https://www.youtube.com/edit?o=U&video_id=bYjtu_KmMHk
Previously on this blog, we have talked about Gustav Mahler’s undisputable and omnipresent influence for 20th Century composers, but never talked about the man and his art. A man whose rather “short-lived drama” spans across two of the most culminating centuries in the whole history. A man whose aspirations could not have been any more important for the sake of his office; conductor, composer, teacher, Mahler was a musician of his time. A man who is regarded by many as the first-to-last of the Romantics and the first Modern; he became in the end “the new Beethoven” much to Brahms’ chagrin. A man who exerted enormous influence not only among his countless younger pupils and admirers, but also upon his contemporaries: Richard Strauss and Sibelius fell directly and indirectly under his music spell; the former even dedicated his Eine Alpensinfonie to Mahler’s memory. A man whose music could fire the most exhilarating praises and the most daunting critiques; his European and American pupils and admirers like Schoenberg, Casella, Mengelberg and later Copland were among his first champions, while Stravinsky and ostensibly the whole French School looked upon his music with extreme suspicion and disdain. In sum, there has not been such an influential composer since him. His talents were fortunately preserved by his champions over the decades until this day. However, his beginnings as a composer were quite uncertain as much as what he tells us about life in his music.
Gustav
Mahler was born in Bohemian town of Kalischt to German Jewish parents. He was
the second, yet the oldest survivor, of 14 brothers. Young Gustav saw most of
his siblings die in bloom, affecting his spirit with oversensitivity to death;
a topic that is quite recurring all along his works. From early childhood, he
showed talent for playing the piano and composing, which was fueled by the folk
musicality of the town of Iglau, place where he lived most of his childhood.
There, he was constantly exposed to marching bands, folk serenades and street
dancers; elements he would later include in his gigantic symphonies as part of
the ever-changing stream of life. His talents led him eventually to the Vienna
Conservatory, by far the most reputed musical institution of the German
speaking world. There he would meet a reactionary institution, incarnated by
autocrat headmaster Joseph Hellmestberger, who nonetheless held Anton Bruckner
as one of the instructors. Mahler would rather resist rather than rebel unlike
his friend Hugo Wolff, who was expelled before his studies would be over.
Mahler gained experience there as conductor as well, which would later help him
ensure a fruitful career in Europe and the United States. He ended his studies
in 1878 and started University in 1879, yet he was completely dissatisfied with
the system and quitted almost immediately. Nonetheless, there he learned enough
about Schopenhauer, Nietzsche and Fechner to develop the philosophical basis of
his musical thought, which muses about the nature of life, death, love and
existence. The first appearance of this philosophy lies on one of Mahler’s
earliest surviving works: his cantata Das
klagende Lied or The Song of Sorrow
from 1880. It was probably Mahler’s first original work that survives until
this day, the other being a fragment from his A minor quartet. Some consider
this early first and only attempt to opera as his first authentic piece, both
musically and spiritually. The work is scored for a commonly sized orchestra,
yet it has the addition of four percussion, a mixed-choir, four soloists SATB,
boy soprano or alto, but overall it outstands the most the inclusion of an
offstage orchestra including piccolo, 2 flutes, 2 clarinets in E flat and B
flat each, 3 bassoons, 4 flugelhorns (3 doubling in trumpets in E flat), 2
cornets, timpani, triangle and cymbals. Initially, these numbers were devised
to be larger, but Mahler did subsequent revisions across two decades,
premiering the cantata only in 1901. Its duration is also quintessentially
Mahlerian, lasting about an hour and ten minutes sometimes (Just part 1 lasts
about 30 minutes on its own.)
