Cosmopolitan composers: Ernest Bloch’s tripartite nationalism (Part II)

(Versión en español abajo)

Ernest Bloch did not considerate his Israel Symphony as part of a triptych expressing his national identity until 1926, when he concluded the second part America: an Epic Rhapsody. As we have said in the first post about him, Bloch became US citizen in 1924 and spent at least until 1930 living in the USA, before he went back to Switzerland for the next decade. Rising troubles in Europe made Bloch return to the States in 1939, where he finally settled in the west coast: First in San Francisco, then in Portland, Oregon, place where he passed away in 1959.  America: an Epic Rhapsody is a historical triptych within a larger symphonic triptych. This work may be seen as his artistic and ideological graduation piece when becoming a new citizen of the USA. It is a piece with an epic scope: it is as long as the Israel Symphony and Helvetia together; it uses a conventional orchestra, to which he adds a large mixed choir and an optional organ part and finally, its language ranges from Calvinist anthems to Native American motives, American folk music, Afro-American music, patriotic marches, “city” music and jazz. The rhapsody spans from 1620 to 1926 and what Bloch considered the “glorious” future of the USA. It was premiered in 1926 in New York. Nevertheless, Bloch submitted the work to a contest named “Musical America” in 1927: the work won first place for symphonic piece and $3000 cash, and it was performed simultaneously across America late in 1928.

The first movement, “1620”, opens calmly as many Blochian compositions. The leitmotiv of the symphony, much like America the Beautiful, is exposed. It is followed with a melody in the English horn that represents the Soil, accompanied with woodwind. Brass introduces an actual Native American dance with timpani and strings as rhythmic fabric, letting woodwind take on the melody, as well as horns. The theme is announced by the trumpets as the dance continues in strings and woodwind. Brass joins into the instrumental feast, evoking an ancient Native celebration. A softer melody, in pentatonic scales, is treated by woodwind and soft strings. The theme of the soil and the main theme are recalled, and they fade away as in a dream. Music wakes up hastily and gradually becomes an English court dance. The vision is carried across the ocean to post-Elizabethan England, place where the adventure of the Pilgrims began. The court dance moves from woodwind to brass, playing the popular Volta step of English Renaissance. Trumpets suddenly play the leitmotiv, announcing a mission for the English colonists. The music hastens again in strings: Preparations are made for a voyage out in the sea, played by a string and woodwind ostinato: this voyage seems to be calm and gentle, as their ship, the Mayflower, crosses the Atlantic Ocean into the unknown. Brass announces a storm; the Mayflower must confront an agitated ocean as timpani and brass play dissonant variations of the main theme. The ship defies heroically the tempest, with enormous fanfares that crash along the waves in the ocean. The pilgrims have arrived to the new continent, evoked once more in the Soil melody. England is now but a memory of an ancient day. The Pilgrims come then in contact with the Natives, signified by a mingling of the European theme and the Native dance. The stormy music is heard again, now telling about the dangers of this New World, untamed for European culture and civilization. Dark and dissonant strings introduce the leitmotiv again, now more majestic and glorious than before, gradually becoming into a well-known Calvinist anthem “The Old Hundredth”. Reminiscences of the soil and the native melodies are played as the music concludes with peace. The second movement “1861-1865: Hours of Joy – Hours of Sorrow” begins with a “South” Ballad for English horn. A viola solo develops on a new melody, with great anguish and pain; this time approaches the feeling of hardship and slavery. The leitmotiv is briefly played across these haunting musical lines, concluding on an exposition of the Old South melody in strings and woodwind, almost recalling Delius’ visions of America. Once more, the leitmotiv appears in woodwind and grows into dissonant woodwind. Nonetheless, the contemplative melody comes back in woodwind and horns, drawn from the traditional Old Folks at Home minstrel, popular in the post-Civil War years as a tune evoking the antebellum South. Bells toll into this ambience; the children’s folk reel “Pop goes the Weasel” is played by brass horns and English horn, growing in sound; finally exposed rustically by strings and trumpets. The leitmotiv crosses then into the melody. A Creole calenda is played by woodwind and strings, and is then dissected by counterpoint. Battle cries are heard gradually; a confrontation is approaching. The leitmotiv in trumpets plays against the Battle Hymn of the Republic, Dixieland and the Star Spangled Banner among others: The Civil War has started. Percussion and brass expose these melodies, ending with the ultimate triumph of both Battle Hymn of the Republic and leitmotiv. The ballad for English horn is played once more, as well as the music of anguish. A desolate battlefield is evoked by string tremolos and a solemn version of the leitmotiv. Wounded and dead soldiers lie on both sides of the fight; dark brass and strings play then an elegy for the fallen. The leitmotiv is then played softly, leading to a dissonant close. “1926: The present – the future”, begins with a jazz dance: 60 years later, America has become a nation of cities, skyscrapers, industries, automobiles, and of course, jazz music. The urban ambiences are then evoked with brass; dance halls happen to be here and there, carefully evoked by music; cars play their horns among this new landscape; heavy industries dominate the urban tissue in percussions, as well as liners, trains and tramways. The leitmotiv is then heard heroically among this soul of steel, while the jazz dance is heard again, whirling against the industrial sounds of the city and dancing along with them, concluding into a clash of sound. The soil motive of the first motive is heard again, as if recalling a long-gone, pastoral past. The Native American dance is heard again, now with the leitmotiv. Trumpets develop this motive into a mysterious dream like melody, framed by pizzicato strings and harp, while clarinets play the main theme and a development for it. This new musical conjunction develops in counterpoint, becoming gradually a processional for strings and woodwind, marching forward to the Future section. A heroic fanfare is heard as the leitmotiv and the European theme, evoking immigrants moving into the New World, in great brass music for trumpets and horns. The music of America greets them, as the Old folks and the Battle hymn are recalled in brass instruments. Strings and brass join altogether and play a moving introduction to the final anthem by chorus and organ “America, America thy name is in my heart”, a short rendition of all the ideals and visions represented in the music: “freedom, justice and peace”, which ends with a swift but triumphal coda.

