Asian Sensitivities I (WW2 Special): WW2 in Japan

World War 2 started officially in Europe in 1939. In Asia, we can say it actually started as back as in 1937 with the Second Sino-Japanese War and the Rape of China: a disastrous invasion that culminated in several brutal and atrocious incidents like the Massacre of Nanking, where Japanese troops indiscriminately murdered up to 60 000 people. The conflict stood along with several Japanese victories and Chinese nationalist and communist guerrilla actions until 1944, when a coalition of British, American and Chinese efforts led Chinese Nationalist Generals to recover most of northern Burma and southern China in order to drive off the Japanese from the Mainland. The other Japanese war theaters opened in southern Asia against the British and Dutch East Indies and in the Pacific against USA possessions in late 1941; with simultaneous actions in December that include the Attack on Pearl Harbor and the Battles of Malaya and Hong Kong, all of them resulting in tremendous victories for the Empire of Japan. How and why did all of these happened, considering Japan was by the end of the last World War, a pro-western, fully industrialized nation? It happened, almost as everything in WW2, as a consequence of WW1 and of the Great Depression of 1929. On one hand, Japanese officers in the 1920’s were contrary to naval disarmament proposed in Washington and London Conferences in spite support from the executive branches; on the other hand, inspired by Fascist Italian successes on countering communist, anarchist and other forms of dissent, Emperor Hirohito and the Japanese ultra-right established the Peace Preservation Department, an office created especially for this task. The conjunction of such events was further propelled by the economic downfall of the Depression, causing antipathy toward Western powers and the rise of Nationalism, Militarism and Totalitarianism as national policies. This eventually led to military expansion into the continent with the creation of the Manchukuo puppet state in Manchuria in 1933 and their exit of the League of Nations that same year. It is not surprising then that Japan eventually joined the Steel Pact with Italy and Nazi Germany in 1940, creating the infamous Berlin-Rome-Tokyo Axis. It is neither strange that nationalist art, even Western-styled, dominated Japan’s cultural scene during the 30’s and the 40’s. Western Academic music in Japan was not foreign to these influences and thus exposes characteristics of Japanese Nationalism.

Humiwo Hayasaka: Overture for a 2600-year Reign.

On 1940, Japanese Empire would be celebrating the 2600^th anniversary of the enthronement of Jimmu, grandchildren of Sun goddess Amaterasu and the first Japanese Tenno (or Emperor). Some Axis composers, as well as those from occupied or neutral nations, were invited by the NHK broadcasting service to compose music for this anniversary: Richard Strauss from Germany, Jacques Ibert from France, Ildebrando Pizzetti from Italy, Sandor Veress from Hunagry and even Benjamin Britten, who was British but a sound and neutral pacifist, composed music for such an event. Most of this music was premiered with great success, except for Britten’s work, which will be discussed later. Equally, NHK launched a similar commission for local composers, including an opera by Kosaku Yamada (whose Symphony in F was the first western-style ever composed by a japanese), a symphony by Kunihiko Hashimoto (whose music would be later introduced) and an overture by Humiwo Hayasaka (known in the West as Fumio Hayasaka), a composer still in his twenties. He was born in 1914 in Sendai to a wealthy family. Nonetheless, by life circumstances, he climbed down into poverty, and in 1932 he was head of his only remaining family, his two siblings. Nonetheless, he never gave up music; situation that helped as he met Akira Ifukube in Sapporo in 1934. In 1935, as a proficient keyboard player, he was appointed organist of a Catholic church in Sapporo. This helped him explore the ancient western traditions of Gregorian chant and Medieval proto-harmonies, and led him to compare them with similitudes existing in Gagaku (Japanese court music) and vice versa. Equally, he also studied fervently music from French impressionism as it favored pentatonic scales and harmonies. However, his friend Ifukube suggested he was wrong and all the existing similitudes remained only in Scythian and proto-Slavonic art traditions. Hayasaka earliest period denotes such a style that blends French impressionism with Ifukube’s own Japanese stravinskism, to which the Festive Overture in D belongs.

The overture is rather a simple piece, swiftly composed in late 1939 and performed in March 1940. It is scored for a triple woodwind, full orchestra with added piano and Japanese percussions. It is an example of a Bolero style development. Music opens with festive marching in percussion and woodwind, introducing the main marching topic only in flutes, as the composer says, abandoning a definite Japanese pentatonic scale and creating a Japanese-sounding music without based on a folk theme or scale. The theme passes, as it is expected in bolero form, through all instruments and families; it results in several developments, whether they are harmonic or contrapuntal, and it raises its tone each time it is repeated. A first interlude comes again in marching rhythms on woodwind and brass and the bolero development is taken by strings. A second interlude development led by strings and woodwind transforms the tune gradually from a parade into a solemn, oriental styled dance, concluding on a majestic reprise of the marching theme.

Hayasaka was unable to perform military duties as he suffered from tuberculosis from 1942 on. During WW2 and after it, he became involved with the production of film music, gradually gaining acknowledgement nationally and internationally for it. Among these scores we find music for Kurosawa’s acclaimed The Seven Samurai and Mizoguchi’s The Crucified Lovers.

Saburo Moroi: A Japanese Requiem.

