Thursday, September 24, 2015

Cosmopolitan composers VII: The Universe of Peter Maxwell Davies

Peter Maxwell Davies is one of the most frequently played composers in the UK and the rest of the world. He was born in September 1934 in Salford, Lancashire, and since a very early age he felt attracted to music. He actually was submitting compositions to competitions before receiving proper musical training, showing his talent at 14 in BBC Manchester Children’s Hour with a composition named Blue Ice, which left in awe his first patrons, producer Trevor Hill and conductor Sir Charles Groves. He performed his musical studies at the University of Manchester’s Royal College of Music, predecessor of the highly prestigious Royal Northern College of Music, where he met fellow composers Harrison Birtwistle, Elgar Howarth and John Ogdon; the four of them were to form a contemporary music diffusion group named New Music Manchester. Maxwell Davies proved to be on the top of class and immediately received a grant to study in Italy with Goffredo Petrassi in 1956, and he performed his postgraduate studies (with a little help from his friends Aaron Copland and Benjamin Britten) in Princeton under the tutelage of Roger Sessions. He has since then taught music in Australia and England, and also appeared as resident composer and conductor for several orchestras. Maxwell has become also a controversial persona: as an environmentalist, he has denounced the pollution externalities uranium mining has left in the Orkneys, which he made his new home in the mid 1970’s. As an openly gay man, he planned to perform his civil union in 2007 in a privately own light railway, but found himself with a hassle of negations, which provoked him to abort his plans, but also a legal lawsuit which led to the light railway’s closure. Last but not least, a very strong controversy was originated when he, a consummate liberal, was to become Master of the Queen’s Music in 2004, position which was reduced from lifelong to a definite-term one under his tenure. Maxwell actually ended becoming a convinced monarchist after holding the position, as to himself a monarchy brings along “continuity, tradition and stability”. About his music, we cannot unfortunately speak about a definite style, but as a plethora of different styles and moods. While his “serious” music is defined by use of serial and post-serial methods mingled along Medieval and Renaissance polyphonic techniques, works belonging to stage sometimes blend, exclude or even make fun of these. One of these is the monodrama Eight Songs for a Mad King, which explores the madness altered consciousness of King George III (1738-1820); a work that demands a baritone whose expressive range must breach 5 octaves. Also, his ballets such as Salome and Caroline Mathilde mingle expressionist, minimalist, neoromantic and even spectral methods to create drama-filled, powerful environments. His symphonic poems and overtures lie within this simpler vein, sometimes approaching pop and easy listening idioms to great appeal, and unsurprisingly, he is always to be the protagonist or present in some way.

The first of these is named An Orkney Wedding (with Sunrise). Composed after a particular experience during a wedding of his friends/neighbors in his Orkney home, Maxwell Davies created a singular symphonic poem which was premiered in 1984 by none other than the Boston Pops Orchestra conducted by film music star John Williams. The music begins with fledging strings evoking the initially bad weather, followed immediately by the wedding procession in English horn and clarinet playing Scottish tunes. At a point they are invited to drink their first glass of whisky, and a string dance begins. This is followed by the party dance in the full orchestra, showcasing some instruments as violins, horns and trumpets in jolly fashion as the whisky runs all over the place. Music begins to grow wilder and drunker as the party goes along in quite a fashionable way. A second dance emerges in flutes and strings, more calmly as a solo dance is played. A third more, general dance appears in strings and percussion, and grows in jolly fashion across the orchestra, finally stumbling all over with drunken fanfares. A final variation for violin begins calmly and is taken by extremely drunken strings and brass as alcohol has outdid the guests. The music dwindles into the nighttime, apparently dying down into somberness, yet this is countered by a massive return of the jolly melodies, now intoned by a bagpipe, welcoming sunrise in the full orchestra and leading the work to a luminous close.