After its composition and premiere, Bloch claimed the symphony was inspired by the thoughts on America by Walt Whitman and Abraham Lincoln. According to Bloch “they envisioned the future credo of mankind: A Union, in common purpose and under willingly accepted guidance, of widely diversified races, ultimately to become one race, strong and great.” As history has proven, their musings have remained only as an ideal: The United States of America may have become a melting pot nation as these idealists had envisioned, yet there are still great issues on coexistence between Caucasians, Afro-Americans, Asians and Latino immigrants. The same goes for the American values of democracy and freedom; so much tainted by major events in USA and worldwide that occurred since the 1930’s and the present, which have brought them into questioning.

Sebastian Rodriguez Mayen.

Compositores Cosmopolitas: El nacionalismo tripartita de Ernest Bloch (Parte II)

Ernest Bloch no consideró su Sinfonía Israel como parte de un tríptico expresando su identidad nacional hasta 1926; año en que concluyó la segunda parte América: una Rapsodia Épica. Como lo hemos dicho en el anterior post sobre su vida, Bloch se convirtió en ciudadano estadounidense en 1924 y vivió hasta 1930 en San Francisco antes de regresar a su natal Suiza por una década. El alza de las crisis sociopolíticas en Europa provocó que Bloch regresara a EUA en 1939, donde se estableció en la costa oeste: primero en San Francisco y luego en Portland, Oregón; lugar donde murió en 1959. América: una Rapsodia Épica es un tríptico histórico dentro de un tríptico sinfónico más grande. Esta obra puede ser vista como su graduación artística e ideológica al volverse ciudadano de los Estados Unidos. En efecto, la visión de la obra no podría ser más épica: es tan larga como la Sinfonía Israel y el poema sinfónico Helvetia juntos; usa una orquesta convencional a la que agrega un gran coro mixto y una parte opcional para órgano y para terminar, el lenguaje musical va desde himnos calvinistas a melodías indoamericanas, música folclórica estadounidense, música afroamericana, marchas patrióticas, música urbana y jazz. La rapsodia se extiende desde 1620 a 1926; hasta lo que Bloch consideró que sería el futuro “glorioso” de los EUA. Fue estrenada en 1926 en Nueva York. No obstante, Bloch metió la obra a un concurso llamado “Musical America” en 1927: la obra ganó el primer lugar como composición sinfónica y $3000; por lo mismo fue ejecutada simultáneamente en los EUA hacia fines de 1928.