As accounted in the first section, one of the international composers invited to write music for the 2600^th Anniversary celebrations was Benjamin Britten. He was residing at the time in the United States with his partner Peter Pears, as they were openly conscious objectors, yet he got the commission from the consulate. He then started writing  a piece latter known as the Sinfonia da Requiem, as he (un)fortunately misunderstood the commission as if it was a piece “in memory of” the first Japanese emperor, who was crowned and lived 26 centuries before. The Japanese Government declined his offer as the title was considered an “insult” and the music too somber. Nonetheless, Britten’s music proved to be quite reflective of the violence happening around him and eventually quite prophetic on the actual fate of the Japanese Empire. Yet, there exists another requiem for the empire; one that is “more” Japanese, and is contained within the last movement of the Third symphony of Tokyoite composer Saburo Moroi. He was born in 1903 in a wealthy industrial family. His father and then his older brother were CEOs of a cement company, and it was the latter that learnt young Saburo the art of music; in which he was also well instructed as well as in business. Saburo Moroi first studied art and aesthetics before studying privately with several musicians and learning by himself theory and composition. He premiered some of his early works, which were mostly pianistic, between 1930 and 1931 under a group of artists named “Surya” after the Hindu Sun God.  Finally in 1932 and with his father’s ultimate approval, he went to the Berlin Musikhochschule to study with Leo Schrattenholz, and concluded his studies two years later in 1934, just after the accession of the Nazis to power. His first pieces notated with opus numbers came during and after his study in Germany, as he felt heavily influenced by models left by Bruckner and Hindemith. During the next decade, he asserted as one of the most important voices in Japanese “Western-style” art music, contributing to a multiple discourse of French, German and Soviet influence. Between 1942 and 1944, he composed several works of great importance as they represent the perfect synthesis between his Japanese soul and his German music education. One of them is his Symphony No. 3, Op. 25, which is a wartime work.

By 1943, when Moroi composed the first pages of it, Japan had already suffered defeats in Midway, the Coral Sea and Guadalcanal. Japanese troops were then aware of horrors and suffering caused by death and war; that same terror they created among Chinese, Manchurian, Malay and Philippine populations or the Allied military; that same terror they believed to monopolize. Thus, the symphony is charged with such feelings of anguish and despair on one hand, yet they are contrasted with joy and hope of living on the other. It is scored for a regular sized orchestra with additional organ, and it lasts a little more than half an hour. The symphony opens with A Tranquil Overture (Andante molto tranquillo e grandioso): a haunting motive on upper strings alone is followed by a melody on English horn and further developed by cellos. The melody is then played by violins and English horn as the motive progresses lonely on the bottom. It is time for this opening melody to develop on string instruments alone, before brass and woodwind join into a wonderful chorale decorated by fanfares on horns and trombones. A dramatic, oriental like melody appears in trumpets as if wailing a lament. The opening string motive returns, this time turning desolate. From this gloomy atmosphere in lower string and woodwind emerges The Birth of Spirit and its Growth (Allegro vivace), symbolized by three notes on the C major key: E, F and G. It appears first stated by strings and accompanied by other instruments, and concludes on a dissonant, brucknerian brass wall motif. Strings propel into a development based in this three notes, always ending on the wall motif; as if this would mean the obstacles the spirit finds in order to keep maturing, each time developing differently. Fledging strings take this brucknerian development into a somber section of introspection in cellos and clarinets, which is interrupted by pizzicato strings. This brief introspection is disturbed by a menacing chorale in brass alone; one that subsides into strings. The menacing chorale transforms into a rhythmic, new motive played by trombone and oboe with woodwind, which in time dialogues with the two initial motives of this section. The mixture of these three motives, constantly throwing challenges one at each other, concludes on a gigantic, dissonant fanfare in all the orchestra. Flying strings propel the first motive, the spirit, into advance and into a final affirmation in all of the orchestra. The scherzo of the symphony is named About Humor and Wit (Allegro scherzando), and it contains a dark subtext. It opens with the scherzo motive, driven by a motoric rhythm in 5/8 on strings and drum, as clarinets state the melody. The whole string section follows on the development, as if in a Hindemith piece, sometimes accompanied by untuned percussion suggesting festive music. This syncopated rhythm enters a more mysterious trio section, now closer in nature to Stravinsky and Shostakovich, which concludes on a major brass and percussion chorale that sounds like a war machine. The initial melody is introduced by ultra-chromatic strings and gradually developing into the ambience of the opening, now more chaotic and unrested. This is concluded by a trumpet line and drums, which evoke military music at last. What is then this dark subtext? Why all this music passes from festive and humorous into a warlike dance? Could Moroi have conveyed, in spite of all appearances, the true and unsavory nature of extreme nationalism? Maybe the last movement Aspects of Death (Adagio tranquillo) answers this predicament to some extent. It opens with an ominous timpani roll, followed by strings on a hauntingly beautiful lament which is the basis of the movement. Those who died walk majestically on a path towards eternity in solemn procession. A radiant fanfare is opened by trumpets and horns, as the organ sounds majestically in the bottom. The Land of the Dead appears as if in a vision, a promise for the suffering souls that await the final moment. A fugue section begins in strings playing chromatic and dissonant motives around woodwind. The fugue progresses in string section, and in woodwind led by flutes and oboes. The second subject opens low in strings, also lamenting. It is then that both subjects unite forces and act like a double fugato, now joined by low brass instruments and trumpet calls. This evokes probably the anguishing final moments of those who are dying. A lighter theme is evoked in strings and the upper organ registers, full of hope and peace. This is suddenly interrupted by brass and woodwind together with cellos and lower organ registers. The opening music returns; the final moment has arrived. Now all dead march along, silently into light, as the hopeful theme is stated on trumpets. The cohort approaches into sunlight, leaving all misery of this earthly world, as a final fanfare and chorale announces their peaceful and joyful depart into the Land of the Dead.

