cultural bureaucracy sought stories of proletarian heroes.

For those reasons, the play wasn’t really popular, yet Prokofiev arranged a Symphonic Suite out of the most important materials of the incidental music. The first movement, Night in Egypt, begins with chords that foretell Prokofiev’s massive cantata Alexander Nevsky with ominous bass drum roll, which immediately transform into a pentatonic Nocturne for woodwind and brass. The second movement Caesar, the Sphinx and Cleopatra, is a love scene in which Julius Caesar meets with the last Queen Pharaoh for the first time under the protection of the guardian Sphinx, featuring a delicate atmosphere colored by strings, woodwind and percussion. The third movement, The Alarm, is instigated by rolling drums, beginning a solo for percussions, warning of the upcoming danger that approaches to Egypt. Caesar has been murdered back in Rome, and there is probably nothing that would stop the Romans to invade. However, Mark Antony, one of Caesar’s successors, has also fallen under the spell of Cleopatra. This is the subject of the next movement Dances, in which the Egyptian court celebrates a lavish feast in the whole orchestra for the union of the two lovers as manner of defense against the growing interests of Rome. The fifth movement, entitled Antony, is based upon the meditation he had moments before his suicide. Being defeated by Octavian at Actium, Mark Antony escaped to Egypt just to see the demise of the desired nation he sought to build. Much like Romeo and Juliet, Antony took the decision to end his life as he believed that Cleopatra had done it in order to avoid capture, public humiliation and a certain death by execution. The movement is characterized as a homage/parody to Berlioz’s March to the Scaffold, featuring a march for woodwind, trumpets and strings. The sixth movement is Cleopatra, representing her grief for her lover and for her lost kingdom. This is rather a funeral elegy where mostly strings and woodwind predominate in the much solemn key of G minor. Cleopatra was now made prisoner of Octavian, who allowed her to celebrate the funerals of Antony. Nonetheless, she realized she become now Octavian’s triumph prize and decided to commit suicide as well, poisoning herself with the bite of an asp viper, extinguishing the flame of Pharaohs with her death, recalled by the opening music. The final movement, Roma Militaris, is a massive representation of the unstoppable, cruel and unrelenting war machine, portrayed with heavy percussion and dissonant chords on the horns and trombones, which imitate Roman buccinae. Here, the triumph of Octavian is now absolute, and he celebrates his newly awarded supremacy with dances and with a grandiose military parade.

Anton Rubinstein: Rome’s Child Emperor.

The Rise of Rome as the supreme power in the Mediterranean Sea brought a relative end to a plethora of civilizations that had surrounded the area from Ancient times. Nevertheless, some of their cultural elements were included into the rather “poor” Roman culture. Such an example is given by the Greek and Egyptian religions, whose deities continued to be adored under the empire and sometimes expanded their realm into distant lands; like Goddess Isis, whose cult went as far as Hispania and Britannia. Some other cultures and religions were harshly clamped down, such as the Hebraic and early Christendom because they were against most of the Roman customs like slavery and in a certain manner, against pagan polytheism. Speaking again of Rome, one of the features most admired all-time have been the Emperors, who held enormous powers being supreme commanders of the Army on one hand, and on the other they were the Highest Priest of the Roman religion. This was only countered by the Senate, who as in the times of the Republic continued to produce law decrees; however, the Emperor had the last word upon their rule. During the first 200 years of the Empire’s existence, some of the most renowned emperors existed. One of the most important and controversial was Nero, who ruled between 54 and 68 AD. Nero’s reputation as emperor became quite tarnished since he was accused of having his mother executed (true), of having incited the great fire that consumed most of the Eternal City in 64 AD (false), and of the subsequent persecution of Christians that followed (true). Nonetheless, contemporary research has uncovered that beneath all these accusations, a quite modern, progressive figure lied. Nero was actually a visionary of city planning; he was a peacemaker as he signed non-aggression treaties with the Parthians, and in a certain way he was a sponsor of social justice, since he pressed hard on the wealth of Senators to finance the great public works that the growing city much needed. It was essentially the political and economic persecution against the ruling class, and the much later imposition of Christian dogma which ended up portraying Nero as a barbaric, despotic and depraved emperor, ignoring much of what he actually did to favor Roman plebes, and abandoning his lights in favor of the insurmountable portrayal given by Peter Ustinov in the classic film Quo Vadis. Just to give an example of his unfair oblivion, his architectural masterpiece, the Domus Aurea (Golden House), lies today as a hidden ruin and its secrets are still beyond public reach. Such an iconic character has been nonetheless subject of countless representations including an opera by Russian pianist-composer and conductor Anton Rubinstein.