During this
first part Waldmärchen (Forest fairy
tale), the dark subtext of the cantata emerges. While it is based over Der
singende Knochen (The Singing Bone) by Grimm Brothers, the text for this
cantata was extracted from a tale by Ludwig Bechstein and reinterpreted by
Mahler; it is not one of those tales where the princess stays with the prince
and lives happily ever after, this is a darker story. The music already
suggests a gloomy atmosphere in F sharp minor with faraway horn calls, growing
into gigantic fanfares. After a softer passage by woodwind, the main themes
emerge in brass leading gradually into strings. The baritone begins its
recitative “A Queen once ruled a distant land”, depicting the scene along with
the chorus in pianissimo: a proud queen ruled the land; so proud no other
knight could claim her and her throne. There was however a flower deep in the
woods whose “beauty delighted the eyes” and anyone that could bring it to the
queen would certainly “claim her and her throne as prize”. Two brothers roamed
then by the forest: one of them righteous, the other one twisted. They wandered
in search for the flower and the quest begins musically so one of them would
find it. A march is sung by chorus and orchestra, varying in speed and
direction, as well as in tonality and instruments; sometimes more rich in
brass, sometimes more rich in strings. The young one spots “the red flower
growing under a willow” first, ties it to his hat, and settles to rest calmly
in C major. The fanfares are heard once more, interrupted by a melody in F
minor, indicating the older brother’s wild ride for the flower, only to find it
on his sibling’s hat with a surprised dramatic soprano line. Fanfares are heard
in the offstage and back into the horns. She appeals to the nightingale to wake
the sleeping young man in vain, but her words are blown away by the wind, as
“the flower glistens like drops of blood”. The male chorus then depicts the
atrocious scene: the older brother draws his swords and slays his sibling on
his sleep. Music becomes extremely urgent, flowing anguished on brass and
strings. Music regains its slow flow in F sharp major, for a final musing of
the mezzosoprano and chorus: The forest cries, flowers and willows “shed their
tears” for the brother who has the righteous hand has been unfairly slain. Part
II is named Der Spielmann (The
Minstrel). The stringed opening of this movement foretells much of Mahler’s
second symphony, in C minor as well as this movement. The Dies Irae sounds in
the brass, followed by a lighthearted march. Some years have elapsed and the
fair brother lies buried in the ground, while his fanfares are heard in the
bottom. “Oh sorrow, woe! Oh, sorrow!” Once a minstrel passed through this road,
dancing a folk march in F sharp major, and saw one of the young brother’s bone
and created a flute out of it. He begins to play the song, its sorrowful song
“so sad yet so lovely” anyone who hears it would die of deep sorrow. Music
turns from light into a dark funeral march in brass. Then, the soul of the
murdered brother rises upon the melody of the flute in E flat minor, channeled
by the boy alto. He warns about his assassination, that his older brother has
stolen the flower to court a woman, unbeknownst to the minstrel. The man
decides to discover the identity of the old brother and sets far and wide,
symbolized by a fast charge in timpani and strings. He has rode almost
everywhere playing his flute to find the brother, to no avail. He must then
visit the royal court to find out if the murderer is the queen’s new groom,
ending the music tragically in C minor. Part III is the Hochzeitstuck (or Bridals’ music). The Minstrel has just arrived to
the Queen’s wedding. Fanfares sound aloud in B flat major and joyous cries
among the chorus indicate the great feast offered in the castle. The proud
queen is celebrating her union, and the entrance of her young husband is
announced by the offstage orchestra in C major, fully deployed for the
occasion. Yet the new king seems troubled “standing pale and silent”, weighed
by unknown, mysterious forces. This section is filled with chromatic,
dissonant, unstable chords. The minstrel enters into the feast room and plays
his flute; the slain brother arises from the dead and sings his awe-struck
song. The Dies Irae sounds as a dark omen. The older brother, in blind rage,
springs from the throne into the dwindling celebration “snatches the flute in
blasphemous mockery and puts it to his own lips”, hearing now the melody
himself. The slain brother now sings in person and uncovers his true assassin
in front of everyone in the castle. Pandemonium ensues: as foretold, the proud
queen dies of sorrow while hearing this melody, cornets and drums fall into
silence, lights die down, the knights and damsels flee the castle, whose walls
fall into tatters, ending the piece in a dramatic, final A minor surprise
fortissimo.