When Moroi ended his symphony, he was called up for military service for two years, in which Japan faced the loss of her Empire. He survived unlike the Empire and sadly, unlike his Symphony. By the time it was premiered, in 1950, Japan had changed a lot and while in some manner realistic, the symphony was considered as outdated and performed again until 1978 in a memorial concert for Moroi. Still, I think the last movement will always be important because it answers the questions posed by the dark subtext of the second: Where does extreme nationalism ultimately lead? It leads to death and destruction; both righteous and wicked eventually reach an end to their lives and most anguishing when in times of war.  However, and much in Mahlerian sense, Moroi doesn’t bring an absolute and condemning end for the wicked: in Shinto religion, soul purges all its sins at death when it becomes a Kami (spirit), and then it works to build a better world… And such hope for a better future is expressed in the next work.

Kunihiko Hashimoto: Hopes for a New Democracy.

The war ended catastrophically for Japan. Not only they lost all their territorial seizures they made before and during the war; they also had to face what no one else did: A nuclear holocaust. On 6^th and 9^th August 1945, the US army tested their ultimate weapon, the atomic bomb, on the cities of Hiroshima and Nagasaki. Thousands died instantly, millions had to suffer from the radiation sequels of which many died across the following days, weeks or months. Still, that is a subject for another day. The psychological impact was so huge that several Japanese officers became terrified on the consequences such a weapon, which they did not possess, could do if set on another important city. This, in conjunction with the Soviet invasion of Manchuria on the 9^th August, deeply terrified the military, and many of them desired immediate peace with the Allies. It was not until the 15^th August that Emperor Hirohito ordered his men to stop fighting on a radio broadcast. The USA and Britain started the occupation of Mainland Japan, 13 days later, while the Soviets limited to secure Manchuria and Inner Mongolia for their Chinese Communist Allies and Southern Sakhalin for them. The Surrender came on 2^nd September 1945, six years after WW2 started in Europe. Japan was then disarmed military and spiritually to avoid any future clashes with the West; many things changed as the Americans and the Commonwealth dictated measures to end any future State totalitarianism. The Emperor was still Head of State, but his duties were to be only ceremonial, and contrary to Western monarchs, he held no reserve powers. The Congress and the People renounced to wage war, to force conscription and they should build a military force with the only purpose of self-defense. Moreover, Japan had to adopt a charter of rights to guarantee freedom, equality and justice to their citizens; in other words, Japan had to abolish all laws that could exert power abuse from the government. All of these projects, along with the functions of the new state, were enshrined in the 1947 Constitution of Japan; the Peace Constitution as some would later say. To this purpose, composer Kunikiho Hashimoto was asked to write a symphony to celebrate the inauguration of the document by the State Diet.

Kunihiko (or Qunihico) Hashimoto was born in Tokyo in 1903 and later moved to Osaka, where he came in contact with Western style music. He played in his school band and later he played violin, but he was far more interested into composition, which he learnt virtually by self-learning. He then moved back to Tokyo where he studied violin and conducting, as well as piano playing. As Kurt Weill in Germany, Hashimoto continually erased barriers between classical and popular music, composing music for radio commercials, broadcasts and to accompany films, as well as songs that blurred tonality because he used Mai traditional Japanese music, which is largely atonal. He also composed romantic academic music because he held an office, and in 1934 he premiered his Cantata Celebrating the Birth of the Prince, a work dedicated to incumbent Emperor Akihito. This helped him eventually as the Ministry of Education sent him to study in Vienna, where he met Egon Wellesz, Alois Haba and Ernest Krenek, who taught him the secrets of form and function, as well as those from the Second Viennese School. He also met Schoenberg in Los Angeles in 1937 while returning to Japan. When he did so, he found out that modernism was a trend far from being acceptable and he, as Shostakovich did in the USSR, started composing nationalist compositions like his Symphony No. 1, one of the pieces NHK premiered on the 2600 Anniversary concert. However, he taught his modernist secrets to his pupils Yasushi Akutagawa, Toshiro Mayuzumi and Akio Yashiro, who were able to make names on their own after the war. In 1946, he resigned from teaching as he was responsible for “musical propaganda activities”; nonetheless, he found a way of public rehabilitation by writing the symphony to celebrate the new Constitution. Unfortunately, living under continuous stress ended his life shortly after, as he died afflicted by cancer in 1949.