Rubinstein was born in 1829 to a Jewish-German-Russian aristocratic family in a village of what it is today Moldova. His father was a successful industrial who possessed factories in the region of Ukraine and later in Moscow. He and his younger brother Nikolai proved to be gifted pianists from early age and her mother encouraged them such a career. However, it was mostly private instruction more than public which brought them into public spotlight as protégés of Frederic Chopin, Felix Mendelssohn and Giacomo Meyerbeer during the 1840’s. Rubinstein studied music theory parallel to his much successful career as a pianist, lying only beneath his great friend and counselor Franz Liszt. He is equally the founder of the Saint Petersburg conservatory, much aided by imperial grants from the Tsar. However, it was the growing anti-Semitism that impeded him to develop a more successful composing career, at least at home, denying his credit as a symphonist and only being admired by his only musical successor, Piotr Ilych Tchaikovsky. Rubinstein’s compositional style is entirely endowed to Mendelssohn and Meyerbeer, his childhood idols, and sometimes leaning into Russian folk particularisms. The opera Nero follows mostly Meyerbeerian examples of the genre. The plot is quite simple: Vindex is a general who falls in love with a Christian woman named Kreeza. Nonetheless, she has been equally chosen by Emperor Nero and seeks their union to be blessed. However, Nero’s mother, Octavia, is against their marriage. In his frustration, Nero kills her, commands the city burned and blames the Christians. In the ensuing panic, Kreeza gets killed and Vindex swears revenge; he assembles an army against Nero, who tries to flee, but is surrounded and begs the poet Sakus to end him before captured. Rubinstein later arranged a suite out of the ballet music of the opera, quite a tradition among romantic opera composers like Meyerbeer and Verdi. The first movement is a Chorale with Ballet, making prominent use of strings and woodwind with very agile rhythms all over, while its finale is permeated by a general dance with brass and percussion. The second movement is a Divertissement which features multiple dances at the Roman court: a small Russian flavored dance for strings and brass opens the movement, followed by a softer nocturne featuring delicate string sounds and subtle percussion. This becomes a more passionate sensuous dance highlighting a cello melody with woodwinds, transformed into an oriental dance with an ostinato for tambourine. This slumber-like ambience is broken by a swifter dance by violins and violas, joined suddenly by percussion. The initial dance returns as some sort of general recapitulation. The third movement is a short Festival March in which dancers celebrate one of the multiple Roman Festivals in honor the Gods of the Ancient city, using prominent use of strings and brass. The final movement is the March of the Roman Legions, announcing the triumphant entry of Vindex and his army to liberate the city from Nero’s persecution, using special use of percussion and brass.

In conclusion, the ancient world was a very attractive place for composers to exploit their capacities into interesting musical forms. All the composers presented here shared their very special way of seeing those past ages in fashionable concert works. With the advent of the cinema age, composers could now be able to extend and enhance their visions of those former heroes and legends whilst collaborating in often gargantual productions such as the aforementioned Quo Vadis (Mervyn LeRoy), Spartacus (an early masterpiece by Stanley Kubrick) or Jason and the Argonauts (Ray Harryhausen), all of them musicalized by great household names like Miklos Rosza, Alex North and Bernard Herrmann. Nowadays, it seems that these lost worlds are experiencing a true revival, not only promoted by high grossing films like Gladiator, Exodus or the 300 series, but also by historical reenactments of battles and the revival of the ancient Greek, Roman and Egyptian religions, to name a few.

Sebastian Rodriguez Mayen

*These actual DNA tests tie the Basque to the Georgians more than with other Caucasian aboriginal peoples. Nevertheless, there is a more elaborate fringe theory that would tie these peoples with Chinese-Tibetan and Siberian-Yukon ethnic families, yet has received little academic support, and equally no genetic tests have been performed so far to corroborate or dismantle the theory.

