Wednesday, March 9, 2016

Contemporary voices VIII: Media Circus

The problem is not the intelligence within the screen, but the one outside it. This aphorism could easily solve one of the most complex issues that modern philosophy and aesthetics have raised upon the contemporary entertainment industry, whose machinery is simple but its results are complex yet quite discernible. Just for last year, revenues given by this economical sector account for almost 2 trillion dollars worldwide, which is significantly more than the worldwide military expenditures; these ones accounting almost 1.7 trillion. The real issue that most academics and artists raise upon this economy colossus is the predominant low artistic quality these high selling products by show business offer. While psychologically these claims might be originated by envy, if we objectively speak about this industry we might find its products are – in great dose – philosophically, artistically and aesthetically hollow, repetitive and involutive. Whilst some of these could be just considered as dull, mild, harmless products of art or sport – a topic explored in this post of last year – many of them turn out to be some of the dumbest, obnoxious and sometimes most inhumane exhibitions of human mentality. Nonetheless, this circus of dumb or violent entertainment has been enough reason to denounce or challenge such situation. For example composer John Corigliano – one of America’s most famed and recognized composers – wrote his Symphony No. 3, the “Circus Maximus” as a comment of this “massive and glamorous barbarity”.

John Corigliano was born in 1938, at the same time as handful of American composers including William Bolcom or Gloria Coates, whose style was to be influenced not only by the eldest generation of Americana composers, but also by the avant-gardism of John Cage (1912-1992), Milton Babbitt (1916-2011) and by the “radical” romanticism proposed by George Rochberg (1918-2005). He was born in a musicianship family as his father was principal concertmaster of New York Philharmonic and his mother a successful pianist and teacher, eventually finding full support into musical education. In spite his talents translated into multiple scholarships and grants, Corigliano is a homegrown composer, having received his musical education exclusively in the US. His compositional techniques are branded as postmodern, balancing between tonal, atonal and multitonal systems and composing in a wide variety of forms that include symphonies, chamber music, concertos and film music. Corigliano can be considered as well as a committed composer; an openly homosexual man, he has composed works that relate to the gay community – the most exceptional being his First Symphony, composed in commemoration of his friends who were victim of the AIDS pandemic and in sort of denunciation against a silent and blindfolded sociopolitical system who did nothing to stop its advance. Somewhat in the same spirit comes his Third Symphony, which is rather a denouncing or a philosophical comment of the entertainment nowadays which according to him, it resembles that one of the Roman mobs at the Circus Maximus. Composed in 2004, its themes are still important and relevant to an industry which day to day reaches out its extremes. It is composed for a very large wind ensemble composed of quadruple flutes and oboes (doubling piccolo and English Horn), triple clarinets plus 2 bass and 1 contrabass clarinets, 3 bassoons and contrabassoon; quadruple horns, trumpets and trombones, double euphonium & tuba; piano, harp, timpani and percussion including gunshot. In addition, it requires mahlerian offstage ensembles composed of a surround ensemble placed among the theatre (clarinet in B flat, saxophone quartet, 11 trumpets, 2 horns, percussion and string bass) and a marching band (piccolo and flute, clarinet in E flat, 2 trombones and 2 trumpets plus 1 percussionist that come from the surround ensemble) that comes into the stage during the sixth movement.