Hashimoto’s Symphony No. 2 in F major “Celebration Symphony” was composed through March 1947 and premiered on the 3^rd May of that same year on the constitutional ceremonial inauguration. It is scored for full orchestra with the only addition of harps and tubular bells. It lasts about half an hour and it is composed of only two movements. The first movement (Allegro moderato), in sonata form, is opened in delicate strings in F major, duly accompanied by woodwind, sentencing the main, romantic theme. The theme is then stated affirmatively in F minor by the whole orchestra, imbued with Beethovenian inspiration, constantly swirling in all instrumental groups and combinations. This is followed by a secondary theme in C major, exposed first mainly by flutes and oboes, then by strings and brass, closed by silent woodwind. A third theme is then exposed calmly by horns and woodwind, then by strings. The first theme is, as expected, repeated, with slight changes to instrumentation and rhythms, as well as the second and third. As for the third theme, it continues its development in English horn and brass horn and strings in a different tonality, D major, with a little bit of nostalgia in the environment. This is followed by a faster variation of the first subject in flutes and clarinets in B flat major, growing in strings and brass into the first important appearance of percussions; a majestic interpretation of the first and third themes in E major is created. This is followed by a swift, danceable, variation of the second theme in G major, almost like a waltz or a pop song which descends into a maelstrom of brass. This concludes as the first theme is restated in F minor/major, softly in flutes and horns, followed by a formal recapitulation of the opening. The second theme is repeated as well, but in D major/minor. The first theme is finally repeated along with the third in a full F major for brass and strings. This is followed by a nostalgic coda in the relative D minor key, before building on a final climax in F major. The Finale is a march with a theme and variations and coda. The theme is exposed first in F major as a diligent march forward into a new world, by strings and woodwind. The first variation is a playful transformation of the theme in which brass and woodwind predominate. The second variation is a “Russian” one, much recalling Tchaikovsky and Rimsky-Korsakov, for violins and clarinets, concluding with heavy brass. The third variation is a melancholic one with rather oriental undertones, again for strings and woodwind; that swings from light into heavy moods. It is until the fourth variation, which brings Vaughan-Williams to memory; that tonality shifts into the minor mode accompanied by horns. A bassoon line enters with a fifth variation again in F major woodwind and horns that calls back oriental moods and uses parallel harmonies. The sixth and final variation in D major is full of brass and strings, now hearkening American music with great heroism and might.  When the variations end, a rhythmic, descending “bell” motive from the first movement makes appearance in horns in B flat major, this time sounding Japanese; oboes and clarinets play a melodic development that climbs into strings and brass as well. This development is repeated twice, coming to sudden stop. Harps bring back this motive into a grandiose crescendo; the march in F major returns in fortissimo with all the orchestra, percussions included, and with the bells of peace. When this comes into an end, harps and bells repeat the descending motive, which reintroduces the main theme of the first movement, now heroically in horns, trumpets and strings, as the symphony closes with all majesty in a fortissimo tutti.

In the end, all the hopes contained in this symphony eventually grew true. Japan’s economy boosted enormously after the 1950’s, and the nation found peace while adhering into democracy and freedom. By the end of the millennium, Japan was the 2^nd most prosperous nation in the world. Both Japanese traditional and “pop” cultures, exported through videogames, manga and films, have made a definite and solid impact in the Western and para-Western countries, gaining each day new adepts. Unfortunately, stability is not a lasting resource and recent frictions with North Korea and China have pushed Japan to adopt “severe” measures that call to collaborative self-defense with allied countries like South Korea or the USA, and probably changes to the constitution that might leave legal loopholes to thwart human rights or commit torture.

Sebastian Rodriguez Mayen.

Sensibilidad Asiática (Especial 2GM): La 2ª Guerra Mundial en Japón.

La Segunda Guerra Mundial comenzó oficialmente en Europa en 1939. En Asia, ésta empezó realmente en 1937 con la Segunda Guerra Sino-Japonesa y la brutal Invasión de China: un desastroso episodio que culminó en atroces incidentes como la masacre de Nanking, donde tropas Japonesas asesinaron indiscriminadamente a más de 60,000 personas. El conflicto se mantuvo con victorias Japonesas y acciones Chinas de guerrillas nacionalistas y comunistas hasta 1944, cuando los esfuerzos chinos, británicos y estadounidenses permitieron que los generales nacionalistas chinos recuperaran el control de Birmania y el sur de China para expulsar a los japoneses del continente. Otros teatros de guerra japoneses ocurrieron en el sur de Asia contra los británicos y los holandeses en las Indias del Este y en el Pacífico para arrebatar posesiones de los EUA ya tarde en 1941; frentes con acciones simultáneas en diciembre que incluyen el Ataque a Pearl Harbor y las Batallas de Malaya y Hong Kong, todas culminando en victorias japonesas. ¿Cómo y porqué todo esto ocurrió, considerando que Japón era una nación pro-occidental y completamente industrializada a finales de la 1GM? Ocurrió, como casi todo en la 2GM, por causa de la primera y de la Gran Depresión de 1929. Por un lado, varios oficiales de la armada se oponían al desarme naval propuesto en las Conferencias de Washington y Londres muy a pesar del apoyo del ejecutivo; por otro lado e inspirados en el éxito del fascismo italiano para contener la disidencia comunista y anarquista, el Emperador Hirohito y la ultraderecha japonesa establecieron el Departamento de Preservación de Paz, un buró creado para dicha tares. La conjunción de tales eventos fue acelerada por la desgracia económica de la Depresión, provocando antipatía hacia las potencias occidentales y el alzamiento del nacionalismo, del militarismo y del totalitarismo como políticas nacionales. Esto conllevó eventualmente a la expansión militar hacia el continente con la creación del Manchukúo en 1933, un estado satélite en Manchuria; acción que conllevó a la salida de Japón de la Liga de las Naciones. No es de sorprenderse que en 1940, el Imperio de Japón se uniera al Pacto de Acero de Italia y la Alemania Nazi, creando así el infame Eje Berlín-Roma-Tokio. Tampoco es extraño que el arte, incluso el “occidentalizado”, se volcara al nacionalismo y éste dominó la escena cultural japonesa durante los años 1930 y 1940. La música académica Japonesa no fue ajena a tales influencias y por lo mismo, expone características del nacionalismo japonés.