Escenas de la Historia III: Fascinación por la Antigüedad Clásica

La Antigüedad… Dicho tema ha estado presente en el espíritu de las artes y la academia desde el renacimiento, resucitándolo de vez en vez y con diferentes repercusiones a través de diferentes civilizaciones. Los maestros franceses e italianos son aquellos que se han sentido más cerca de los temas “clásicos” que los ingleses o los alemanes, pero con algunas excepciones. Por ejemplo William Shakespeare, el gran dramaturgo inglés, escribió dramas titánicos como Coriolano o Antonio y Cleopatra, basados sobre la Antigua Roma y mismos que le trajeron gran éxito. Johann Wolfgang von Goethe, el renombrado novelista alemán, escribió sus famosas Elegías Romanas cargadas de gran erotismo y mismas que ensalzaban la cultura italiana y romana. Otro inglés, esta vez Lord Byron, estaba tan enamorado con el clasicismo y la cultura griega que fue a Grecia y luchó al lado del ejército revolucionario que buscaba la independencia del Imperio Otomano; al morir en combate, se convirtió tal como Aquiles o Heracles en un héroe para el pueblo griego. Los compositores también se han interesado en estos temas antiquísimos y escrito maravillosas obras de arte, dentro y fuera de los tradicionales círculos, y han logrado transmitirnos sus impresiones de aquellos tiempos ya idos. He aquí unos ejemplos no muy conocidos.

Jesús Guridi: De la Antigua Grecia al País Vasco

Jesús Guridi es probablemente el compositor del País Vasco más renombrado sólo tras Juan Cristósomo de Arriaga, quien vivió brevemente a principios del siglo 19 y cuyos talentos precoces le valieron el apodo del “Mozart Español”. Guridi nació en 1886 en la ciudad de Vitoria-Gasteiz, hoy capital de la Comunidad Autónoma del País Vasco. Durante aquellos días, había un gran alzamiento y resurrección del idioma y de la cultura vasca que corría por las venas de la élite cultural de la región, misma que él absorbería a través de los años. Guridi mostró talento para componer y pronto estaba viajando hacia la Schola Cantorum de París para estudiar con el renombrado profesor Vincent d’Indy, ya que aún Guridi era aún joven para entrar a los conservatorios de Madrid o París. Más tarde se dirigiría a Bélgica para estudiar con el igualmente renombrado Joseph Jongen y más lejos hasta Colonia para ir con el reputado maestro Otto Nietzel. Mientras que la mayoría de los compositores españoles se inclinaban hacia el impresionismo francés, decidió abrazar el romanticismo alemán con una fuerte vena nacionalista vasca, tal como su colega compositor Andrés Isasí, igualmente vasco-español. El pueblo vasco es uno de los más antiguos de Europa, precediendo las olas de migraciones Indo-europeas que repartieron muchas de las bases lingüísticas de los idiomas modernos europeos. Como tal, los vascos poseen una lengua y cultura que no se ha relacionado aún con alguna otra cultura o civilización existente y por ello hoy resisten como una lengua y cultura aislada. Sin embargo, existen teorías que los ligan con las poblaciones no indo-europeas ni altaicas de la Transcaucasia (como los georgianos o daguestaníes), mismas que han sido corroboradas con muestras de ADN.

De vuelta a nuestro tema principal, el más grande logro de Guridi fue su Sinfonía Pirenáica que sería el pariente vasco de la Eine Alpensinfonie de Richard Strauss. Sería inusual pensar que tal compositor tendría interés en componer sobre temas “clásicos”. Sin embargo, en 1915 Guridi escribió un poema sinfónico titulado En un barco fenicio. La Península Ibérica fue colonizada por dos grandes culturas clásicas, por un lado mercaderes fenicios y cartagineses se establecieron en el sur dos enclaves llamados hoy Cádiz y Cartagena; por otro lado los romanos ocuparon toda la península durante el Siglo 1 AC. No sería inusual pensar que un compositor español compusiera al respecto de aquellas culturas. Sin embargo, el héroe del poema sinfónico no es otro que Telémaco, hijo de Odiseo y por lo mismo, griego; quien de acuerdo a la Odisea de Homero, viajó en un barco fenicio a través de las islas Jónicas hacia tierra buscando a su padre. Esta obra fue lo más cercano que Guridi alguna vez estuvo del impresionismo; sin embargo el romanticismo prevalece en la obra con fanfarrias en quintas para corno que indican la hazaña de héroe. El viaje en barco es colorido, usando sobre todo cuerdas y alientos, con constantes anuncios heroicos en los metales. Corales para alientos permean sobre las cuerdas, a veces usando acordes impresionistas de 9ª y 11ª mayores aumentados o disminuidos, así como inflexiones modales de la tonalidad durante un solo para corno inglés. De repente, los timbales y las percusiones lanzan una dramática tormenta, golpeando por toda la orquesta en metales y cuerdas, un poco reminiscente de La Mer de Debussy. El barco sobrevive a tales ajetreos y prosigue su viaje a tierra firme, donde Telémaco desciende en Pilos y continúa a Esparta en la búsqueda de su padre. No obstante, al averiguar a través de un oráculo que Odiseo es prisionero de la ninfa Calipso, Atenea le advierte que regrese a Itaca; lugar donde encontrará a su padre convertido en un pordiosero, habiendo retornado de su largo y difícil viaje por el Mediterráneo.