Mahler
sought to win a Beethoven Prize by submitting this cantata in 1881, but the judges
found the work too lavish and un-performable and rejected it. Mahler, however,
went on and soon became a renowned conductor all around opera houses in Germany
and Austria, in the end becoming artistic director of Vienna Imperial Opera by
the end of the 19th Century. By then, he had already a strong
reputation as a composer of Lieder and symphonies, and with his enormous
operatic experience he efficiently revised his early opera-cantata, first in
1897, then in 1900. Nevertheless, the cantata didn’t receive much attention and
lies as one of his most underperformed work, much in spite its relative appeal
and excellent use of musical resources.
Sebastian Rodriguez Mayen.
Compositor reconocido, obras desconocidas VI: Un
intento temprano de Mahler en la Ópera
Anteriormente en este blog se había hablado sobre la
indisputable y omnipresente influencia de Gustav Mahler sobre los compositores
del siglo 20, pero nunca se ha hablado sobre el hombre y su manera de hacer
arte. Un hombre cuyo corto drama personal sin embargo se extiende a caballo
entre los dos siglos más culminantes de la historia. Un hombre cuyas
aspiraciones fueron de importancia capital para su oficio; director, compositor
y profesor, Mahler era sin duda un músico de su tiempo. Un hombre que se
considera como el primer-último de los Románticos y el primer Moderno; a final
de cuentas, Mahler fue el “nuevo Beethoven” para desgracia de Brahms. Un hombre
que ejerció no solamente enorme influencia sobre pupilos y admiradores, pero
también sobre sus contemporáneos: Richard Strauss y Sibelius cayeron directa e
indirectamente bajo el encanto de su música; tanto que el primero dedicó su
Eine Alpensinfonie a la memoria de Mahler. Un hombre cuya música podía disparar
las más potentes alabanzas y las críticas más intensas; sus pupilos y
admiradores europeos como Schoenberg, Casella, Mengelberg y más tarde Copland
fueron sus primeros promotores, mientras que Stravinsky y casi toda la Escuela
Francesa escuchaban su música con desconfianza y desdén. En suma, no ha habido
un compositor tan influyente desde él. Sus talentos afortunadamente han sido
preservados por aquellos que lo han admirado a través de las décadas hasta hoy.
No obstante, sus inicios como compositor fueron tan inciertos como lo que su
música nos narra a propósito de la vida.
Gustav Mahler nació en el poblado bohemio de Kalischt,
siendo hijo de judíos alemanes. Él era el segundo, pero el sobreviviente mayor
de 14 hermanos. El joven Gustav vio morir a muchos de sus hermanos aún en su
infancia, afectando su espíritu con una sensibilidad particular hacia la
muerte, tema recurrente en muchas de sus obras. Desde edad temprana mostró
talento al piano y en la composición, misma que era alimentado por la
musicalidad del pueble de Iglau, lugar donde vivió casi toda su infancia. Allí,
estaba constantemente expuesto a bandas militares, serenatas populares y danzas
callejeras; elementos que más tarde incluiría en sus gigantescas sinfonías como
parte del arroyo interminable de la vida. Sus talentos lo llevaron
eventualmente al Conservatorio de Viena, por mucho la institución musical más
reputada del mundo germánico. Allí encontraría un instituto reaccionario,
encarnado por el director autócrata Joseph Hellmestberger, quien sin embargo
conservaba a Anton Bruckner como uno de sus instructores. Mahler resistiría a
esta experiencia a diferencia de su amigo Hugo Wolff, quien sería expulsado
antes de poder concluir sus estudios. Allí también Mahler adquiriría
experiencia como director de orquesta, misma que lo llevaría a ser un reputado
ejecutante en Europa y los Estados Unidos. Terminó sus estudios musicales en
1878 e ingresó a la Universidad en 1879; sin embargo, Mahler se desencantó
pronto con el sistema y pronto lo abandonó. No obstante, pudo aprender
suficiente sobre Schopenhauer, Nietzsche y Fechner para desarrollar la base
filosófica de su pensamiento musical, mismo que medita sobre la naturaleza de
la vida, la muerte, el amor y la existencia. Las primeras apariciones de esta
filosofía aparecen en una de sus obras más tempranas: su cantata Das klagende
Lied o La Canción del Lamento de 1880. Es probablemente la primera obra
original de Mahler que sobrevive hasta hoy en día, la otra siendo un fragmento