The second of these is Mavis in Las Vegas, and comes from quite an incident the composer had while staying in Sin City in 1994. Whilst on a tour across America with the BBC Philharmonic and Yan Pascal Tortelier, they stopped at Las Vegas and stayed at the Flamingo Hotel. The computer then misspelled Maxwell Davies as “Mavis”, and when a reporter of the London Independent was looking for him to get an interview, he didn’t showed up until the misspelling was clarified. This inspired Maxwell to incarnate himself as a heroine named Mavis (quite a symphonic drag show innuendo!) and to musically portray her adventures in Las Vegas. The overture was to become an exercise in theme and variations as the work progressed: Initially we might here Mavis theme in the violin which is later introduced by the orchestra on a Big Band scenery, as Mavis enters the casino and starts her senseless betting at pull or at the machines; all while displaying a glittering image across the other guests. After this, she moves out to the street where club music can be heard all along her march; a sarcastic harmonium is heard across the street as a one minute wedding is performed. Mavis stumbles at an Elvis shrine and smiles in her violin theme; she moves along to Caesar Palace where she watches the famous fountain show in strings and brass, as the classical statue replicas seem quite dramatic at times. This is followed by a visit to Liberace’s museum, in which Mavis is astounded by the collection of glittering furniture, clothes, cars and grand pianos, as a waltz is played in the bottom in strings and all over. Mavis seems to be dazzled by this ambience and decides to take a break from it; she ascends into a nearby hill in the desert and watches the night fall over the city; a scene calmly evoked in tremolo strings. A peaceful oboe melody sounds pensive over the landscape as the big band music sounds far away. This gradually returns as Mavis is moved to go back for the rest of the evening, moving now into Las Vegas with her full blown, extremely frenzied theme, closing the work in a dazzling light.

The last of these poems is Maxwell’s Reel (with Northern Lights). This is the most recent of the three presented here, composed in 1998; a work which in opposition to the former poems, this represents an exaltation of the natural world, and for such it is somewhat more occupied with color and expression than its brethren. The composer recalls one time he was in his way to attend a public event in his Orkney home and saw the northern lights dazzling in the night sky, sometimes in conjunction with music during the show, sometimes not. A winding cello tune which comes from The Scottish Minstrel incidentally named Maxwell’s Strathspey, develops into woodwind and into the rest of the orchestra. Suddenly, foreign orchestral colors develop in strings and woodwind: the Northern Lights arise. Flashing is heard above in brass and percussion, while a stronger reel develops in the full orchestra, coalescing into a powerful soundwall. This eventually turns into slower music for flutes, clarinets and strings that recalls Sibelius. The strathspey resumes in a section for flute using bass register and the Lights sounding sharply in brass and strings, growing into a syncopated section for violins and tuba with percussion. The Lights music starts over in brass and tremolo strings with multiple woodwinds that gleam dazzling in the night sky as fireflies into a joyous, final round in pianissimo while passing along different orchestral groups; all of this eventually clashes into a cluster that leads into their sudden fading away in the night sky.

It will seem now evident why Maxwell Davies has become such an influential and respected composer, as he is one of the few composers nowadays who is fond of breaking barriers and create new and daring musical universes.