Sergei Prokofiev: Los soviéticos y la caída de Egipto

Es difícil decir que Prokofiev fue llevado de vuelta Rusia por coerción; más que nada fue por circunstancias económicas. Sin embargo, se podría decir que las autoridades soviéticas le tendieron bazas para su regreso en forma de colaboraciones crecientes, algo que rara vez tenía en Occidente tras la Gran Depresión. Una de éstas vino de los teatros de Moscú para una obra que estaría centrada en la caída de la civilización egipcia, basada sobre un texto inconcluso de Pushkin, uno del intelectual socialista George Bernard Shaw y también sobre el clásico de Shakespeare Antonio y Cleopatra. El escenario de Noches de Egipto Op.61 ocurriría durante los últimos años de Egipto como potencia independiente y trataría sobre Cleopatra, última faraona de Egipto, y las ardientes pasiones que provocó en Julio César y Marco Antonio, dos de los últimos cónsules republicanos de la Antigua Roma. Por aquellos días, Egipto ya sólo era una sombra del reino que alguna vez fue. A pesar de haber sido ocupado por las fuerzas de Alejandro Magno, la nobleza egipcia de mezcló con los herederos macedonios-griegos al imperio de Alejandro y al final una nueva dinastía fue creada por Tolomeo I Soter, uno de los generales más cercanos a Alejandro. Por casi 300 años, los egipcios sobrevivieron como uno de los reinos sucesores a Alejandro, sobreviviendo las conquistas romanas o partas a diferencia del resto. Fue hasta los últimos días de la República Romana que Egipto también vio su fin, increíblemente ligado al destino de sus gobernantes quienes se unieron para hacer frente a las ambiciones de un joven hombre, Octavio, quien más tarde se convertiría en el primer Emperador de Roma. Es irónico, pero realista, que los gustos de las autoridades culturales soviéticas no favorecieran ese tipo de cuentos, considerando cómo Stalin continuaba sus persecuciones y purgas políticas con el fin de convertirse en el líder incuestionable de la Unión Soviética. No obstante, es comprensible dado por cómo se manejaba la propaganda política para encubrir la realidad durante los siglos 20 y 21, ya que la burocracia cultural soviética buscaba historias de héroes proletarios únicamente.

Por dichas razones, la obra nunca llegó a ser realmente popular. Aun así, Prokofiev arregló una suite sinfónica con los materiales más importantes de la música incidental. El primer movimiento, Noche en Egipto, abre con acordes que predicen la cantata masiva Alexander Nevsky con un redoble de bombo ominoso, mismo que se convierte en un nocturno pentatónico para alientos y metales. El segundo movimiento César, la Esfinge y Cleopatra, es una escena romántica en la que Julio César se encuentra con la última faraona por primera vez bajo la protección de la esfinge guardiana, presentando una atmósfera coloreada por cuerdas, alientos y percusiones. El tercer movimiento, La Alarma, es instigada por redobles, empezando un solo para percusiones, mismo que anuncia el peligro inminente que se acerca a Egipto. Cesar ha sido asesinado y quizás no hay nada que detenga a los romanos para invadir. No obstante, Marco Antonio, uno de los sucesores de César, también ha caído víctima de la seducción de Cleopatra. Éste es el tema del siguiete movimiento, Danza, en el que la corte egipcia celebra en un suntuoso festín por toda la orquesta para celebrar la unión de los amantes para proteger Egipto de los intereses romanos. El quinto movimiento, titulado Antonio, se basa en la meditación que él tuvo antes de su suicido. Siendo derrotado por Octavio en Accio, Marco Antonio escapó a Egipto sólo para ver el derrumbe de la nación que tanto amaba. Tal y como Romeo y Julieta, Antonio tomó su vida porque creía que Cleopatra había hecho lo mismo para evitar su captura, humillación pública y una ejecución segura. El movimiento es como una parodia/homenaje de la Marcha al Suplicio de Berlioz, usando una marcha para alientos, trompetas y cuerdas. El sexto movimiento se llama Cleopatra, representando su dolor por su amante y por su reino perdido. Ésta parte es una profunda elegía fúnebre donde los alientos y las cuerdas predominan en la muy solemne tonalidad de Sol menor. Cleopatra es hecha prisionera de Octavio, quien le permite celebrar los funerales de Antonio. No obstante, ella sabe que lo más seguro es que sea ofrecida como el premio triunfal de Octavio y decide suicidarse también, envenenándose con la mordida de una cobra áspid, extinguiendo la llama de los faraones con su muerte, recordada con la música inicial. El movimiento final, Roma Militaris, es una representación masiva de la imparable, cruel y despiadada máquina de guerra romana, retratada con percusiones pesadas y acordes disonantes en cornos y trombones, los cuales imitan las buccinas romanas. Aquí se celebra el triunfo absoluto de Octavio quien festeja su recién adquirida supremacía con danzas y un desfile militar gigantesco.