Humiwo Hayasaka: Obertura para un reino de 2600 años.

En 1940, el Imperio Japonés celebraría el 2600 Aniversario de la entronización de Jinmu, nieto de la diosa del sol Amateraus y el primer Ten-no (o Emperador) del Japón. Algunos compositores del Eje, al igual que de naciones ocupadas o neutrales, fueron invitado por la radiodifusora NHK para componer música del aniversario: Richard Strauss de Alemania, Jacques Ibert de Francia, Ildebrando Pizzetti de Italia, Sandor Veress de Hungría e incluso a Benjamin Britten, quien era inglés pero un resonado pacifista y neutral; todos ellos compusieron música para el evento. Casi toda la música fue estrenada sin problema, excepto por la obra de Britten, la cual será discutida después. Así mismo, la NHK envió una comisión similar hacia los compositores nacionales, de la que surgió, entre otras obras, una ópera de Kosaku Yamada (cuya Sinfonía en Fa fue la primer sinfonía al estilo occidental compuesta por un japonés), una sinfonía de Kunihiko Hashimoto (cuya música será presentada más tarde) y una obertura de Humiwo Hayasaka (conocido en Occidente como Fumio Hayasaka), un compositor aún en su segunda década. Hayasaka nació en 1914 en Sendai en una familia adinerada, Sin embargo, por circunstancias desafortunadas, él descendió a la pobreza y en 1932, era cabeza de su única familia, sus dos hermanos menores. No obstante, jamás dejó su idea de ser músico; situación que lo ayudó al conocer a Akira Ifukube en Sapporo en 1934. Un año después, como tecladista profesional, fue nombrado organista de una parroquia católica en Sapporo. Esto lo motivó a explorar las antiguas tradiciones occidentales del Canto Gregoriano y la proto-armonía Medieval. Así, pudo comparar similitudes existentes en el Gagaku (música de la corte japonesa) y viceversa. De igual forma, Haysaka también estudió fervientemente la música del impresionismo francés ya que ésta favorecía las escalas y armonías pentatónicas. Sin embargo, su amigo Ifukube sugirió que estaba equivocado y que todas aquellas similitudes existían únicamente en el arte escita y pre-eslavo. Las obras tempranas de Hayasaka reflejan este estilo que mezcla el impresionismo francés con la versión nipona/estravinskiana de Ifukube, periodo al que pertenece la Obertura Festiva en Re.

Esta obertura es una pieza realmente simple, velozmente compuesta a fines de 1939 y estrenada en Marzo de 1940. Está instrumentada para una orquesta con alientos triples, piano y percusiones japonesas. Es un ejemplo propio a un desarrollo al estilo del Bolero. La música empieza con una marcha festiva en percusiones y alientos, introduciendo el tema de marcha en las flautas; tal y como el compositor lo indica, abandonando una escala o un tema pentatónica nipona, pero creando un ambiente sonoro muy japonés. El tema pasa a través de todos los instrumentos y sus familias como es de esperarse en la forma de bolero, resultando en varios desarrollos, sean éstos armónicos o contrapuntísticos y finalmente, la música sube de tono al ser repetida. Llega un primer interludio en ritmos de marcha en alientos y metales antes de que el desarrollo inicial se tomado por la cuerdas. Un segundo interludio de cuerdas y alientos transforma la melodía de desfile hacia una solemne danza oriental, concluyendo con una repetición majestuosa del tema marcial.

Hayasaka no pudo ejercer servicio militar ya que desde 1942 fue afectado por tuberculosis. Por el contrario, a partir de la 2GM  hasta los años  50, se dedicó a componer música para películas ganando reconocimiento nacional e internacional. Entre las películas que musicalizó encontramos Los Siete Samurai de Kurosawa y Los Amantes Crucificados de Mizoguchi.

Saburo Moroi: Un réquiem japonés.

Tal y como fue relatado en la primera sección, uno de los compositores internacionales invitados a escribir música para el 2600 Aniversario del Japón fue Benjamin Britten. En ese momento, tanto él como su pareja Peter Pears residían en Nueva York al ser objetores de consciencia y sin embargo, obtuvo la comisión desde el consulado. Empezó a escribir una obra que sería conocida como la Sinfonia da Requiem, ya que (des)afortunadamente interpretó la comisión como una obra que “conmemorase la memoria” del primer emperador japonés, quien fue coronado y vivió 26 siglos en el pasado. El gobierno japonés rechazó la obra ya que el título fue considerado “insultante” y la música demasiado sombría. No obstante, la música de Britten reflejaba el universo violento en el que se vivía y que acabó siendo profético sobre el destino del Imperio Japonés. Pero, existe otro réquiem para el imperio; uno más “japonés” y éste se encuentra en el último movimiento de la tercera sinfonía del compositor tokiota Saburo Moroi. Él nació en 1903 en el seno de una rica familia de industriales. Su padre y posteriormente su hermano mayor fueron directores de una compañía de cementos; fue éste último quien instruyó al joven Saburo en el arte de la música, en el que estaba tan bien familiarizado como en los negocios. Saburo Moroi primero estudió arte y estética antes de estudiar de forma privada con otros músicos y aprendiendo sin ayuda teoría y composición. Estrenó sus primeras obras, muchas dirigidas al piano, entre 1930 y 1931 bajo un grupo artístico llamado “Surya” en honor al Dios Sol del hinduismo. Finalmente con el apoyo de su padre, en 1932 marchó a la Berlin Musikhochschule para estudial con Leo Schrattenholz y concluyó sus estudios dos años después en 1934, justo después de que los Nazis ascendieran al poder. Entonces vinieron sus primeras piezas con número de opus, ya que se sintió influenciado enormemente por los modelos propuestos por Bruckner y Hindemith. Durante la próxima década, se volvió uno de los más importantes exponentes de la música clásica japonesa, contriburyendo a un discurso repleto de influencias francesas, alemanas y soviéticas. Entre 1942 y 1944, creó piezas de gran singularidad ya que representan una síntesis de su alma japonesa y su educación musical alemana. Una de ellas es su Sinfonía No. 3, Op. 25, una obra de guerra.