Sebastian Rodriguez Mayen

Compositores cosmopolitas VII: El Universo de Peter Maxwell Davies

Peter Maxwell Davies es uno de los compositores contemporáneos más populares del Reino Unido al igual que en el resto del mundo. Nacido en 1934 en Salford, Lancashire, desde niño se sintió muy atraído por la música. Incluso, si quiera tuviera edad o entrenamiento formal ya estaba haciendo competir composiciones, como cuando tenía 14 y concursó con su composición nombrada Blue Ice en la Hora Infantil de la BBC de Manchester, dejando sin aliento a sus primeros mecenas, el productor Trevor Hill y el director de orquesta Sir Charles Groves. Realizó sus estudios musicales en el Royal College of Music de la Universidad de Manchester, antecesor del hoy prestigiado Royal Northern College of Music; allí conocería a sus colegas compositores Harrison Birtwistle, Elgar Howarth y John Ogdon, con quienes formaría el grupo de difusión de música contemporánea New Music Manchester. Maxwell Davies resultó ser uno de los mejores de su clase y recibió una beca para estudiar en Italia en 1956 con Goffredo Petrassi y realizaría sus estudios de posgrado (con ayuda de sus amigos Aaron Copland y Benjamin Britten) en Princeton bajo la tutela de Roger Sessions. Desde entonces ha enseñado como profesor tanto en Australia como en Inglaterra y ha aparecido como director y compositor residente en varias orquestas. Maxwell se ha vuelto de igual forma un personaje bastante controversial: como un medioambientalista, ha denunciado la polución nuclear que ha dejado la minería de uranio en las Orcadas, en las cuales estableció su hogar a mediados de la década de 1970. Como un hombre abiertamente homosexual, decidió realizar su unión civil en 2007 en un tranvía privado, pero se encontró con varias negaciones que lo llevaron a abortar su plan y más tarde formar parte de una demanda civil que llevó al cierre del tranvía. Por último, una controversia muy fuerte surgió cuando él, un liberal consumado, había sido nombrado como Master of the Queen’s Music en 2004, posición que se reduciría de ser vitalicia a duración determinada durante su cargo. Maxwell terminaría por convertirse en un monarquista convencido tras su estancia en la corte, ya que según sus palabras esta institución provee “continuidad, tradición y estabilidad”. Sobre su música, no podríamos hablar de un estilo definido pero más bien de una plétora de estilos y caracterizaciones distintas. Mientras que su música “seria” se define por el uso de métodos seriales y post-seriales en conjunto con técnicas polifónicas de la Edad Media y del Renacimiento, sus obras para escena mezclan, excluyen o hasta hacen burla de ellos. Una de éstas es su monodrama Ocho canciones para un Rey Loco, mismo que explora la locura y los estados alterados de la consciencia que padecía el Rey Jorge III (1738-1820); obra que exige un barítono virtuoso que pueda cantar más allá de 5 octavas. De igual forma sus ballets Salomé y Caroline Mathilde mezclan métodos expresionistas, neorrománticos, minimalistas y espectralistas para crear ambientes poderosos y llenos de drama. Sus poemas sinfónicos y oberturas son de índole más ligera, incluso aproximándose al pop y al easy listening de forma exitosa y en los que insorpresivamente, en alguna forma Maxwell resulta siendo protagonista o presente en la acción.

El primero de éstos se titula An Orkney Wedding (with Sunrise) [Una boda en las Orcadas (y el Amanecer)]. Compuesta tras una experiencia particular de una boda de amigos/vecinos de su hogar en las Orcadas, Maxwell Davis creo un singular poema sinfónico que fue estrenado en 1984 nada más que por la Orquesta Boston Pops dirigida por John Williams, estrella de la música fílmica. La música comienza con cuerdas flotantes que evocan el mal clima, seguida de inmediato por la procesión nupcial en el corno inglés y el clarinete mientas se tocan melodías escocesas. En un punto el novio y la novia son invitados a tomar su primer vaso de whisky y comienza una danza para cuerdas. A esto le sigue una danza festiva en la orquesta, mostrando instrumentos como violines, cornos y trompetas alegremente mientras el whisky corre por los invitados. La música comienza a aullar y a divagar en ebriedad mientras la fiesta sigue. Una segunda danza emerge en flautas y cuerdas, más calmadas mientras surge una danza en solo. Una tercera danza, esta vez general, aparece en cuerdas y percusiones y esta aumenta en sonido por toda la orquesta, finalmente cayéndose en fanfarrias poco coherentes por la embriaguez. Una última variación para violín comienza tranquilamente por cuerdas ebrias y metales ya que el alcohol se ha apoderado de los invitados. La música se disuelve en la noche, aparentemente creciendo en sombras, pero esto termina con un retorno masivo de melodías alegres, ahora entonadas por una gaita, saludando al sol en la orquesta, llevando la obra a un cierre luminoso.