de su cuarteto en La menor. Algunos consideren este primer y único intento de
ópera como su primera obra auténtica, tanto musical como espiritualmente. La
obra está orquestada para una orquesta regular, a la que sin embargo se le añaden
cuatro percusiones más, un coro mixto, cuatro solistas SATB, niño soprano o
contralto, pero sobretodo resalta la inclusión de una orquesta tras bambalinas;
misma que incluye flautín, dos flautas, dos clarinetes en Mi bemol y Si bemol,
tres fagots, cuatro flugelhorns (más tres trompetas en Mi bemol), 2 cornetas,
timbales, triángulo y platillos. Inicalmente, estos números serían aún mayores, pero Mahler hizo revisiones
subsecuentes entre dos décadas, estrenando la cantata solamente en 1901. Su
duración también es esencialmente mahleriana, extendiéndose por una hora y diez
minutos a veces (tan sólo la parte 1 dura 30 minutos.)
Durante la primera parte Waldmärchen
(Cuento de hadas forestal), connotaciones oscuras emergen. Si bien el texto
está basado sobre Der Singende Knochen (El hueso cantante) por los Hermanos
Grimm, éste fue extraído para la cantata de una versión por Ludwig Bechstein
que a su vez fue reinterpretado por Mahler; no se trata de una de esas
historias donde la princesa se queda con el príncipe y viven felices por
siempre, es algo mucho más oscuro. La música sugiere desde el principio una
atmósfera sombría en Fa sostenido menor con llamadas lejanas de los cornos,
mismas que crecen hasta ser fanfarrias gigantescas. Tras un pasaje suave en los
alientos, los temas principales emergen en los metales, llevados gradualmente
hacia las cuerdas. El barítono comienza entonces un recitativo “Érase una vez
una reina que gobernaba un distante país”, pintando la escena con el coro en
pianissimo: una orgullosa reina gobernaba su tierra y era tal su orgullo que
ningún caballero podía reclamarla a ella ni a su trono. Sin embargo, había una
flor en el bosque cuya “belleza era deleite tal para los ojos” y que aquél que
la trajera podría “reclamarla a ella y a su trono como premio”. Dos hermanos
merodeaban por el bosque: uno de ellos justo y el otro malvado. Ellos andaban
allí para encontrar la flor y la búsqueda comienza entonces musicalmente. Una
marcha es entonada por el coro y la orquesta, variando en velocidad y
dirección, así como en tonalidad e instrumentación; a veces tiene más riqueza
en los alientos y otras veces en las cuerdas. El más joven localiza “la flor
roja creciendo bajo un sauce” primero, la ata a su sombrero y se dispone a
descansar en Do mayor. Las fanfarrias se escuchan de nuevo, interrumpidas por
una melodía en Fa menor que indica la voraz andada del hermano mayor, sólo para
hallarla en el sombrero de su hermano en una línea sorprendentemente dramática
para soprano. Las fanfarrias se escuchan tras bambalinas en las trompetas y en
escena son entonadas por los cuernos. Ella llama al ruiseñor en vano para que
despierte al joven, pero sus palabras se las lleva el viento, mientras que “la
flor reluce como gota de sangre”. El coro masculino describe la atroz escena:
el mayor desenvaina su espada y asesina a su hermano menor mientras dormía. La
música se vuelve urgente, corriendo angustiadamente en los metales y las
cuerdas. La música se vuelve más lenta y readquiere su tonalidad de Fa
sostenido menor, misma que va hacia una meditación final del coro y la
mezzo-soprano: el bosque solloza y las flores y sauces “derraman lágrmas” ya
que el hermano justo ha sido brutalmente asesinado. La Parte II se titula Der Spielmann (El Trovador): La apertura
para cuerdas de este movimiento predice mucho de lo que vendrá en la Segunda
Sinfonía del propio Mahler, en Do menor al igual que este movimiento. El Dies
Irae suena en los metales, seguido por una marcha ligera. Algunos años han pasado
y el hermano justo yace enterrado allí, mientras que sus fanfarrias se escuchan
al fondo. “¡Oh qué dolor, oooh! ¡Oh, qué dolor!” Una vez pasó por allí un
trovador, bailando una marcha popular en Fa sostenido mayor y vio uno de los
huesos del hermano menor e hizo una flauta con él. Empieza entonces a tocas su
canción, su dolida canción “tan triste pero tan atrayente” que cualquiera que
la escuche podría morir de gran tristeza. La música va de lo alegre a una
triste marcha fúnebre en los alientos. Entonces, el alma del hermano asesinado
surge sobre la melodía de la flauta en Mi bemol menor, canalizado por el niño contralto.