Anton Rubinstein: El niño emperador de Roma

El surgimiento de Roma como la única potencia sobre el Mediterráneo trajo consigo el fin relativo de muchas civilizaciones que habían rodeado el área desde eras antiguas. No obstante, muchos de sus elementos culturales sobrevivieron dentro de la “escasa” cultura romana. Un ejemplo de ello son las religiones griega y egipcia, cuyas deidades fueron adoradas por todo el imperio y muchas veces hasta en lugares recónditos o impensables; tal es el caso de la diosa egipcia Isis, cuyo culto se extendió hasta las regiones de Hispania y Britannia. Algunas otras culturas o religiones fueron, por el contrario, ampliamente perseguidas como la Hebrea y la Cristiandad primigenia porque estaban en contra de muchas costumbres romanas como la esclavitud y en cierta forma, contra el paganismo politeísta. Volviendo al tema de Roma, una de las características que ha sido admirada por varios siglos han sido los emperadores, quienes poseían gran poder al ser comandantes supremos del ejército por un lado y por otro eran los sumos sacerdotes de la religión romana. Este poder era en cierta forma equilibrado por el Senado, institución que, como en tiempos de la República, continuaba a emitir decretos de ley; si bien el emperador tenía la última palabra al respecto. Durante los primeros doscientos años del Imperio, muchos de los emperadores más conocidos existieron. Uno de los más importantes y controvertidos fue Nerón, quien gobernó entre 54 y 68 AD. Su reputación como emperador fue turbada al ser acusado de mandar ejecutar a su madre (cierto), de haber provocado el fuego que consumió la Ciudad Eterna en 64 AD (falso) y de la subsecuente persecución contra los cristianos que siguió (cierto). No obstante, la investigación contemporánea saca a la luz que bajo dichas acusaciones yace una figura moderna y progresista. Nerón fue en realidad un visionario en el planeamiento urbano; también fue un pacificador al firmar acuerdos de no agresión con los partos y en cierta forma, también fue un promotor de la justicia social al extraer los fondos para las necesarias obras públicas de los profundos bolsillos de los senadores. Fue esencialmente esta persecución política y económica contra la clase gobernante y la muy posterior imposición del dogma cristiano que terminó por pintar a Nerón como un emperador bárbaro, déspota y depravado, ignorando mucho de lo que hizo por la plebe romana y abandonando sus luces en favor del insufrible retrato dado por Peter Ustinov en el filme clásico Quo Vadis. Solo para dar un ejemplo de éste injusto olvido, su obra maestra arquitectónica, el Domus Aurea (Casa Dorada), yace hoy como una ruina escondida y sus secretos aún lejos del público. Dicho personaje ha sido no obstante, sujeto a varias representaciones incluyendo una ópera por el pianista y compositor ruso Anton Rubinstein.