En 1943, cuando Moroi empezó la sinfonía, Japón ya había sufrido derrotas en Midway, en el Mar del Coral y Guadalcanal. Las tropas japonesas ya estaban conscientes de los horrores y del sufrimiento causados por la muerte y la guerra; ese mismo terror que ellos creaban entre poblaciones chinas, manchurianas, malayas y filipinas; ese mismo terror que ellos creían monopolizar. Entonces por un lado, la sinfonía está cargada de sentimientos de angustia y desesperación mientras que por otro lado, éstos contrastan con la alegría y la esperanza de vivir. Es una obra instrumentada para una orquesta regular con órgano adicional y dura un poco más de una hora. La sinfonía abre con Una Obertura Tranquila (Anadante molto tranquillo e grandioso): Un motivo misterioso para las cuerdas es seguido por una melodía en el corno inglés y desarrollado por los chelos. La melodía es tocada luego por los violines y el corno inglés mientras el motivo progresa solitariamente en el fondo. Es momento en que dicha melodía se desarrolle en las cuerdas, antes de que los metales y los alientos se unan  en un maravilloso coral decorado por fanfarrias en cornos y trombones. Una melodía dramática y muy oriental aparece en las trompetas como un lamento sollozante. El motivo de apertura regresa, esta vez desolado. De esta atmósfera incierta, en las cuerdas graves y los alientos emerge El Nacimiento del Espíritu y su Madurez (Allegro vivace), simbolizado por tres notas de la escala de do mayor: Mi, Fa y Sol. Este aparece en las cuerdas y otros instrumentos y el tema se desarrolla hasta un segundo motivo: una pantalla bruckneriana en los metales. Las cuerdas llevan este desarrollo una vez más, siempre estrellándose en el motivo “pantalla”, como si fueran los obstáculos a los que se encuentra el espíritu al madurar, reponiéndose y desarrollándose de novedosas maneras. Fugaces cuerdas llevan este desarrollo bruckneriano a una sección sombría de introspección en chelos y clarinetes. Esta breve introspección es interrumpida por un coral amenazante en los metales; uno que se disipa hacia las cuerdas. El coral se transforma gradualmente en un motivo rítmico llevado por los trombones y el oboe junto con los alientos, mismo que dialoga con los dos motivos iniciales de la sección. La mezcla de los tres, misma que se lanza retos constantemente, concluye en una gigantesca fanfarria disonante para toda la orquesta. Cuerdas voladoras reintroducen el primer motivo, es decir al espíritu, al frente y hacia una afirmación final en toda la orquesta. El scherzo de la sinfonía se titula Sobre el Humor y el Ingenio (Allegro scherzando) y contiene un obscuro trasfondo. Abre con un ritmo de motor en 5/8 en cuerdas y tambor que es el motivo del scherzo, mientras que los clarinetes entonan la melodía. La sección de cuerdas sigue el desarrollo, como en una pieza de Hindemith, a veces acompañado por percusiones secas que sugieren música festiva. El ritmo sincopado entra a una sección de trío que recuerda a Stravinsky y Shostakovich, concluyendo en un coral para metales y percusiones que suena como una máquina de guerra. La melodía inicial es introducida por cuerdas cromáticas ascendentes que desarrollan el ambiente del inicio, salvo que más caótico y perturbado. El movimiento concluye con una repetición en las trompetas y tambores, que evocan música militar. Entonces, ¿Qué significa este oscuro trasfondo? ¿Por qué la música pasa de lo festivo y humoroso a una danza de la guerra? ¿Podría Moroi connotar, a pesar de las apariencias, la verdadera e inquietante naturaleza del nacionalismo extremista? Quizás el último movimiento, Aspectos de la Muerte (Adagio tranquillo) responde a estas preguntas. Éste abre con un ominoso redoble de timbal, seguido por las cuerdas en un hermoso pero terrible lamento que es la base del movimiento. Aquellos que murieron caminan majestuosamente en un camino hacia la eternidad en solemne procesión. Una radiante fanfarria se abre en los cornos y trompetas, mientras que el órgano suena majestuoso al fondo: la Tierra de los Muertos aparece en una visión, una promesa para las almas en pena que esperan su final. Una sección en fuga comienza en las cuerdas que tocan motivos disonantes y cromáticos alrededor de los alientos. La fuga progresa en toda la sección de cuerdas y en los alientos llevados por flautas y oboes. El segundo tema de la fuga se abre en las cuerdas graves, también lamentándose. Ambos temas se combinan hacia un fugato doble, al que se unen los metales graves y llamados de trompeta. Esto evoca los momentos angustiosos de aquellos que van a morir. Un tema más ligero es evocado por las cuerdas y los registros superiores del órgano, lleno de esperanza y de paz. Esto se interrumpe en metales y alientos junto con los chelos y los registros graves del órgano. La música inicial regresa; el momento llegó. Los que acaban de morir se unen a los otros muertos, quienes marchan silenciosamente hacia la luz, ya que el tema de esperanza aparece en las trompetas. El cohorte se aproxima a la luz, dejando atrás toda la miseria mundana, mientras que una fanfarria y un coral anuncian su pacífica y gozosa partida hacia la Tierra de los Muertos.