As you may predict, the work has a program. Drum strikes open the first movement, Introitus, as the surrounding band plays fanfares. The main band enters into the stage, recalling the entrance of the charioteers into the stadium. These wild fanfares eventually collide into chaos, evoking the work’s main motive. A quieter section ensues, just to witness the musical gestures merging from offstage and onstage into a magnificent sound climax that vividly evokes a gladiatorial combat. From the past, we come into present in the second movement Screen/Siren. The saxophone quartet and the string bass play in solo section from offstage “seductive calls” in semitones and clusters that evoke blues music, yet remain silent. This siren song emitted by TV’s is suddenly joined by all the other offstage instruments that echo their sound. The calm in this movement is suddenly replaced by the vibrance of the third movement, Channel Surfing. A daunting musical cluster is heard in brass and whistles. Corigliano describes this music as “the need of constant change of the ancient mob echoing our own”. A salsa rhythm alternates with martial fanfares and plain gibberish in clarinets and brass, almost repeating in a cycle that clearly evokes a spectator changing TV channels constantly looking for something of his like. This suddenly explodes into the Circus motif, violent as usual, commenting how things have (not) changed since Antiquity. The fourth movement, Night Music I, represents a pause, a quiet reflection among this media savagery. Much like Maxwell Davies in Mavis in Las Vegas, Corigliano goes out the bustling city night life into nature. A suspended drone note in the back allows animal sounds to soar in the fields and forests: Owls hoot in bass clarinets, wolves howl in horns, cows moo in brass… This pastoral interlude pleads for the need of a more balanced relationship with the natural world. Night music II comes as an antithesis of the former movement. A clarinet call emits whirling dance sounds, interrupted by percussion and brass clashes. A jazzy melody evokes city traffic and also hyperdrived club music: It is downtown on Friday night and everyone around cries, jumbles and dances wild music whilst drunken or high on drugs. A megaphone siren lets the marching band in for the sixth movement, Circus Maximus, as the main motif enters in complete loudness. Themes of former movements are revisited, including the animal music, which finds itself completely silenced against the musical paraphernalia coming from all the band sections, which eventually collapses into a massive orchestral tutti/cluster that fades away as the movement ends.* It is almost unequivocal that this violence must be reverted, as in the work as it must be in real life. The seventh movement, Prayer, starts with trumpets intoning plagal cadences (IV-I), which complete full circles of fifth and lead to a serene prayer for the English horn. Eventually, more instruments join as the clarinet answers the words of the English horn, and the flute does the same. The prayer eventually encompasses whole instrument groups in unison with the fanfares playing in the back to a harmonic climax. Unfortunately, this seems to remain as wishful thinking; while the prayer subsides, noises from the Circus begin coming back in the Coda: Veritas. Eventually the noisy, now tragic music invades the scenery once more only to be silenced by a valedictory gunshot.

In spite of and amid the chaos and violence, the spiritual core of the symphony is unmistakably located in its fourth and seventh movements: two movements that allowed the artist into a serene moment of reflection and insightfulness; they represent also a moment of Apollonian enshrinement in a work dominated by Dionysian, Bacchanalian forces. Here, Corigliano pleads effectively for a more rationalized and in some way, sensitive, decanted entertainment – fine arts included.  His symphony has become a classic among professional wind bands because of its technical challenges to stage such a dynamic concert piece, and much in spite its philosophical deepness, which has been argued, entertainment seems to avoid. Even if Corigliano was speaking mostly about television, its same philosophy could be applied to the internet, where even more extreme – crude – ways of entertainment and violence have risen across more than a decade since the work was composed.

Sebastian Rodriguez Mayen.

*This piece has been reported to hurt both listener and performers, who at its climaxes have to play extremely loud notes, extenuating not only ears but also lungs as I could read in a student journal while in university:

Voces contemporáneas VIII: El Circo Mediático

El problema no es la inteligencia dentro de la pantalla, sino aquella fuera de ella. Este aforismo bien podría resolver uno de las coyunturas más complejas que hoy enfrentan tanto la filosofía como la estética moderna sobre la industria del entretenimiento contemporáneo, cuya maquinaria es simple pero cuyos resultados acaban siendo complejos a la vez que discernibles. Solo para el último año, la producción económica de este sector alcanzó casi 2 billones de dólares a nivel mundial, siendo significativamente superiores a los gastos militares; éstos siendo de casi 1.7 billones. El verdadero asunto del cual están detrás la mayoría de académicos y artistas es la baja calidad artística que estos productos de alto consumo ofrecen. Si bien este reclamo en cierta medida podría ser originado por envidia, hablando en términos objetivos encontramos que muchos de estos productos son – en gran dosis – filosófica, artística y estéticamente llanos, repetitivos e incluso involutivos. Si bien algunos podrían ser considerados como productos de un arte o un deporte estéril, inofensivo o tontos, - tema explorado en un post del año pasado – muchos de estos acaban siendo algunos de las exhibiciones más estúpidas, insoportables y a veces inhumanas de la mentalidad humana. No obstante, este circo de entretenimiento idiota o violento ha sido razón suficiente para denunciar o desafiar tal situación. Por ejemplo el compositor John Corigliano – uno de los compositores más famosos y reconocidos de EUA – creó su Sinfonía No. 3 “Circus Maximus” como un comentario hacia esta “barbarie masiva y glamorosa”.