Rubinstein nació en 1829 en el seno de una familia aristócrata judía con orígenes rusos y alemanes que vivía en un pueblo de la actual Moldavia. Su padre era un industrial exitoso que poseía fábricas en Ucrania y posteriormente en Moscú. Tanto él como su hermano menor Nikolai probaron tener grandes habilidades pianísticas desde temprana edad y su madre fomentó dicha carrera. Sin embargo, fue más una instrucción privada que pública que los trajo a la luz al ser protegidos y recomendados de Frederic Chopin, Felix Mendelssohn y Giacomo Meyerbeer durante la década de 1840. Rubinstein estudió teoría musical en paralelo a su exitosa carrera de pianista, en la cual solo estaba por debajo de su gran amigo y consejero Franz Liszt. También fue el fundador del conservatorio de San Petersburgo, mismo que abrió con la ayuda del financiamiento imperial del zar. No obstante, el creciente anti-semitismo le impidió desarrollar una carrera compositiva exitosa, al menos en casa, negándole el crédito de sinfonista y solamente admirado por su único sucesor musical, Piotr Ilich Tchaikovsky. El estilo musical de Rubinstein se debe enteramente a Mendelssohn y Meyerbeer, sus ídolos de niñez, al igual que a algunas ideas rusas populares. La ópera Nerón yace más bien en los ejemplos meyerberianos. La trama es simple: Vindex es un general que se ha enamorado de una mujer cristiana llamada Kreeza. No obstante, ella ha sido elegida por el emperador Nerón quien desea santificar su unión. Sin embargo, la madre de Nerón, Octavoa, se opone a su matrimonio. En su frustración, Nerón ordena su asesinato y la quema de la ciudad, culpando a los cristianos. Durante el pánico, Kreeza muere y Vindex jura vengarse; él junta un ejército contra Nerón, quien se ve imposibilitado de huir de Roma y le pide al poeta Sakus que lo mate antes que ser capturado. Posterior a su estreno, Rubinstein arregló una suite con los números de ballet, tal y como lo hacían entonces otros compositores de ópera como Meyerbeer o Verdi. El primer movimiento es un Chorale con Ballet, haciendo uso prominente de las cuerdas y los alientos junto con ritmos muy ágiles como textura, cuyo final es permeado por una danza general para metales y percusiones. El segundo movimiento es un Divertimento que incluye varias danzas de la corte romana: una danza muy rusa para metales y cuerdas abre el movimiento, seguido por un suave nocturno que usa sonidos delicados en las cuerdas y percusión sutil. Ésta se convierte en una apasionada y sensual danza que resalta una melodía en los chelos y los alientos, transformándose en una danza orienta con un ostinato para pandero. Este ambiente de ensueño se rompe con un veloz baile en violas y violines, al que se unen las percusiones. La danza inicial se repite en forma de recapitulación. El tercer movimiento es una corta Marcha Festiva en la que los bailarines celebras uno de los múltiples festivales en honor a los dioses de la ciudad, usando prominentemente los metales y las cuerdas. El movimiento final es la Marcha de las Legiones Romanas, anunciando la entrada triunfal de Vindex y su ejército para acabar con la persecución de Nerón, usando especialmente percusiones y metales.

En conclusión, el mundo antiguo fue un lugar muy atractivo para que los compositores explotaran sus capacidades en formas musicales interesantes. Todos los compositores aquí presentes presentaron su idea especia de aquellas épocas en obras de concierto. Con el adviento de la era del cine, los compositores pudieron extender y mejorar sus visiones de aquellos héroes y leyendas mientras colaboraban en gigantescas producciones como la ya mencionada Quo Vadis (de Mervyn LeRoy), Espartaco (una temprana obra maestra de Stanley Kubrick) o Jasón y los Argonautas (Ray Harryhausen), todas musicalizadas por grandes hombres como Miklos Rosza, Alex North y Bernard Herrmann. Hoy en día, pareciera que aquellos mundos perdidos experimentan un verdadero renacer, no sólo promovido por filmes populares como Gladiador, Éxodo o la serie 300, sino también por recreaciones históricas vivientes de las batallas y el renacimiento de las religiones antiguas de Grecia, Roma y Egipto, por nombrar algunas.

Sebastián Rodríguez Mayén.

*Estas pruebas de ADN ligan a los vascos con los georgianos más que con otros pueblos nativos del Cáucaso. No obstante, existe una teoría límite más elaborada que ligaría a estos pueblos con las familias Sino-Tibetanas y Siberianas-Yukónicas, misma que ha recibido poco apoyo académico y por lo mismo no se han realizado pruebas genéticas que podrían corroborar o desmantelar esta teoría.