Tan pronto Moroi concluyó su sinfonía, fue requerido para el servicio militar durante dos años, mismos en los que Japón perdió su Imperio. Moroi sobrevivió a diferencia de éste y tristemente, a diferencia de su sinfonía. Para el momento en que finalmente ésta se estrenó en 1950, Japón había cambiado mucha y a pesar del realismo de la obra, la sinfonía se consideró anticuada y no fue ejecutada hasta 1978 en un concierto memorial del compositor. Sin embargo, creo que el último movimiento siempre será de actualidad, ya que responde al oscuro trasfondo propuesto en el segundo: A donde lleva el nacionalismo extremo ultimadamente sino a la muerte y a la destrucción; tanto el justo como el malévolo mueren y de manera más angustiante en tiempos de guerra. No obstante y de manera muy mahleriana, Moroi no lleva al malvado a un final absoluto y condenador: en la religión sintoísta, el alma purga todos sus pecados al morir cuando se convierte en un Kami o espíritu, el cual obra siempre en aras de un mundo mejor… Uno cuyas esperanzas se exponen claramente en la próxima obra.

Kunihiko Hashimoto: Esperanza de una Nueva Democracia.

La Guerra terminó de forma catastrófica para Japón. No solamente perdieron sus “adquisiciones” territoriales que hicieron desde antes de la guerra; también enfrentaron lo que nadie en la guerra: un holocausto nuclear. El 6 y el 9 de agosto de 1945, el ejército estadounidense probó su arma más mortífera, la bomba atómica, en las ciudades de Hiroshima y Nagasaki. Miles murieron al instante y millones sufrieron las consecuencias de la radiación que terminó matando a varios en los siguientes días, semanas y meses. Pero, ese es tema para otro día. El impacto psicológico fue tan grande que varios oficiales japoneses se aterraron por las consecuencias que un arma así, la cual no poseían, tendría en una ciudad más grande.  Esto, en conjunción con la Invasión Soviética de la Manchuria el 9 de Agosto, terminó por espantar a los militares y muchos de ellos desearon la paz inmediata con los Aliados. Sin embargo, no fue sino hasta el 15 de agosto que el Emperador Hirohito ordenó a sus hombres detener la lucha a través de un anuncio en la radio. Los EUA y la Gran Bretaña comenzaron la ocupación de las Islas Japonesas 13 días más tarde, mientras que la URSS se limitó a recapturar Mongolia Interior y Manchuria para sus aliados comunistas en China y el sur de Sajalín para ellos. La rendición de Japón no ocurrió sino hasta el 2 de septiembre de 1945, seis años después de que la guerra comenzó en Europa. Japón fue desarmado militar y espiritualmente para evitar futuros altercados con Occidente; muchas cosas en realidad cambiaron cuando los estadounidenses y la Mancomunidad Británica dictaron medidas para terminar cualquier totalitarismo estatal en el futuro. El emperador seguiría siendo el Jefe de Estado, pero con funciones puramente ceremoniales y al contrario de los monarcas en occidente, no tendría poderes de reserva. El congreso y el pueblo renunciarían a la guerra, a la conscripción forzada y deberían formar una fuerza militar cuyo único propósito sería la autodefensa. Además, Japón tendría que adoptar una carta de derechos con el fin de garantizar la libertad, la igualdad y la justicia para todos sus ciudadanos; en otras palabras, Japón debería abolir toda ley que pudiera generar abusos de poder por parte del gobierno. Todos estos proyectos, junto con las funciones del nuevo estado, fueron consagrados en la Constitución Japonesa de 1947; la Constitución de Paz como algunos dirían. Con este propósito, se le pidió al compositor Kunihiko Hashimoto que escribiera una sinfonía para celebrar la inauguración del documento por la Dieta Estatal.

Kunihiko (o Quinhico) Hashimoto nació en Tokio en 1903 y después se mudó a Osaka, donde entró en contacto con la música occidental. Tocó en la banda escolar y más tarde el violín, pero estaba más interesado en la composición, la cual aprendió de forma autodidacta. Se mudó luego a Tokio para estudiar violín y dirección, así como piano. Como Kurt Weill en Alemania, Hashimoto continuamente borraba las barreras entre la música académica y vernácula, componiendo música para comerciales, programas de radio, películas, al igual que canciones que se aproximaban a la atonalidad al usar la música tradicional japonesa del Mai. También compuso música académica en el estilo romántico al tomar una dirección musical y en 1934, Hashimoto estrenó su Cantata para Celebrar el Nacimiento del Príncipe, una obra dedicada al hoy Emperador Akihito. Esto lo ayudó ya que el Ministerio de Educación lo envió a Viena a estudiar, donde él conoció a Egon Wellesz, Alois Haba y Ernest Krenek, quienes le enseñaron los secretos del fondo y la forma y también aquellos de la Segunda Escuela de Viena. También conoció a Schoenberg en Los Ángeles en 1937 durante su regreso a Japón. Cuando lo hizo, encontró que el modernismo no era aceptable y Hashimoto, así como Shostakovich en la URSS, compuso obras nacionalistas como su Sinfonía No. 1, una de las piezas que la NHK estrenó en el 2600 Aniversario. No obstante, le ensenó los secretos modernistas a sus pupilos Yasushi Akutagawa, Toshiro Mayuzumi y Akio Yashiro, quienes se hicieron famosos tras la guerra. En 1946, renunció a sus funciones de educador al ser responsable de “actividades de propaganda musical”. Sin embargo, logró rehabilitarse escribiendo la Sinfonía para la nueva Constitución. Desafortunadamente, tanto estrés acabó con su vida poco después, al morir de cáncer en 1949.