John Corigliano nació en 1938, al mismo tiempo que colegas suyos como William Bolcom o Gloria Coates, cuya música sería no solamente influenciada por la exigua generación nacionalista sino también por el vanguardismo de John Cage (1912-1992), Milton Babbitt (1916-2011) y por el romanticismo “radical” propuesto por George Rochberg (1918-2005). Nació en una familia musical ya que su padre era concertino en la Filarmónica de Nueva York y su madre una talentosa pianista y educadora, eventualmente hallando apoyo para perseguir una carrera musical. Muy a pesar de que sus talentos se tradujeron en múltiples becas, Corigliano es un compositor educado localmente, habiendo recibido su educación musical exclusivamente en EUA. Su técnica compositiva es postmoderna, equilibrando sistemas tonales, atonales y multitonales y componiendo en diversos géneros que incluyen sinfonías, música de cámara, conciertos y música para películas. Corigliano puede ser considerado como un compositor comprometido; siendo abiertamente homosexual, ha compuesto obras que se relacionan a la comunidad gay – la más excepcional siendo su Primera Sinfonía, compuesta en conmemoración de sus amigos víctimas de la pandemia de SIDA y como denuncia en contra de un sistema sociopolítico que calló y apartó la vista en lugar de detener el avance de dicha enfermedad. Hay algo de ese mismo espíritu en su Tercera Sinfonía, concebida como una denuncia o como comentario filosófico del entretenimiento hoy en día que según él, no le pide nada a aquél de las muchedumbres romanas en el Circus Maximus. Compuesta en 2004, sus temas aún son de relevancia para una industria que día a día traspasa sus extremos. Ha sido compuesta para un vasto ensamble de alientos compuesto de flautas y oboes cuádruples (doblando flautín y corno inglés), clarinetes a tres más dos clarinetes bajos y un clarinete contrabajo, tres fagots y contrafagot; cornos cuádruples, trompetas y trombones, dos bombardinos y tuba; piano, arpa, timbales y percusiones que incluyen un rifle de salvas. Además requiere dos ensambles mahlerianos fuera de escena compuestos de un ensamble que rodea el escenario (clarinete en si bemol, cuarteto de saxofones, 11 trompetas, dos cornos, percusiones y contrabajo) y una banda marcial (flautín y flauta, clarinete requinto, dos trombones y dos trompetas más un percusionista extraídos del otro ensamble), misma que entra en escena durante el sexto movimiento.