Le advierte que ha sido asesinado y que su flor ha sido robada para que su
hermano mayor cortejara a una mujer, desconocida entonces para el trovador.
Éste decide descubrir la identidad del hermano mayor y marcha por aquí y por
allá, simbolizado por una veloz carga en los timbales y las cuerdas. Ha ido por
todos lados tocando su flauta para encontrar al hermano asesino, pero sin
éxito. Debe entonces visitar la corte real para averiguar si el asesino es en
realidad el nuevo prometido de la reina. La Parte tres se llama Hochzeitstuck (Música nupcial). El
trovador ha llegado a la boda de la reina. Las fanfarrias suenan poderosamente
en Si bemol mayor y se escuchan alegres gritos en el coro indicando el gran
festín que ocurre en el castillo. La orgullosa reina celebra su unión y la
entrada de su joven marido se anuncia en la orquesta tras bambalinas, tocando
toda junta para la ocasión. No obstante, el nuevo rey se ve apabullado “estando
pálido y silencioso”, aquejado por fuerzas misteriosas y desconocidas. Esta
sección está llena de acordes cromáticos, disonantes e inestables. El trovador
entra al cuarto de festines y toca su flauta; el hermano asesinado se alza
entre los muertos y canta su lamentosa canción. El Dies Irae suena como una
oscura premonición. El hermano mayor, ciego de ira, salta del trono hacia la
celebración menguante y “arrebata la flauta con gran burla blasfema y la pone
en sus labios”, escuchando la melodía él mismo. El hermano asesinado ahora
canta en persona y descubre a su asesino enfrente de todos en el castillo. El
desastre ocurre: tal y como predicho, la orgullosa reina muere de tristeza al
oír la canción, las cornetas y los tambores quedan en silencio, las luces se
apagan, caballeros y damiselas huyen del castillo, que se desmorona,
concluyendo así la pieza en un final dramático usando un fortissimo sorpresa en
La menor.
Mahler deseaba ganar un premio Beethoven usando la cantata
como vehículo en 1881, pero los jueces encontraron la obra demasiado
sobre-instrumentada e inejecutable y la rechazaron. Mahler, a pesar de todo,
siguió adelante y pronto se volvió un renombrado director en casas de ópera por
todo el mundo germánico, convirtiéndose en director artístico de la Ópera
Imperial de Viena para fines del siglo 19. Para entonces, también ya había
hecho reputación como compositor de Lieder (canciones) y sinfonías y entonces,
con su enorme experiencia en la ópera, decidió revisar eficientemente su
temprana cantata operática, primero en 1897, luego en 1901. Sin embargo y a
pesar de todo, la cantata no recibió tanta atención como Mahler esperaría y
sigue siendo una de sus obras menos solicitadas, muy a pesar de su relativa
accesibilidad y su excelente uso de recursos musicales.
Sebastián Rodríguez Mayén.
No comments:
Post a Comment