El primer movimiento, “1620”, abre tranquilamente como varias obras de Bloch. El leitmotiv de la sinfonía, el cual se parece a la canción America the Beautiful, es expuesto en los alientos. Es seguido por una melodía en el corno inglés que representa la tierra. Los metales introducen una verdadera danza amerindia con timbales y cuerdas como ritmo, dejando a los alientos exponer la melodía junto con los cornos. El tema se anuncia en las trompetas mientras que la danza continúa en las cuerdas y alientos. Los metales se unen al festín, evocando una celebración indígena. Una melodía más suave, en escalas pentatónicas, es entonada por alientos y cuerdas. El tema de la tierra y el leitmotiv son retomados, antes de disiparse como en un sueño. La música despierta y rápidamente se convierte en una danza de la corte inglesa. La visión es transportada del otro lado del océano a la Inglaterra post-renacentista, lugar donde comenzó la aventura de los Peregrinos. La danza cortesana se mueve de los alientosa a los metales, tocando el entonces popular paso de Volta. Las trompetas entonan el leitmotiv, anunciando una misión a los colonos ingleses. La música se vuelve a apresurar en las cuerdas: ellos se preparan para un viaje cruzando el mar, el cual es evocado por un ostinato en cuerdas y alientos: el viaje es tranquilo y próspero, mientras que su barco, el Mayflower, cruza el Atlántico hacia lo desconocido. Los metales anuncian una tormenta; el Mayflower debe afrontar un océano agitado mientras los timbales y metales tocan variaciones disonantes del leitmotiv. El barco desafía heroicamente la tempestad, con enormes fanfarrias que se estrellan contra las olas del océano. Los peregrinos llegan finalmente al nuevo continente, evocado una vez más con el tema de la tierra. Inglaterra no es más que una memoria de los días pasados. Los peregrinos hacen contacto con los nativos, musicalmente representados por los temas europeos y amerindios. La música de la tormenta se escucha otra vez, pero advirtiendo de los peligros de esta tierra nueva e inhóspita para la cultura y civilización Europea. Cuerdas disonantes y oscuras introducen el leitmotiv de nuevo y más majestuoso que antes, convirtiéndose gradualmente en un conocido himno calvinista “El antiguo salmo 100”. Reminiscencias de los temas de la tierra e indoamericano se escuchan mientras la música concluye en calma.  El segundo movimiento “1861-1865: Momentos de alegría-momentos de tristeza” comienza con una balada “sureña” para el corno inglés. Un solo para viola desarrolla una nueva melodía, con gran angustia y dolor; esta vez haciendo referencia a las vicisitudes de la esclavitud. El leitmotiv se oye a través de estas líneas musicales, concluyendo con una exposición de la melodía del Viejo Sur en las cuerdas, recordando un poco las visiones estadounidenses de Delius. Una vez más el leitmotiv aparece en los alientos y crece a través de alientos disonantes. Sin embargo, la melodía contemplativa regresa en alientos y cornos, esta vez extraída del minstrel Old Folks at Home, popular en los años posteriores a la Guerra de Secesión como una melodía evocando el Viejo Sur de los EUA. Suenan las campanas; la ronda infantil Pop! Goes the Weasel (traducida en español como María la Bizca) es interpretada por los cornos metálicos y el corno inglés, creciendo sonoramente y rústicamente interpretada por cuerdas y trompetas. El leitmotiv se cruza entre la melodía. Una calenda criolla se escucha en los alientos y las cuerdas y es disociada en contrapunto. A lo lejos se escuchan gritos de guerra; una confrontación se aproxima. El leitmotiv se escucha contra el Himno de Batalla de la República (Himno del Norte), Dixieland (Himno del Sur), Las Barras y las Estrellas entre otros: La guerra civil norteamericana ha comenzado. Metales y percusiones exponen estas melodías, terminando con el triunfo del Himno de Batalla y del leitmotiv. La balada para corno inglés se repite, al igual que la música angustiosa. Un campo de batalla desolado es evocado por trémolos de cuerdas y una solemne versión del leitmotiv. Heridos y muertos yacen de ambos lados de la lucha; cuerdas oscuras y metales entonan una elegía para los caídos. Un leitmotiv se toca suavemente, llevando a un cierre disonante. “1926: El presente – el Futuro” abre con un baile de jazz: 60 años después, EUA se ha convertido en una nación de ciudades, rascacielos, industrias, automóviles y claro, jazz. Los ambientes urbanos son evocados con metales; los salones de baile pululan por aquí y por allá, evocados por la música de jazz; los autos tocan su claxon; las industrias pesadas dominan el paisaje urbano en percusiones, al igual que cruceros, trenes y tranvías. El leitmotiv se oye heroico, amalgamado en éste alma de acero, conjunto con el baile de jazz, concluyendo en un gran estallido sonoro. El tema de la tierra se escucha de nuevo, recordando un pasado pastoral. La danza indígena se escucha de nuevo, acompañada del leitmotiv. Las trompetas desarrollan este motivo en una melodía de ensueño, envuelta por cuerdas en pizzicato y arpas, mientras que los clarinetes tocan el tema principal y lo desarrollan. Esta nueva conjunción musical evoluciona en contrapunto, convirtiéndose en una procesión para cuerdas y alientos, yendo hacia “El Futuro”. El leitmotiv se transforma en una fanfarria heroica y en el tema europeo, evocando a los inmigrantes que llegan al Nuevo Mundo, en gran música para trompetas y cornos. La música popular estadounidense los saluda, ya que se escuchan los temas Old Folks y el Himno de Batalla en los metales. Las cuerdas y esta familia se unen para entonar una introducción al himno final para coro y órgano “America, America, thy name is in my heart”, una breve pero concisa representación de los ideales representados por la música “libertad, justicia y paz”, la cual termina con una breve pero triunfal coda.

Después de su conclusión y estreno, Bloch aseguró que la sinfonía se nutrió de la inspiración causada por los pensamientos de Walt Whitman y Abraham Lincoln sobre los EUA. Según Bloch “ellos vieron lo que sería el credo futuro de la humanidad: una unión con causa común y bajo un liderazgo comúnmente aceptado, de razas diversificadas; las cuales se unirán y se convertirán en una sola, fuerte y grandiosa.” Como la historia lo ha comprobado, sus ideales no son más que eso: Los Estados Unidos de América podrán haberse convertido en un crisol de razas como los idealistas lo pensaron. Sin embargo, aún existen enormes problemas de convivencia entre blancos caucásicos, afroamericanos, inmigrantes asiáticos y latinoamericanos. Lo mismo ocurre con los valores estadounidenses de democracia y libertad, cuya credibilidad ha sido dañada por múltiples eventos en EUA y el resto del mundo que ocurrieron entre 1930 y el presente.

Sebastián Rodríguez Mayén.