Como podría predecirse, la obra contiene un programa. Golpes de tambor abren el primer movimiento, Introitus, mientras que la banda en el auditorio toca fanfarrias. La banda principal entra a escena, recordando así la entrada de los aurigas al estadio. Las fanfarrias eventualmente colisionan hacia el caos, evocando el motivo principal de la obra. Una sección más tranquila comienza, sólo para ver gesturas musicales emerger dentro y fuera del escenario que acarrean un clímax evocando un combate de gladiadores. Del pasado, venimos al presente en el segundo movimiento Pantalla/Sirena. El cuarteto de saxofones y el contrabajo tocan un solo desde fuera de escena, compuesto de “llamados seductores” en clústeres y semitonos que evocan blues pero en silencia. A este canto de sirenas que emiten las pantallas se le unen pronto más instrumentos fuera de escena que hacen eco. Esta calma se termina con la agitación del tercer movimiento, Channel Surfing (Zapping). Un terrible cluster musical se escucha en metales y silbatos. Corigliano describe esta música como “la necesidad de cambio constante propia a las muchedumbres de la Antigüedad reflejada en la nuestra”. Un ritmo de salsa alterna con fanfarrias musicales y locura en los clarinetes y metales, casi repitiendo un ciclo que evoca a un espectador haciendo zapping intentando hallar algo que le guste. Esto explota en el motivo del circo, violento como siempre, comentando en cuantos cambios (no) ha habido desde eras pasadas. El cuarto movimiento, Música Nocturna I, representa una pausa; una reflexión silenciosa ante este salvajismo mediático. Tal y como Maxwell Davies en Mavis en Las Vegas, Corigliano escapa la ciudad trepidante hacia la naturaleza por la noche. Un pedal suspendido deja surgir los sonidos de los animales en el campo y el bosque: Los búhos ululan en los clarinetes bajos, los lobos aúllan en cornos y las vacas mugen en metales. Este interludio pastoral aboga por una relación más equilibrada con el mundo natural. La Música Nocturna II presenta una antítesis al movimiento precedente. Un clarinete emite sonidos de danza, interrumpido por golpes de percusión y metales. Una melodía de jazz evoca el tráfico citadino y música súper-cargada propia a los clubes nocturnos: es viernes por la noche y todo el mundo grita, barulla y baila música alocada en estado de ebriedad o drogado. Un megáfono deja entrar a una banda marchando para el sexto movimiento, Circus Maximus, mientras el motivo principal entra haciendo ruido. Se visitan temas de movimientos anteriores, incluyendo la música animal, misma que se halla silenciada ante la parafernalia musical proviniendo de todas las secciones, misma que colapsa en un titánico tutti/cluster que se disipa mientras el movimiento avanza hacia su fin.* Es casi inequívoco que tanta violencia debería ser revertida, tanto en la obra como en la vida real. El séptimo movimiento, Oración, comienza con trompetas entonando cadencias plagales (IV-I), que completan círculos completos de quintas que llevan a un cantar sereno para el corno inglés. Eventualmente, más instrumentos se unen ya que el clarinete responde los llamados del corno inglés y la flauta hace lo mismo. La oración eventualmente une a más grupos orquestales al unísono mientras que las fanfarrias conducen a un clímax armónico. Desafortunadamente, esto pareciera quedarse como deseos; al terminar la oración, los ruidos del Circo regresan en la Coda: Veritas. Eventualmente, esta música ruidosa – trágica ahora – invade la escena una vez más para ser únicamente silenciada con un disparo final.

A pesar de y entre todo este caos y violencia, el centro espiritual de la obra yace localizado en los movimientos cuarto y séptimo: dos movimientos que permiten al artista un momento sereno de reflexión e introspección; así como representan un momento de encumbramiento de fuerzas propias a Apolo en una obra dominada por aquellas de Dionisio. Corigliano aboga por un entretenimiento mucho más racional, delicado, sensible y decantado – incluyendo por supuesto a las bellas artes. Su sinfonía se ha vuelto un clásico entre las bandas sinfónicas por sus desafíos técnicos para escenificar tal pieza dinámica y muy a pesar de su profundidad filosófica, misma que como se ha debatido, la industria del entretenimiento evade constantemente. Incluso si Corigliano hablaba más sobre la televisión que sobre otros medios, esta misma filosofía podría aplicarse al internet en donde formas más extremas – crudas – de entretenimiento y violencia se han desarrollado más allá de la década en la que esta obra fue compuesta.

Sebastián Rodríguez Mayén.

*La pieza aparentemente ha llegado a lastimar tanto a oyentes como ejectuantes ya que en sus clímax se exigen notas muy altas, extenuando no sólo orejas sino pulmones así como pude constatar en este diario estudiantil en la universidad: (English only)

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