El segundo de estos se titula Mavis en las Vegas, y proviene de un incidente que el compositor experimentó al quedarse en la Ciudad del Pecado en 1994. Mientras que estaba en un tour en EUA con la Filarmónica de la BBC y Yan Pascal Tortelier, éste hizo una parada en las Vegas y los músicos se hospedaron en el Flamingo. La computadora registró por error a Maxwell Davies como “Mavis” y cuando un reportero del London Independent llegó para hacerle una entrevista, no lo encontró hasta que se halló dicho error en el registro. Esto inspiró a Maxwell Davies a encarnarse como una heroína llamada Mavis (Si lo pensamos esto posee connotaciones muy particulares) y a retratar de forma musical sus aventuras en Las Vegas. Lo que era inicialmente una obertura, se convertiría en un ejercicio de tema y variaciones: Inicialmente encontramos el tema de Mavis en el violín, mismo que es reintroducido por la orquesta en un escenario de Big Band, esto ocurre cuando Mavis entra al casino para iniciar sus apuestas tanto en las cartas como en las tragamonedas; todo esto mientras ella resplandece de belleza entre los huéspedes. Tras el hotel, Mavis sale a la calle donde suena música de los clubes mientras que ella marcha; un harmonio en tonos sarcásticos se escucha cruzando la calle mientras ocurre una boda de un minuto. Mavis se detiene ante una estatua de Elvis y sonríe con su tema de violín; ella va entonces al Caesar’s Palace para observar el espectáculo de fuentes brillantes en cuerdas y metales, mientras que a su juicio, las réplicas de estatuas clásicas parecieran muy dramáticas. Esto sigue con una visita al museo de Liberace, en el que Mavis se siente atraída por los muebles deslumbrantes, la ropa, los autos y los pianos, mientras que suena un piano y en las cuerdas. Mavis se siente mareada por el ambiente y decide descansar; ella asciende a una colina cercana en el desierto y mira la noche caer sobre la ciudad, escena evocada tranquilamente en trémolos para cuerdas. Una melodía reflexiva en el oboe suena en este ambiente mientras suena la música de big band a lo lejos. Esta retorna gradualmente cuando Mavis regresa a la ciudad para el resto de la noche, llegando a Las Vegas con su tema expresado a todo volumen y frenéticamente, terminando la obra de manera luminosa.

El último de estos poemas es Maxwell’s Reel (with Northern Lights) [La ronda de Maxwell (con Luces del Norte)]. Es el más reciente de los aquí presentes, compuesto en 1998; una obra que en oposición a los otros poemas, representa una exaltación del mundo natural y por ello ésta se ocupa más del color y la expresión que sus hermanos. El compositor recuerda aquí una ocasión en la que iba a un evento público en su hogar en las Orcadas y vio las luces del norte surcando el cielo; a veces en conjunción con la música del evento, a veces no. Una melodía el chelo, una que de hecho proviene del manual llamado El Juglar Escocés e incidentalmente llamada Maxwell’s Strathspey, desarrollando la música en los alientos y el resto de la orquesta. De repente, varios colores orquestales ajenos se desarrollan en las cuerdas y alientos: surgen las Luces del Norte. Sus destellos aparecen en los metales y las percusiones, mientras que una ronda propiamente aparece en la orquesta, fundiéndose en una poderosa muralla sónica. Esto se vuelve una melodía lenta para flautas, clarinetes y cuerdas que recuerda a Sibelius. La ronda continúa en una sección para la flauta usando los registros bajos mientas que las Luces se despliegan en cuerdas y alientos, creciendo hacia una sección sincopada para violines y tuba y percusiones. La música de las Luces prosigue en los metales y cuerdas en trémolos con alientos múltiples que surcan el cielo nocturno como luciérnagas en una ronda final en pianísimo en varios grupos orquestales; todo esto conlleva a un clúster en el que las Luces se desvanecen al instante en el cielo.

Ahora que hemos escuchado estos ejemplos, vemos porqué Maxwell Davies se ha convertido en un compositor tan influyente y respetado, al ser uno de pocos compositores hoy en día que gusta de romper barreras para crear novedosos y poderosos universos musicales.

Sebastián Rodríguez Mayén

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