La Sinfonía No. 2 en Fa mayor “Sinfonía de Celebración” fue compuesta en Marzo de 1947 y estrenada el 3 de Mayo del mismo año en la ceremonia de inauguración de la Constitución y está instrumentada para orquesta regular con la adición de arpas y campanas tubulares. Dura más de media hora y solo tiene dos movimientos. El primero (Allegro moderato) en forma de sonata, abre con cuerdas y alientos en Fa mayor, estableciendo el tema “romántico” principal. Éste motivo es presentado afirmativamente en Fa menor por toda la orquesta, llena de inspiración Beethoveniana, constantemente girando en todos los grupos y combinaciones instrumentales. Esto es seguido por un tema secundario en Do mayor, expuesto principalmente en flautas y oboes, luego en cuerdas y metales, cerrado por silenciosos alientos. Un tercer tema es expuesto por calmos cornos y alientos y luego por las cuerdas. El tema principal se repite tal y como previsto, solo que con pequeñas alteraciones en instrumentación y ritmos, al igual que el segundo y el tercer tema. En éste último, sigue un desarrollo en el corno inglés y en el metálico, al igual que en las cuerdas, dentro de una tonalidad diferente, Re mayor; misma que encierra nostalgia. Esto es seguido por una variación veloz del tema principal en flautas y clarinetes en Si bemol mayor, creciendo entre las cuerdas y los metales a la primer aparición importante de las percusiones; se crea entonces una majestuosa interpretación del primer y del tercer tema en Mi mayor. Eso es seguido por una variación suave y bailable del segundo tema en Sol mayor, casi como un vals o una canción pop que termina en un remolino de metales. Esto concluye al repetirse el tema principal el Fa menor/mayor suavemente en flautas y cuernos, haciendo una recapitulación del comienzo. El segundo tema se repite en Re mayor/menor. De nuevo entra el tema principal junto con el tercero en Fa mayor para cuerdas y metales; el cual es seguido por una nostálgica coda en la relativa Re menor, antes del clímax final en Fa mayor. El Final es una marcha con tema, variaciones y coda. El tema es expuesto en Fa mayor como una marcha diligente hacia un nuevo mundo en cuerdas y alientos. La primera variación es una juguetona transformación del tema en el que los alientos y los metales predominan. La segunda variación es una “rusa”, recordando a Tchaikovsky y a Rimsky-Korsakov, para violines y clarinetes que concluyen con metales graves.  La tercera variación  es melancólica con ciertos tonos orientales, de nuevo en cuerdas y alientos; misma que va de lo pesado a lo ligero. Es hasta el cuarto movimiento que hallamos una modulación en menor, al escuchar una melodía que hace memoria de Vaughan-Williams y es acompañada por los cuernos. Una línea en el fagot inicia la quinta variación de vuelta en Fa mayor en alientos y cornos que usa de nuevo melodías orientales y armonías paralelas. La sexta y última variación está llena de metales y cuerdas, evocando la música estadounidense con heroísmo y poder. Cuando las variaciones terminan, un motivo rítmico descendiente “de campanas” del primer movimiento hace aparición en los cornos en Si bemol, esta vez siendo muy japonés; los oboes y los clarinetes entonan un desarrollo melódico que escala a las cuerdas y los metales también, uno que se repite dos veces antes de detenerse bruscamente. Las arpas traen de vuelta a este motivo y hacia un grandioso crescendo: la marcha en Fa mayor vuelve en fortíssimo en toda la orquesta y percusiones junto con las campanas “de paz”. Cuando éste climax termina, las arpas y las campanas introducen el motivo descendiente que reintroduce el tema principal del primer movimiento con heroísmo en cornos, trompetas y cuerdas; mientras que la sinfonía cierra con majestad en un tutti fortíssimo.

Al final, las esperanzas contenidas en esta sinfonía se hicieron realidad. La economía japonesa creció enormemente tras los años 50 y la nación halló la paz en la democracia y la libertad. Para finales del milenio, Japón era la 2ª nación más próspera del mundo. Sus culturas tradicional y “pop”, exportadas a través de videojuegos, manga y películas, han creado un impacto sólido en los países de occidente y de su periferia, ganando adeptos día con día. Desafortunadamente, la estabilidad no es un recurso durable y roces recientes con Norcorea y China han empujado a Japón a adoptar medidas severas que llaman a la autodefensa “colaborativa” con países aliados como Corea del Sur y los EUA y muy probablemente, a cambios en la constitución que dejarían agujeros legales para abusos a derechos humanos o para cometer tortura.

Sebastián Rodríguez Mayén.